Criollos Peruanos en el Mundo

Controversias Pinglistas

2011-05-15T05:36:00.001-07:00

Controversias Pinglistas

En el mes que se celebra el nacimiento de Felipe Pinglo, quien nació el 18 de julio de 1899 en los Barrios Altos, se recuerda al bardo inmortal por las maravillosas composiciones que nos dejó y que enriquecieron el cancionero popular. Pero, también viene a la memoria ciertas controversias que se han dado a través de los años con respecto a algunas de las composiciones que le pertenecen o que, sin pertenecerle, le fueron atribuídas por otros.

Del Maestro Pinglo se ha hablado muy bien, engrandeciéndolo como se lo merece, pero también se habló mal de él ya que no faltaron los que lo calificaron de plagiario, sin tener pruebas suficientes para calificarlo de dicha manera. Pienso que está en nosotros el buscar la verdad sobre ciertas composiciones sobre las que pueda haber controversia, buscando pruebas escritas porque estoy seguro que debe haberlas en algún lugar, donde aún no se ha buscado e investigado, o quizá no se le dio la importanca debida.

En los últimos tiempos, han aparecido nuevos trabajos que aplicando otros métodos de investigación, y los recursos que aporta la tecnología, han profundizado más en estudios hechos hace muchos años, aclarando algunos conceptos que estaban equivocados o sobre los que había cierta duda o se conocía casi nada. Apoyemos dichos trabajos que nos van aclarando la historia de nuestra música popular.

Amalia o Amelia

Felipe Pinglo compone su primera canción en 1917, el hermoso vals "Amelia", cuya musa nunca pudo ser identificada, pero se cuenta que fue una muchacha de su barrio y el primer amor de Pinglo. Este vals ha sido interpretado y grabado por muchos Pinglistas.

Por otro lado, a través de los años se ha hablado mucho de otro vals de nombre similar, "Amalia" o "Amelia", contándose que pertenece la letra a Pinglo y la música a Nicolás Wetzell. Sin embargo, a pesar de haber sido nombrado por dos de sus biógrafos, muy reconocidos como historiadores de la canción criolla, nadie lo ha escuchado y ello ha creado la duda sobre el mismo, sobre si existió o no.

Acompañando un álbum de discos editado por la disquera "Virrey", en 1966, Ricardo Miranda Tarrillo escribió una biografía de Felipe Pinglo Alva y en la misma señala lo siguiente: "Aquel mismo 1926, Felipe accede al pedido de su amigo el laudista Nicolás Wetzell, y escribe los versos para la música del vals 'Amalia' dedicado por Wetzell a su madre."

Años más tarde, Ricardo Miranda Tarrillo, en su libro "Música criolla del Perú, Lima 1989, vuelve a repetir lo dicho en 1966, pero añadiendo algo más: "El primer vals que compuso Wetzell en 1926 estuvo dedicado a su madre, Amalia. La letra la puso Pinglo. No es conocido porque su ejecución demanda concentración y estudio, debido a las complicadas variantes de su línea melódica."

Aurelio Collantes manifiesta lo mismo en su libro "Pinglo Inmortal", Lima 1977, añadiendo que fue en el "Callejón del Fondo" adonde Nicolás Wetzell acudió en busca de Pinglo para que le escribiera unos versos para su vals "Amelia", dedicado a su señora madre. "Esta pieza no es conocida por lo complicada de su ejecución", señala Collantes.

Nicolás Wetzell daría su versión de los hechos en una entrevista que le hizo el periodista Raúl Vento, publicada en el suplemento VSD de La República, el 1 de abril de 1983. Wetzell cuenta: "Yo tenía una composición 'Amalia' dedicada a mi madre. Por ese tiempo todavía no musicalizaba. Felipe se enteró de 'Amalia' y me dijo que él iba a poner la música. Pero ya estaba enfermo. Siempre me decía: 'toca Amalia', 'toca Amalia'. En una de mis visitas al hospital Dos de Mayo lo encontré en el patio. Estaba en una silla de ruedas. 'Nicolás', me llamó enfebrecido, '¿Y Amalia?. Dame la letra', para calmarlo le recité la letra. El hacía apuntes en un cuaderno y tarareaba una música. 'Felipe, lo harás cuando te repongas. Ahora descansa', le dije al ver su esfuerzo. 'No', me respondió, 'sigue'. Pero no seguí más. Se lo llevaron. Fue el último día que lo vi. Esa noche murió".

"¿Y qué pasó con 'Amalia', don Nicolás?", le preguntó Raúl Vento. "Lo guardé, lo dejé igual. Fue mi homenaje a Felipe", respondió Nicolás Wetzell.

Felipe Pinglo murió el 13 de mayo de 1936 en su casa de la calle Penitencia, en los Barrios Altos. Con lo que contaría Nicolás Wetzell a La República, se comprueba que el vals "Amalia", que también lo han llamado "Amelia", si existió, aunque la letra le pertenecía a Wetzell y Pinglo le estuvo poniendo la música. Pero Wetzell no lo dio a conocer, guardándolo como si fuese un tesoro, ya que le recordaba al amigo que partió de este mundo a temprana edad. Wetzell se llevó la composición dedicada a su madre a su tumba.

Bouquet y Aurelio Collantes

En el LP Bodas de Oro de la Música Peruana, Vol. III, editado por FTA (Fabricantes Técnicos Asociados S.A.) a fines de los 60, Aurelio Collantes escribe en la portada posterior una breve introducción a los temas o compositores que allí se presentan, señalando lo siguiente: "(...) a Felipe Pinglo le atribuyen canciones que él nunca dijo que eran de él, sino que las interpretaba, tal es el caso del vals 'Bouquet', que firma el argentino Flores Cayo, según pieza musical del año 1938."

En su "Documental de la Canción Criolla", Lima 1972, Aurelio Collantes vuelve a repetir lo mismo sobre el vals Bouquet: "Referente al vals argentino 'Bouquet' que se le atribuye al preciado compositor, sabemos que el trío 'Mastra' se lo enseñó, cuando estuvo en Lima, allá por 1932 y que el verdadero autor es el compositor platense Armando E. Soto Cayo, creador también del vals 'Adiós-Adiós' que equivocadamente damos por nacional. Este documento consta en la pieza editada por Carlos Maldonado en 1938."

Cabe mencionar que Collantes basó sus afirmaciones guiándose en partituras publicadas por la casa Editorial de Carlos Maldonado, a fines de los 30, en las cuales aparecía el nombre de Armando Soto Cayo. Sin embargo, no reparó en que Soto Cayo había escrito solamente las partituras de dichas canciones, mas no era el autor de las mismas.

Del mismo modo, con el vals "Adiós, adiós" Collantes se equivocó ya que Elías Ascuez Villanueva, en el semanario Cascabel del 1 de febrero de 1936, ya había denunciado lo siguiente: "Los argentinos han robado muchas canciones nacionales - Así, 'Adiós, adiós, mis ojos ya no vuelven' y 'Si dos con el alma', han sido convertidos en tangos". El vals que Elías Ascuez se refirió inicialmente es "Adiós, adiós", que fue grabado por las Hermanas Gastelú, en Lima, el 5 de setiembre de 1913 (Disco Victor 67009 - Lado A), apareciendo dicha grabación en el Catálogo de Discos Victor de 1915-1916.

Con respecto al vals Bouquet, dicha afirmación de Collantes, sobre el vals aquel, generó muchos comentarios adversos entre los que conocían la vida y obra del Maestro Pinglo y, ante la contundencia de pruebas al respecto, Collantes tuvo que rectificarse, haciéndolo en su libro "Pinglo Inmortal", Lima 1977, donde, refiriéndose a Bouquet menciona: "Inexplicablemente la Editorial de Carlos Maldonado del Pasaje Carmen, hoy Correo, publicó en 1938 una pieza para piano, firmada por Armando Soto Cayo, autor también del valse 'Adiós-Adiós'."

Collantes rectificó su error con Bouquet, pero insistió en equivocarse con "Adiós, adiós".

Al respecto, el historiador Manuel Zanutelli, en "Felipe Pinglo... a un siglo de distancia", Lima 1999, señala que Bouquet se publicó en la edición No. 96 de "La Lira Limeña", de 1931, sin nombre de autor. Pero en el No. 118 de dicho cancionero, añade Zanutelli, Bouquet tiene las iniciales F.P.A., con una línea explicativa advirtiendo que fue corregido por su autor.

El Expósito

Sobre dicho vals he contado anteriormente, en conversación o intercambio de pareceres con amigos. El vals "El Expósito", de Pedro Espinel, algunos se lo adjudican a Felipe Pinglo, habiendo, incluso, el hijo de Pinglo declarado en una entrevista de hace un poco más de 20 años, cuando todavía estaba vivo, de que ese vals era de su padre (publicada en "Antología de la Música Peruana" de Jorge Donayre y Lorenzo Villanueva, Lima 1987). El hijo de Pinglo se basaba en que su padre nunca conoció el amor de madre y que sus tías le recordaban lo que dijo ella antes de morir de sobreparto: "Ay hijo, cuanto me cuestas". Pero, esa suposición no la considero seria ni tampoco una prueba puesto que no mostró nada escrito que sustentara lo que decía.

Un documento que refuerza la autoría de Espinel con el vals "El Expósito" es la publicación del mismo en la edición No. 1169 de "El Cancionero de Lima", de octubre de 1937. La publicación aquella tiene el siguiente comentario: "Gran Vals Nacional. Otro éxito de Pedro Espinel el autor de 'Fin de Bohemio' cantado con éxito por el trío peruano Costa-Monteverde-Odría por Puchito del Conj. 'Los Bonaerenses' y por Salvador Oda. Cortesía de Elías Castro D." (Cabe señalar que Elías Castro hizo llegar a "El Cancionero de Lima" la letra de varias de las composiciones de Pedro Espinel. Castro era integrante del conjunto chorrillano Santa Rita).

Es a partir de esa edición de "El Cancionero de Lima" que "El Expósito" empieza a publicarse, apareciendo de nuevo en las ediciones posteriores. Parece que Espinel lo acababa de crear, tal vez en setiembre de 1937, ya que en las ediciones anteriores del mencionado cancionero no aparece el vals aquel. Tampoco se le nombra en la edición No. 1136 de febrero de 1937, donde aparece la foto de Pedro Espinel en la portada, señalándose varias de las composiciones que le pertenecen, pero no nombran "El Expósito", porque todavía no lo había compuesto.

En una de mis visitas a Lima, buscando entre periódicos antiguos, pude encontrar la entrevista que le hizo "La Prensa" a Pedro Espinel el 21 de junio de 1938, a dos años de la muerte de Pinglo. El artículo lleva como título "La Música Criolla Nacional se halla en una situación de auge alentador", página 5 de la edición antes mencionada. Espinel dice: "A partir de 'Fin de Bohemio' he tenido otros éxitos con 'El Expósito', vals; 'Bom Bom Coronado', polca; 'Dos reliquias', vals; 'Celos míos', vals; y muchísimas otras creaciones que sería largo enumerar, que los editores han ido dando a conocer al público en forma casi periódica y que, desde la radio, los intérpretes vienen propalando continuamente, pero sin que ello signifique para mí, aparte del mero aplauso y del cariño, poco o nada desde el punto de vista económico."

Muy sabido es la gran amistad y respeto que Pedro Espinel sentía por el Maestro Pinglo, por lo que pienso que no se hubiese adjudicado la autoría de una canción que no le pertenecía y, por sus declaraciones ante La Prensa, se desprende, y comprueba una vez más, que "El Expósito" le pertenece al gran Pedro Espinel.

Fe verdadera, La fe verdadera o Con la fe verdadera

Este vals viene dando vueltas por mi mente desde hace algunos años. Y es que se lo atribuyen a Felipe Pinglo en forma equivocada, es lo que pienso. Me parece que quien crea la confusión es Julio Jaramillo, cuando lo graba y señala, en la grabación aquella, a Felipe Pinglo como autor de dicho vals. Sin embargo, ninguno de los que han estudiado profundamente la vida y obra de Felipe Pinglo lo ha señalado como un vals del Maestro.

Fe verdadera, llamado antiguamente "La fe verdadera" o conocido también como "Con la fe verdadera", es un vals de la Guardia Vieja. El historiador Manuel Zanutelli, refiriéndose a valses anónimos que se escucharon durante los inicios del siglo XX, de la época llamada como la Guardia Vieja, que fueron publicados en "El Cancionero de Lima" por esos años, menciona, entre otros, el vals "La fe verdadera" (Con la fe verdadera del alma noble y pura...).

He encontrado "La fe verdadera" publicada en cancioneros de fines de los 30 e inicios de los 40 y en todos ellos figura como vals de la Guardia Vieja. Por ejemplo, en la edición No. 1381 de "El Cancionero de Lima", de setiembre de 1941, se menciona lo siguiente: "La Fe Verdadera. Antiguo vals criollo de gran éxito". Parece que alguien revivió dicho vals a fines de los 30 ya que lo he visto publicado en ediciones de esos años tanto de "El Cancionero de Lima", como "Alta Voz" y "El Cancionero Porteño"... mencionándose que es de la Guardia Vieja.

Julio Jaramillo nació en 1935 y empezó a grabar en los 50. Cuando graba "Fe verdadera" ya habían pasado muchos años de la muerte de Pinglo y se habían hecho algunos estudios sobre su obra... pero no se mencionaba dicho vals como de Pinglo.

¿Cómo fue que se le ocurrió a Julio Jaramillo pensar que ese vals era de Pinglo? no lo sé, pero si sé muy bien que ninguno de los que han estudiado seriamente al Maestro Felipe Pinglo ha mencionado que ese vals le pertenezca... al menos, no he encontrado ninguna referencia escrita al respecto, que así lo demuestre.

Hermelinda

Otro caso de un vals que nadie ha escuchado es el de "Hermelinda", el último vals que compuso Felipe Pinglo, pocos días antes de morir. La duda, o confusión, se origina porque se cuenta que dicho vals fue dedicado por Pinglo a su esposa, pero en la letra que se conoce del vals de ese nombre se habla de la traición de una mujer, lo cual no tiene sentido porque se supone que era un homenaje a su esposa.

Lo que sucede es que el vals "Hermelinda" que se conoce, el que habla del engaño, fue compuesto por Pinglo cuando acababa de cumplir 20 años y como todo poeta y romántico volcó a versos el desengaño amoroso que tal vez experimentó en su juventud. Según Aurelio Collantes, ese vals "Hermelinda" fue compuesto por Pinglo el 6 de agosto de 1919. La letra, en parte, dice: "Yo he reflexionado en el silencio de una noche / acerca del amor de una mujer / al cabo ha gemido mi corazoncito / al ver la felonía de una ingrata infiel..."

Por esas cosas curiosas de la vida, unos años después, Pinglo conoce a otra mujer de nombre Hermelinda. Se trataba de Hermelinda Rivera, con quien se casa. Juan Rasilla Moreno señaló en el diario La Crónica del 31 de mayo de 1945 de que la esposa de Pinglo, Hermelinda Rivera, le contó que el Maestro, unos días antes de morir, le dijo: "Alcánzame mi cuaderno y un lápiz. Voy a escribir para ti mi última canción. Ella llevará tu nombre y si yo muero, que le pongan la música Vilela o Espinel". Rasilla añade: "Y con una facilidad que sorprendió a los presentes, escribió la letra del vals que sería su póstuma composición: Hermelinda."

Hermelinda Rivera no quiso dar a conocer aquella última composición de Felipe Pinglo; la guardó como el más grande tesoro de su vida. Es así que este vals, también de nombre "Hermelinda", como el que compuso a la edad de 20 años, corrió la misma suerte que el vals "Amalia" o "Amelia" de Nicolás Wetzell, nunca nadie lo escuchó; pero si existió y la misma esposa de Pinglo, Hermelinda Rivera, le contó la historia del mismo a Juan Rasilla Moreno.

Otras controversias

Se ha hablado que "El ruiseñor" no le pertenece a Pinglo, pero hay pinglistas que sostienen que dicho vals sí le pertenece al Maestro. Por ejemplo, Héctor Petrovich Agüero lo señala en su lista de composiciones de Pinglo, que fue reproducida por Willy Pinto Gamboa en su libro "Felipe Pinglo", Lima 1994. El historiador Manuel Zanutelli también lo señala como un vals de Pinglo y también lo he visto publicado en cancioneros de los 30 con el nombre de Pinglo como su autor (El Cancionero de Lima No. 1149, de mayo de 1937).

A inicios de los 40, en los cancioneros que se vendían en Lima se publicaba el vals "Herminia" señalando a Pinglo como su autor. Lo he visto publicado varias veces de esa manera. Juan Rasilla Moreno lo nombra en 1945 como una de las composiciones de Felipe Pinglo (La Crónica del 31 de mayo de 1945). Zanutelli también lo señala como un vals de Pinglo. Y es que el vals aquel apareció publicado en varias ediciones de "El Cancionero de Lima", que no podía pasar desapercibido. El cancionero "Alta Voz" también lo empezó a publicar con el nombre de Pinglo como su autor. Sin embargo, una carta que fue enviada al cancionero "Alta Voz", firmada por Roque Plaza, sostenía que el vals "Herminia" le pertenecía al compositor barrioaltino de la Guardia Vieja, Guillermo Suárez.

Hay dos detalles que debo mencionar. El primero es que Guillermo Suárez falleció a temprana edad en 1922 y se le atribuye el vals "La Cabaña", que también se lo atribuyen a Alejandro Sáez, siendo la autoría de Sáez la que más ha prevalecido. El otro detalle es que hace poco, respondiendo a un comentario sobre algo que había escrito, conté que en "El Cancionero de Lima" No. 1265, Agosto 1939, se publicó el vals "Ultimo Ruego" figurando entre paréntesis "Odiame" y el siguiente comentario: "Vals criollo. Letra y música de Roque Plaza, su verdadero autor". La letra publicada es del soneto "Ultimo Ruego" de Federico Barreto, publicado en la revista Actualidades el 21 de setiembre de 1903. Como se conoce muy bien, parte de la letra del vals "Odiame" de Rafael Otero fue tomado del soneto "Ultimo Ruego" de Federico Barreto, pero lo que, pienso, se ignoraba es que años antes, en 1939 (cuando Otero acababa de cumplir 18 años), alguien más ya le había puesto música de vals al soneto de Barreto. La foto mostrando dicha publicación la compartí en aquella oportunidad.

Volviendo a "Herminia", Roque Plaza, al parecer un criollo de la Guardia Vieja, señala en su carta de que fue muy amigo del ya finado Guillermo Suárez y que el vals en discusión ya tenía como 30 años (se habría compuesto a inicios de la década de los 10), por lo que no era admisible que Pinglo lo haya escrito. También menciona que el cantante Catter puede certificar lo que sostiene.

Es aquí cuando viene a mi mente lo que sobre Pinglo dijo Collantes a fines de los 60: "le atribuyen canciones que él nunca dijo que eran de él, sino que las interpretaba". Es por ello que pienso que se debe investigar más sobre este vals para despejar la duda que dejó la carta que fue enviada al cancionero "Alta Voz" a inicios de los 40.

Datos no mencionados

Cuando Pinglo se encontraba muy enfermo, sus amigos estaban a su lado acompañándolo en esos momentos difíciles de su vida. Uno de ellos, el cantautor Eduardo Villanueva del Conjunto Lince, le compuso un vals que lo tituló "Felipe Pinglo". Dicho vals fue publicado por "El Cancionero de Lima" No. 1095, de inicios de Mayo de 1936, cuando Pinglo estaba todavía vivo, señalándose que era cantado con mucho éxito en cines y teatros. En el vals aquel se resalta al compositor, se menciona que está enfermo y se pide que lo visiten, como un reconocimiento a su obra.

Para terminar por ahora, porque uno puede pasarse horas de horas contando sobre el Maestro, debo mencionar unos avisos que encontré y llamaron mi atención. En la edición No. 1145 de "El Cancionero de Lima", Marzo 1937, se publica un aviso en la página 7 anunciando una gran velada literario-musical, organizada por el Centro Social Musical Felipe Pinglo, que se iba a llevar a cabo el sábado 24 (marzo 1937) de 11 p.m a 5 a.m. en su local del Jirón Huánuco 347 (Colmillo) - Principal. "Gran Orquesta. Damas: Invitación especial", termina diciendo el aviso aquel.

Otro aviso publicado en la página 3 de la edición No. 1259 de "El Cancionero de Lima", Junio 1939, por el Centro Social Musical Felipe Pinglo, señala que la sección femenina de este Centro había organizado su Primer Gran Baile Social que, con motivo de su instalación y en honor del club Atlético Córdova, que había campeonado en fútbol, se iba a celebrar el sábado 1 de julio (1939), empezando a las 11 de la noche, en su local, Huánuco (Colmillo) 347 principal. "La parte musical correrá a cargo de la Orquesta La Rosa", señala el aviso aquel.

Estos avisos tienen su importancia porque cuentan detalles no muy conocidos, como que fue a mediados de 1939 que se instaló la sección femenina del Centro Social Musical Felipe Pinglo. También señalan una dirección del Centro Social Musical Felipe Pinglo que siempre la obvian cuando cuentan la historia de dicho Centro: Jr. Huánuco 347 - Principal, Barrios Altos.

Felipe Pinglo sigue dando que hablar y lo seguirá haciendo mientras haya un corazón peruano latiendo por su canción criolla. Pinglo es el más grande compositor de música criolla, hasta la fecha, y su obra nos deleita y hace sentir orgullosos de él; de todo lo que nos dejó y enseñó por ese gran amor que él sentía por la música de su país. Sigamos valorándolo como el Maestro se lo merece.

Dario Mejia
Melbourne, Australia
dariomejia999@yahoo.com.au

http://www.facebook.com/people/Dario-Mejia/768349504
Escrito el 14 de julio de 2010

Pinglo y los Barrios Altos

2011-05-15T05:35:00.000-07:00

Pinglo y los Barrios Altos

Felipe Pinglo, el bardo inmortal, estaba viviendo los momentos más dramáticos de su vida durante los primeros días del mes de mayo de 1936. Se encontraba postrado en la cama de su casa de la calle Penitencia en los Barrios Altos de Lima y, enfermo como se hallaba, logró escribir su última composición que estaba dedicada a su esposa Hermelinda Rivera, el vals "Hermelinda" que lo compuso el 6 de mayo de 1936.

Durante esos últimos días, Pinglo logró recuperar la guitarra con la cual compuso las notas musicales de su primer vals, "Amelia", y muchas de sus grandes creaciones, la cual había desaparecido durante una noche de jarana sin que sepa más de ella por varios años. Quien una vez se llevó la guitarra de Pinglo, la dejó en un rincón de la casa que paraba llena de sus amistades que estaban acompañándolo en sus últimos días de vida. Con ella, otra vez en sus manos, Pinglo pudo terminar los versos de su último vals.

Muchas cosas deben haber pasado por la mente de Pinglo en aquellos últimos días. Su mente debe haber viajado por los rincones de su barrio querido, Barrios Altos. Barrio que lo vio nacer y donde vivió toda su vida, con excepción de una corta temporada en que se fue a vivir a La Victoria, pero al regresar al barrio de sus amores compone uno de los mejores cantos de amor al barrio, su vals "De vuelta al barrio".

En cierta forma, la vida de nuestro bardo inmortal está ligada a la historia de las calles de Barrios Altos, porque todos sus biógrafos, cuando mencionan las calles por donde transcurrió la vida de Pinglo, señalan la denominación antigua que tenía la ciudad de Lima y no la actual, que para la gran mayoría es desconocida tanto en nombre como en historia: Carmen Alto, Carmen Bajo, Colegio Real, Buena Muerte, El Prado, Los Naranjos, Maravillas, Mercedarias, Penitencia, Rufas, San Ildefonso, Trinitarias, etc.

Felipe Pinglo nació el 18 de julio de 1899 en la calle del Prado No. 500. Dicha calle es lo que actualmente comprende a la cuadra 13 y parte de la 14 del Jr. Junín, Barrios Altos. En la actual cuadra 14 del Jr. Junín nació Felipe Pinglo (Jr. Junín 1456), frente al Convento Nuestra Señora del Prado. Sin embargo, cuando en 1861 se decide cambiar la antigua denominación de las calles de Lima y adoptar la nomenclatura que tenemos hasta nuestros días, dicha calle no se llamaba como El Prado sino que se llamaba "Mascarón del Prado".

Debido a que existían ya otras calles que llevaban ese nombre de Mascarón (calle del Mascarón se llamaban dos calles, la que es la actual quinta cuadra del Jr. Cusco y también la que es la actual séptima cuadra del Jr. Maynas), que podía confundir a la gente, la empezaron a llamar, solamente, como calle del Prado.

La calle del Prado (Mascarón del Prado) debe su nombre al Convento Nuestra Señora del Prado que queda en dicha calle y que fue fundado como Monasterio del Prado por el Arzobispo Villagómez el 1 de setiembre de 1640.

Contigua a dicha calle esta la calle de Cinco Esquinas, que viene a ser lo que actualmente es la parte final de la cuadra 14 del Jr. Junín (la cuadra 14 del Jr. Junín comprende parte de la calle del Prado y a la calle de Cinco Esquinas). Cinco Esquinas debe su nombre a que desde la época de la colonia son cinco las calles que se interceptan al final de lo que actualmente es la cuadra 14 del Jr. Junín: calle de Los Naranjos, calle Barbones, calle Ancha (actual cuadra 15 del Jr. Antonio Miró Quesada), calle Sequión (llamada también calle del Acequión, era una calle extensa que comprende a las actuales seis cuadras de la Calle Huari) y calle de Cinco Esquinas.

Felipe Pinglo realizó sus primeros estudios, el jardín, en una escuelita en la calle Barbones. Dicha calle es lo que en la actualidad viene a ser la cuadra 15 del Jr. Junín y está llena de historia ya que daba a la Portada de Barbones de la antigua Muralla de Lima. Tanto la Portada de Barbones como la de Maravillas vieron desfilar a las tropas del ejército en su ida y venida del centro y sur del país, especialmente durante las batallas por la independencia y la Guerra del Pacífico.

La calle Barbones debe su nombre a que allí, a finales del siglo XVII, se levantó el Convento de Betlemitas que pertenecía a la congregación de betlemitas que llegó, de Guatemala, al Perú en 1671 y que al ser elevados a Orden Religiosa por el Papa Inocencio XI, por bula del 26 de marzo de 1687, deciden construir su convento en Lima. Pero dicho convento fue conocido por el pueblo, desde su inicio, como "Convento de Barbones" ya que a los padres de dicha orden religiosa se les conocía como "Padres Barbones". Según las reglas de la orden de los betlemitas, les estaba prohibido afeitarse.

La primaria, Pinglo, la estudió en la Escuela Fiscal de Los Naranjos en la calle de Los Naranjos. Dicha calle era larga y está localizada entre el actual Jr. Huánuco y el cruce de Cinco Esquinas, comprendiendo a las actuales cuadras 12, 13 y 14 del Jr. Antonio Miró Quesada. Debe su nombre a la Capilla de Los Naranjos que se fundó en esa zona en 1750.

Para ir a su escuela, Pinglo, desde El Prado, debe haber subido hasta el cruce de Cinco Esquinas y de allí doblado a Los Naranjos. También cabe la posibilidad de que, unos años más tarde, haya bajado hasta la calle Manuel Morales, que conecta con Los Naranjos. Dicha calle, Manuel Morales, no existía en 1861, cuando se adoptó la actual nomenclatura que tienen las calles de Lima. Debe haberse abierto a inicios del siglo XX y por ello su nombre no tenía nada que ver con la tradición con la cual el pueblo limeño solía bautizar a sus calles. El gobierno local le puso ese nombre en homenaje al Doctor Manuel Morales, quien fue Ministro de Relaciones Exteriores en dos ocasiones, 1859 y 1878.

La calle Manuel Morales, actualmente llamada Matías Maestro, es una calle que conecta el Jr. Junín con el Jr. Antonio Miró Quesada y está, subiendo de la Iglesia del Carmen, al final de la cuadra 11 del Jr. Junín, a su mano derecha. Allí quedaba el antiguo Teatro Lima que pasó a ser cine y después un templo evangelista. Pinglo debe haber visitado muchas veces el Teatro Lima de donde se sabe que se organizó allí, el 8 de mayo de 1926, un festival a beneficio del músico Nicolás Wetzell contándose con la participación de Felipe Pinglo, el dúo Montes y Manrique, los hermanos Vilela, Carlos Saco, Guillermo D'Acosta, Juan Araujo y otras figuras más del criollismo de la época aquella.

En el número 114 de la calle Manuel Morales vivió y murió Alejandro Ayarza "Karamanduca". También vivió allí, sus últimos años, Abelardo Gamarra "El Tunante", quien vivió en el No. 106; según consta en el aviso de su defunción aparecido en El Comercio del jueves 10 de Julio de 1924.

Menciono que Abelardo Gamarra vivió sus últimos años en la calle Manuel Morales porque allí falleció, el 9 de julio de 1924, y también debido a que encontré en el semanario Integridad, que dirigía Abelardo Gamara, un aviso en su edición del 22 de mayo de 1909 que decía: "Abelardo Gamarra se ha trasladado del Barranco a Lima, calle de Mapiri número 123". La calle de Mapiri era el nombre anterior que tenía el actual Jr. Miguel Aljovin y su primera cuadra es el costado del Palacio de Justicia. El nombre antiguo de dicha primera cuadra, antes de 1861, era calle San Juan Nepomuceno y muy cerca de allí estaba la Muralla de Lima con su Portada de Guadalupe. No existía en ese entonces (1861) el actual Palacio de Justicia. Pero, como ironía de la vida, y quizás de la tradición, San Juan Nepomuceno es conocido como "El Mártir del secreto de confesión" y, años más tarde, en esa calle se construiría el Palacio de Justicia donde los que llegan allí tienen que dejar los secretos a un lado y confesar sus pecados en forma pública. Me salí de los Barrios Altos con esta pequeña historia, pero creo que valió la pena.

Ricardo Miranda Tarrillo sostiene que Pinglo terminó la primaria en el Colegio Sancho Dávila de la calle del Carmen Bajo. De Los Naranjos pasó a Carmen Bajo. La calle del Carmen Bajo es la que viene a ser la actual cuadra 10 del Jr. Junín. Su nombre se debe al Monasterio del Carmen, actualmente conocido como la Iglesia de la Santísima Virgen del Carmen de Lima, que está localizado en su esquina final, empezando la otra calle. Como en esa calle hay una pendiente de subida, en dirección hacia la iglesia que está a un nivel más alto, se le llamó Carmen Bajo.

Uno de los clubes para los cuales Felipe Pinglo jugó fútbol fue el "Alfonso Ugarte" que quedaba en la calle de San Ildefonso. Dicha calle es una cuadra grande que viene a ser actualmente, en numeración, la primera y segunda cuadra del Jr. Andahuaylas. En dicha calle vivió el General Andrés Avelino Cáceres. Yo nací a la vuelta, en la calle Tigre, primera cuadra del actual Jr. Ayacucho, pero acudía, a diario, al Mercado de San Ildefonso y a una panadería que había en esa calle, la cual preparaba los mejores y más deliciosos panes franceses que haya probado en mi vida.

Volviendo al nombre de la calle, debe su nombre a que allí quedaba el Convento de San Ildefonso, el cual fue destruído a fines del siglo XVIII o inicios del XIX (en unas estadísticas de Lima de 1839, ya se mencionaba que estaba destruído). Dicho convento fue inicialmente un colegio, para estudio de los religiosos de la orden de San Ildefonso, que se fundó en 1606 como Colegio de San Ildefonso. Mediante bula del 13 de octubre de 1608, expedida por el Papa Paulo V, se acordó que dicho colegio pasaría a denominarse Colegio y Universidad Pontificia de San Ildefonso. Después, ampliaron el área que abarcaba y pasó a convertirse en Convento de San Ildefonso. La parte del Convento ya no existe, pero queda todavía en pie la parte que se utilizaba como el Colegio de San Ildefonso y que ahora viene a ser la Escuela Nacional de Bellas Artes.

Debe mencionarse también de que el club Alfonso Ugarte solía entrenar y jugar en las canchitas de Martinete, que estaba muy cerca de San Ildefonso, por lo que Pinglo debe haber jugado en esas canchitas, donde años más tarde jugaban sólo los valientes, y que hasta ahora existen en el actual Jr. Amazonas. Por su parte, Ricardo Miranda Tarrillo cuenta que cuando Pinglo estudiaba en el Guadalupe solía acudir con sus amigos barrioaltinos a las Tres Compuertas, para nadar en las aguas turbias del Martinete. Como dicho jirón Amazonas también tiene su historia, nombraré algunas de sus calles antiguas, que infinidad de veces recorrí de niño y adolescente, donde también se encontraba una de las antiguas Portadas de la Muralla de Lima.

Como no existía, antiguamente, la primera cuadra de la Av. Abancay, el Convento de San Francisco llegaba hasta el actual Jr. Ayacucho. La parte que corresponde al actual Jr. Amazonas entre la actual Av. Abancay y el Jr. Ayacucho, que viene a ser la segunda cuadra del Jr. Amazonas, se llamaba calle Barranca. Su nombre se debe a que muy cerca, donde ahora se encuentra una feria de libros, estaba una zona conocida como "La Barranca", por encontrarse a varios metros de altura sobre el nivel del río. Según el cronista José Gálvez, a mediados del siglo XVIII se construyeron allí varios callejones que serían los "modelos" que tomaron los que se levantarían después en Lima.

La calle Viterbo era la que actualmente es la tercera cuadra del Jr. Amazonas y debe su nombre a que a finales del siglo XVII se construyó en dicha calle un recogimiento de mujeres llamado "Santa Rosa de Viterbo". Luego empieza la zona aquella conocida como "La Barranca", en su actual intercepción con el Jr. Andahuaylas (calle de San Ildefonso), por lo que dicha calle tenía el nombre de Barranqueta y viene a ser la actual cuarta cuadra del Jr. Amazonas. En su esquina, donde empieza la Feria de Libros actual, se construiría el Puente Balta y, en esa misma esquina, estaba uno de los cines más antiguos de Lima, el "Cinelandia", donde, por su cercanía al río Rímac, las ratas desfilaban en el intermedio. Dicho cine y los callejones aquellos de "La Barranca", fueron demolidos en la década del 70 del siglo XX.

Sigue la calle Las Carrozas que viene a ser lo que actualmente es, en numeración, la primera parte de la cuadra 5 del Jr. Amazonas, entre el actual Jr. Paruro y el Jr. Huanta. Muchos se extrañarán al ver el nombre de "Las Carrozas" en el Jr. Amazonas y no en la primera cuadra del Jr. Huánuco, como se conoce actualmente. Según las estadísticas y planos de Lima del siglo XIX, de Manuel Atanasio Fuentes, la calle Las Carrozas era la que he mencionado en el actual Jr. Amazonas y la primera cuadra del Jr. Huánuco se llamaba calle Sauces. Pero hay que tener presente que era el pueblo quien muchas veces, sin ceremonias ni decretos, bautizó a muchas calles por algún hecho curioso que haya ocurrido en ellas y fue el pueblo el que, años más tarde, decidió rebautizar a la calle Sauces como Las Carrozas. La mencionada cuadra 5 del Jr. Amazonas adoptaría también el nombre de Manzanilla y después se quedaría con el nombre de calle de los Siete Pecados, debido a una casa de pecados que allí había.

Continuando por el actual Jr. Amazonas se llegaba a la nombrada calle Martinete, que viene a ser, actualmente, la segunda parte de la cuadra 5 del Jr. Amazonas, entre el Jr. Huanta y el Jr. Huánuco. Allí se encuentran las mencionadas canchitas de Martinete donde Pinglo debe haber jugado muchas veces con sus compañeros del club Alfonso Ugarte. En su actual intercepción con el Jr. Huánuco, donde empieza el Puente Huánuco, se encontraba la antigua Portada de Martinete de la Muralla de Lima, por ello la importancia que tiene el Jr. Amazonas en la historia de Lima y el que se escriba correctamente el nombre de la zona conocida como "Martinete", ya que en las estadísticas de Lima que hicieron José María Córdoba y Urrutia en 1839 y Manuel Atanasio Fuentes en 1858, ellos lo escribieron de esa manera. Sin embargo, he leído que últimamente algunas publicaciones, al momento de hablar sobre esa zona, lo escriben como Martinetti. El nombre de la calle se debe a que allí hubo un molino de pólvora de los llamados de martinete.

Pinglo realizó sus estudios secundarios en el Colegio Guadalupe, por lo que para ir a su colegio tenía que bajar por todo el Jr. Junín hasta la Av. Abancay y de allí podía tomar varias rutas. Dicha ruta por el Jr. Junín también la tenía que hacer para bajar al centro de Lima, por lo que el Maestro debe haber recorrido el Jr. Junín infinidad de veces. Dicho jirón junto al Jr. Ancash son los que más debe haber recorrido Pinglo ya que él hizo su reducto en el Callejón del Fondo de la calle Mercedarias, en el actual Jr. Ancash, y cuando se casó con Hermelinda Rivera se fueron a vivir a la calle Penitencia, en el actual Jr. Paruro. Dicha calle se intercepta con el Jr. Ancash, al igual que la calle Rufas, paralela a Penitencia, que fue donde vivía Hermelinda Rivera cuando Pinglo la conoció el 24 de mayo de 1925. La calle Rufas es una cuadra grande que viene a ser actualmente, en numeración, la primera, segunda y tercera cuadra del Jr. Huanta, entre el Jr. Amazonas y el Jr. Ancash. Rufas debe su nombre a una familia con ese apellido que vivió en dicha calle.

No se sabe realmente, aparte de la calle del Prado y Penitencia, donde más vivió Felipe Pinglo en los Barrios Altos. Se cree que Pinglo vivió también en la calle de Los Naranjos, ya que cuando fue matriculado en el Colegio Guadalupe su padre dio como dirección: Calle de los Naranjos 1270. Así figura en los registros del Colegio Guadalupe y no es que la dirección haya estado mal o confusa ya que, en ese tiempo, el actual Jr. Antonio Miró Quesada, se llamaba Jr. Ayacucho por lo que la dirección debió ser Jr. Ayacucho 1270. Y si utilizaban la denominación antigua tenía que haber sido calle de Los Naranjos trescientos y tantos. Esto lo deduzco porque la Escuela Fiscal donde estudió Pinglo estaba en el Jr. Ayacucho 1346, cuya denominación antigua era calle de Los Naranjos 430. Lo que sucedió es que, antiguamente, cuando daban la dirección de donde vivían muchos solían decir el nombre antiguo de la calle seguido del número actual, por ello su padre puso como dirección Los Naranjos 1270.

Gonzalo Toledo señala que Felipe Pinglo era devoto de la Virgen del Carmen. Debido a ello, Pinglo debe haber visitado mucho la Iglesia de la Virgen del Carmen, en la calle del Carmen Alto, y acompañado la tradicional procesión con que se le honra. La calle del Carmen Alto es lo que viene a ser las actuales cuadras 11 y 12 del Jr. Junín, entre el Jr. Huánuco y el Jr. Maynas. Debe también su nombre al Monasterio del Carmen, que se encuentra en su esquina inicial, y por estar la calle aquella en la parte alta, se le llamó Carmen Alto.

Manuel Atanasio Fuentes en su "Estadística General de Lima", 1858, señala de que por real cédula del 13 de febrero de 1625, el Rey Felipe IV concedió permiso para la erección del Monasterio del Carmen, hoy conocido como la Iglesia de la Santísima Virgen del Carmen de Lima. El 18 de diciembre de 1643 se inauguró el Monasterio, nombrándose por fundadores y patrones al Obispo de Arequipa Agustín de Ugarte y Sarabia, y Catalina Doria, una de las mayores benefactoras y propulsoras de dicha construcción.

La Santísima Virgen del Carmen de Lima es la Patrona de Lima, Patrona de los Barrios Altos y Patrona del Criollismo. Su procesión, el 16 de julio, es una tradición que tiene más de 360 años y que desde hace muchos años se viene celebrando, desde la víspera, con una verbena criolla.

En la calle del Carmen Alto, opuesta a la Iglesia del Carmen, se encuentra la Quinta Heeren. Dicha quinta data de fines del siglo XIX y tiene estilo arquitectónico de la época virreinal, habiendo sido sus jardines adornados con plantas japonesas. Allí existió el primer zoológico de Lima y, años más tarde, se acondicionó una cancha de fútbol en su interior donde casi todo barrioaltino tuvo la oportunidad de jugar. La Quinta Heeren también ha sido escenario para películas, telenovelas y series de TV que allí se han filmado.

Felipe Pinglo acudió en muchas ocasiones a la Quinta Heeren, porque allí vivía uno de sus amigos, así que se armaban también jaranas allí. Algunos, que han escuchado de la presencia de Pinglo en la Quinta Heeren, lo han relacionado como que vivió allí, pero no hay documentos que puedan corroborar ello.

Parte de la vida de Pinglo transcurrió en la calle Colegio Real, que viene a ser lo que actualmente es la sexta cuadra del Jr. Ancash. Debe su nombre a que allí estaba ubicado el Colegio Real de San Felipe, conocido como Colegio Real solamente, el cual fue fundado en 1592 por el Virrey García Hurtado de Mendoza. Dicha construcción antigua se encuentra todavía en pie y está ubicada frente a la Escuela Nacional de Bellas Artes, que queda también en dicha calle.

El Colegio Real, cuando dejó de ser colegio, pasó a ser cuartel del ejército, después lo convirtieron en Escuela de Artes, luego en Estado Mayor del Ejército, posteriormente estuvo abandonado y años más tarde la Universidad de San Marcos puso unas oficinas allí. Según "El Cumpa" Jorge Donayre, cuando el Estado Mayor del Ejército funcionaba en dicho local, Felipe Pinglo ingresó a trabajar allí como secretario, por lo que parte de su vida la pasó en dicha calle del actual Jr. Ancash.

En la calle Colegio Real vivió también, por un tiempo, el General José Luis Salmón Fosati, cuya casa estaba ubicada en Colegio Real 609, según lo señala el historiador Manuel Zanutelli Rosas. Dicho General, con su esposa, fueron los padrinos de matrimonio de Felipe Pinglo y nuestro bardo criollo solía visitarlo mucho en su casa. El General Salmón llegó a ser Ministro de Guerra en 1929.

Pinglo también solía visitar a su amigo y sastre Jorge Lázaro Loayza en su sastrería de la calle Trinitarias. Loayza muchas veces aseguró de que Pinglo se inspiró el vals "El espejo de mi vida" en el viejo espejo de prueba de su sastrería. Según Loayza, su historia de amor fue la que también inspiró a Felipe Pinglo el vals "El Plebeyo". Ninguna de las dos versiones han podido ser comprobadas fehacientemente. Sin embargo, debo dejar constancia de que en una oportunidad me contactó alguien que dijo ser hijo de la musa de El Plebeyo, de quien el sastre Loayza se había enamorado. Dicha musa vivió en la mencionada calle Trinitarias y quiso permanecer en el anonimato, pero como ya había fallecido su hijo deseaba contarme la historia. Lamentablemente, cuando le pedí pruebas más contundentes a la persona que me contactó, nunca obtuve una respuesta.

La calle Trinitarias viene a ser la actual séptima cuadra del Jr. Ancash. Dicha calle debe su nombre al Monasterio de las Trinitarias que queda en la esquina de la mencionada calle, en su intercepción con el Jr. Paruro, y que actualmente se le conoce como Iglesia y Convento de las Trinitarias. Su historia se remonta a 1673 cuando se estableció, en dicha área, el beaterio de Nuestro Señor Jesucristo, denominado también de las Hermanas Neiras. El Arzobispo Almoguera elevó dicho beaterio a monasterio el 22 de mayo de 1682, naciendo así el Monasterio de las Trinitarias que dio origen al nombre de la calle aquella.

En la calle Trinitarias se encuentra también la Casa Canevaro, en la acera opuesta a la Iglesia y Convento de las Trinitarias, que está considerada dentro de lo que es el Patrimonio Cultural de la Humanidad.

El lugar que más frecuentó Felipe Pinglo fue la calle Mercedarias, que viene a ser, en numeración, las actuales cuadras 10 y 11 del Jr. Ancash. Su nombre se debe al Monasterio de Mercedarias que queda al final de la calle, el cual, inicialmente, fue beaterio que en 1734 fue elevado a monasterio. En la actualidad, la Iglesia de Mercedarias también se encuentra allí.

En la calle Mercedarias quedaba el "Callejón del Fondo", donde Pinglo solía reunirse con sus amistades para hacer música. Dicho callejón se construyó a fines del siglo XVIII y su dirección antigua era Mercedarias No. 105, que pasaría a ser Jr. Ancash 1092. El callejón aquel pertenecía al Monasterio de Mercedarias y fue demolido hace muchos años, por lo que ya no existe, y en su terreno se construyó el actual Mercado Mercedarias. La dirección antigua del Callejón del Fondo me fue proporcionada por el historiador barrioaltino Alejandro Reyes, quien gentilmente me hizo llegar un estudio de él sobre los Barrios Altos.

En la calle Mercedarias y el Callejón del Fondo fue que Pinglo se inspiró para crear su vals "De vuelta al barrio". En el Callejón del Fondo vivía Isabel Mejía, la buena Isabel de su famoso vals. También vivió allí Doña Cruz, que al lado de la puerta del callejón se ponía a vender picantes y té, al igual que lo dice el vals. Samuel Joya también vivió en aquel callejón, del cual sus paredes de adobe y piso de tierra fueron testigos de muchas jaranas criollas en las cuales participó Felipe Pinglo.

Se debe también nombrar al barrio chino que fue donde Felipe Pinglo se inspiró su vals "Sueños de Opio", especialmente en la calle Capón de los Barrios Altos. Al respecto, debo señalar que muchos están equivocados con el origen del nombre de esta calle, mayormente los chinos, ya que no debe su nombre a algún chino o palabra china.

Existe un mito o "cuento chino" con respecto al origen del nombre de la calle Capón, del cual conté anteriormente su verdadero origen. Los chinos han tratado de hacer creer que el origen del nombre de la calle aquella se debe a ellos y, en octubre de 2005, a raíz de que se conmemoraron 150 años de haberse los chinos establecido en Lima, la versión de los chinos fue recogida por varios medios de prensa, que no se tomaron la molestia de investigar.

Los primeros inmigrantes chinos llegaron al Perú en 1849 a trabajar en haciendas que no estaban en Lima. En 1855 empiezan los chinos a ubicarse en Lima, especialmente en la calle Capón que era una cuadra grande. La versión que cuentan los chinos es que la calle Capón debe su nombre a que en dicha calle se mataban a los animales para consumo, capándolos a algunos de ellos, siendo los chinos los que se dedicaban a este oficio. Dicha versión, sobre el origen del nombre de la calle Capón, es solamente un mito o "cuento chino", porque la calle aquella ya se llamaba Capón desde el siglo XVII.

Manuel Atanasio Fuentes en su "Estadística General de Lima", de 1858, señala a la calle Capón, la cual aparece también en el plano de Lima de dicho año. También se puede revisar la obra de José María Córdoba y Urrutia: "Estadística histórica, geográfica, industrial y comercial del Departamento de Lima", 1839, que fue impresa cuando los chinos, estando todavía en su tierra, ni siquiera sabían que existía el Perú. Hay documentos más antiguos, como estadísticas de Lima de 1785 y plano de Lima de 1787, donde figura el nombre de la calle Capón.

En el siglo XVII vivió en dicha calle un sacerdote de nombre Manuel Loayza quien tenía como apodo "Capón", según lo señaló el cronista José Gálvez, así que desde el siglo XVII, 200 años antes de que llegara el primer chino al Perú, esa calle se conoció con el apodo del mencionado sacerdote. La calle Capón, en el actual Jr. Ucayali, era también una cuadra grande que abarcaba desde el actual Jr. Ayacucho hasta el Jr. Paruro; lo que significa que comprendía a las actuales sexta y séptima cuadras del Jr. Ucayali. Sin embargo, hoy en día llaman solamente calle Capón, por desconocimiento, a la parte comprendida entre el Jr. Andahuaylas y el Jr. Paruro, que vendría a ser la séptima cuadra del Jr. Ucayali.

Felipe Pinglo visitó también la calle del Chirimoyo ya que allí estaba el Teatro Apolo, en lo que actualmente es la décima cuadra del Jr. Puno. En dicho teatro, situado en la calle del Chirimoyo 941, Alcides Carreño estrenó el vals "Rosa Luz" de Felipe Pinglo en 1929. El mismo Carreño también estrenó allí, en público, el vals "El espejo de mi vida" de Pinglo, en 1935.

Debo manifestar que no he podido encontrar, con exactitud, cuando cambiaron las numeraciones de algunas calles barrioaltinas porque en 1939 el Teatro Apolo figuraba, en el listín cinematográfico, como la cuadra nueve del Jr. Puno. Sin embargo, en un listín cinematográfico del año 1959 el Teatro Apolo figura con la dirección de Jr. Puno 1043. La numeración de las calles ya se habían cambiado, aunque si uno revisa planos actuales de Lima que hay en la internet y conoció donde quedaba el Apolo, puede notar que la ubicación del Teatro Apolo figura como cuadra nueve del Jr. Puno, por lo que se crea confusión.

Pinglo debe haber visitado los lugares de los Barrios Altos donde nacieron y vivieron grandes figuras de nuestras letras, como nuestro tradicionista Ricardo Palma quien nació en la calle Puno, actual tercera cuadra del Jr. Ayacucho, en un solar que todavía existe y tiene una placa señalando que allí nació nuestro ilustre literato. Manuel Ascencio Segura nació en la calle Mestas, actual cuadra 10 del Jr. Huanta. César Vallejo vivió en la calle Acequia de Islas No. 425, actual séptima cuadra del Jr. Huánuco. En dicha calle nació Nicomedes Santa Cruz Aparicio el 15 de setiembre de 1870, padre de Victoria, Nicomedes, César, Rafael, Rosalina, Pedro, Octavio, Fernando, Jorge y Consuelo Santa Cruz. Antonio Raimondi también vivió en los Barrios Altos, en la calle Peña Horadada que actualmente viene a ser la novena cuadra del Jr. Junín.

Felipe Pinglo falleció en su casa de los Barrios Altos, sito en la calle Penitencia (Jr. Paruro 232). Eran las cinco y media de la mañana del 13 de mayo de 1936. Por esas coincidencias de la vida, Pinglo se fue de este mundo a la hora en que terminan las jaranas.

La calle Penitencia es una calle extensa que actualmente, en numeración, viene a ser la primera, segunda y tercera cuadra del Jr. Paruro. Si uno se dirige a dicha calle y pregunta a sus moradores más antiguos sobre el origen del nombre de dicha calle, ellos le dirán que el nombre Penitencia se debe a que por ser una calle bien extensa, siempre ha sido una verdadera "penitencia" el recorrerla.

Aquella explicación sobre el origen del nombre de la calle está equivocada y los habitantes de dicha calle, al igual que en otras calles de Lima antigua, muchas veces, por desconocimiento, han creado una explicación que parezca la verdad.

Según el historiador Juan Bromley Seminario, en 1613 aquella calle se llamaba de "Da. Beatriz Rangel", quien era una vecina que dio origen al nombre primitivo de la calle en mención. Bromley añade de que Emilio Harth-Terré dio a conocer de que durante la colonia, el Tribunal de la Inquisición, que tenía sus cárceles secretas abarrotadas, consideró pertinente adquirir otro local donde tener a los penitenciados, condenados a largas penas de prisión, adquiriendo de esa manera un inmueble, alejado del local del Tribunal, en la calle que por dicha circunstancia pasó a llamarse de la Penitencia.

Barrios Altos es el barrio que Pinglo conoció y amó, donde nació y murió. Barrio donde se hizo compositor y creó sus más grandes obras musicales. Barrio donde se nutrió de su historia, cultura y tradiciones que, todavía, encierran sus calles, iglesias y construcciones coloniales. Barrio que en gran parte ha sido declarado Patrimonio Cultural de la Humanidad pero que, en forma increíble, viene siendo descuidado por las autoridades locales.

Felipe Pinglo revolucionó nuestro vals, le puso etiqueta peruana, pero fue olvidado por los medios de prensa de su época. Sin embargo, sus amigos, sobre los cuales influyó con su personalidad y capacidad creativa, se encargaron de hacerlo valorar y conocer como se merecía. Hoy en día es considerado el más grande compositor de música criolla del Perú y sigue siendo estudiado, investigado y recopilado, a la vez que es fuente de inspiración de todos los que amamos nuestra música criolla, ya que su obra lo mantiene presente ante nosotros.

Dario Mejia
Melbourne, Australia
dariomejia999@yahoo.com.au
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Escrito el 7 de Mayo de 2006
Actualizado el 21 de Setiembre de 2007

Cuando las guitarras se callaron

2011-05-15T05:34:00.000-07:00

El mejor año de Felipe Pinglo, musicalmente hablando, fue 1935. Dicho año es conocido como "El año de oro de Pinglo" y es que, durante el transcurso del mismo, el Maestro nos entregó varias de sus grandes composiciones, como los valses "Aldeana", "Bohemia de luto" (conocido también como "A la memoria de Carlos Saco"), "De vuelta al barrio" (el canto de amor a los Barrios Altos), "El espejo de mi vida, "El inclusero", "La que fue", "Pecadora", "Por tu querer" y "Sueños de opio"; el one step "La canción del porvenir" y la polca "Los tres ases".

Al empezar el año 1936, la salud de Felipe Pinglo se hallaba delicada, sin embargo, logra componer el vals "Senectud", como fue señalado por Juan Rasilla Moreno, el cual fue estrenado por Samuel Joya en una función a beneficio del Club Atlético Lusitania; club por el cual Pinglo llegó a jugar fútbol. Su mal se acrecentó con dolores que no permitían dormir al bardo criollo. A pesar de ello, Pinglo no dejaba de componer y fue así que, enfermo como estaba, compone el vals "Una mujer" y el 13 de abril, sobreponiéndose a su mal, compone el vals "Abuelito", contaría Juan Rasilla Moreno en el diario La Crónica del 31 de mayo de 1945 .

El 15 de abril, ante la gravedad de su estado, Pinglo es internado en el Hospital Dos de Mayo, Sala Odriozola, cama No. 27. Allí fue visitado por su familia, amistades y también por el periodista Juan Francisco Castillo del semanario "Cascabel", quien lo entrevistó en su lecho de enfermo.

Estando Pinglo internado en el hospital, el 24 de abril de 1936, Samuel Joya estrena en público la polca "Los Tres Ases" que Felipe Pinglo había compuesto a fines del año anterior, lo señala Aurelio Collantes. Dicho estreno tuvo lugar en el Teatro Continental de la Plazuela Ramón Espinoza en los Barrios Altos de Lima. Un día después, el sábado 25 de abril, en la página 8 del semanario "Cascabel" se publica la entrevista que le hizo Juan Francisco Castillo a Felipe Pinglo.

Presintiendo que ya nada se podía hacer para aliviarlo del mal que padecía, el lunes 27 de abril Felipe Pinglo abandonó el Hospital Dos de Mayo por propia voluntad retornando a su hogar en la calle Penitencia. Sus amigos lo acompañaron durante esos días en que se extinguía la vida del bardo criollo, habiendo siempre alguien a su lado.

Un compositor de la talla de Pinglo sigue creando canciones mientras tenga algún respiro de vida. Es por ello que a pesar de estar muy enfermo, cuenta Ricardo Miranda Tarrillo, el 6 de mayo Felipe Pinglo escribe los versos del vals "Hermelinda", el cual se lo dedicó a su esposa Hermelinda Rivera. Pero las fuerzas ya no le daban para ponerle música al vals aquel por lo que le encargó a su esposa de que si moría, que sea Paco Vilela o Pedro Espinel quien le ponga música a su vals. Hermelinda Rivera guardaría para ella la letra aquella como el más grande tesoro de su vida.

Mientras Pinglo se debatía entre la vida y la muerte en su casa de los Barrios Altos, el periodista Heraldo Falconí Sevilla escribe sobre Pinglo y entrevista a Samuel Joya para la edición del sábado 9 de mayo del semanario "Cascabel". Falconí hace notar que el autor inagotable de canciones criollas, que lo consagró todo en aras de la música popular, estaba siendo ignorado de los Institutos y Academias Musicales.

Juan Rasilla Moreno, amigo de Pinglo, en La Crónica del 31 de mayo de 1945, refiriéndose a la muerte de Pinglo, señala lo siguiente: "El 13 de mayo, al amanecer, Felipe llamó a sus hijitos y se despidió tiernamente de ellos, emocionando a todos los que los escucharon. Nos cuentan que jamás se ha oído nada más sublime y cariñoso."

Cuando los relojes marcaban las cinco y media de la mañana de aquel 13 de mayo de 1936, la vida de Felipe Pinglo se apagó. El bardo criollo falleció en su casa de los Barrios Altos, sito en la calle Penitencia (Jr. Paruro 232). Se fue a la hora en que terminan las jaranas.

Sus amigos y los criollos de todos los rincones de Lima acudieron a su sepelio sumando más de mil las personas que acompañaron el cortejo fúnebre. Como señal de duelo, y por lo que Pinglo representaba para la música popular, sus amigos acordaron que las guitarras de los criollos se callen por varios días, respetándose este silencio musical en homenaje al gran compositor criollo.

Tres días después de la partida de Pinglo, Heraldo Falconí Sevilla da cuenta en el semanario "Cascabel" del fallecimiento de Pinglo acaecido el día 13 de mayo, relatando y mostrando una foto del sepelio: "Generoso con su dinero lo fue también con su espíritu. Arrojó a manos llenas su salud y sus canciones. Por eso a su entierro acudieron todos. Los que sirviéronle de tema a su inspiración inagotable. Los que escucharon su música tan nuestra. Los que embriagáronse en alguna hora de dicha y de amor en las tantas jaranas de la Lima viril y criolla. (...) Felipe era popular en los barrios. No hubo fiesta de alharacas y retorcimientos donde sus piezas dejarán de animar los pechos ávidos de emoción. (...) Sin oficialismos ni etiquetas que no dan lugar al sentimiento, los músicos que lo acompañaron en vida le llevaron a la fosa. Ha tenido, después de todo, suerte Felipe. La de que le portasen los mismos que estuvieron en su vida. Aunque, quizás, no podamos decir lo mismo de nosotros que hemos perdido a nuestro mejor compositor criollo."

El 17 de mayo, cuatro días después de la muerte de Pinglo, se funda el Centro Musical Felipe Pinglo en la calle Mercedarias de los Barrios Altos, Lima. Sus amigos con los cuales solía hacer música se reunieron en la casa de Obdulio Menacho y allí se decide rendir homenaje a Pinglo con la creación del Centro Musical que tuvo a Pedro Espinel como su primer presidente.

Pasado los días de silencio musical, las guitarras empezaron a llorar y el 21 de mayo Pedro Espinel estrenó el vals "Murió el Maestro" en homenaje a Felipe Pinglo. Dicha composición fue la primera creación criolla que hizo Pedro Espinel, según dijo a "La Prensa" el 21 de junio de 1938. Pero Espinel no sería el único que nacería como compositor criollo a raíz del fallecimiento del Maestro Pinglo. Samuel Joya, uno de los mejores cantantes de esa época, nació también como compositor con la muerte de Pinglo. Como gran amigo de Felipe, Joya sintió mucho la partida de Pinglo por lo que el recuerdo del amigo y Maestro lo llena de inspiración y compone su primer vals, "Ave de paso", dedicado a Pinglo. Más canciones aparecerían recordando al bardo criollo, las cuales fueron publicadas en "El Cancionero de Lima".

En el año de 1940, la poetisa Amparo Baluarte le dedicó unos versos hermosos a Pinglo que con música de Nicolás Wetzell se convirtió en el vals "Siemprevivas". Dicho vals fue estrenado por Jesús Vásquez en Radio Nacional. La poetisa Serafina Quinteras (letra) y Eduardo Márquez Talledo (música) rinden también su homenaje a Pinglo con el vals "Mi primera elegía", el cual apareció publicado en "El Cancionero de Lima" No. 1328, de octubre de 1940.

Felipe Pinglo influyó de una manera positiva en los músicos de su época, y de las siguientes, pero influyó, sobre todo, en el vals criollo poniéndole la etiqueta de vals peruano que lo diferencia ante el mundo. Por ello se habla del vals antes y después de Felipe Pinglo, porque él lo engrandeció e hizo que los peruanos se sientan orgullosos de su música y su gente.

Mucho se ha dicho sobre que Pinglo fue reconocido como gran compositor, y el mejor de música criolla, recién después de su muerte. El pueblo ya lo consideraba como su mejor compositor cuando el bardo criollo estaba aún vivo. El semanario "Cascabel", cuando Pinglo estaba vivo, dijo que él era el mejor compositor criollo de su época; según se menciona en la entrevista que le hizo a Pinglo y fue publicada el 25 de abril de 1936. Tres días después de su muerte lo volvió a decir.

Cuando Pinglo partió de este mundo se fue sabiendo que todo por lo que él luchó y se sacrificó estaba dando sus frutos. Se fue sintiendo el aprecio, cariño y reconocimiento del pueblo hacia su obra. Tiempo después, los Institutos y Academias Musicales reconocerían también la obra grandiosa del bardo inmortal.

En la actualidad, Felipe Pinglo sigue siendo el mejor compositor de música criolla que haya tenido el Perú, y contrastando con el homenaje que le hicieron los criollos cuando partió, de hacer callar las guitarras, en muchos lugares del Perú y el mundo, donde late un corazón criollo, las guitarras no dejan de entonar sus canciones recordando a nuestro bardo criollo inmortal.

Dario Mejia
Melbourne, Australia
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Escrito el 5 de mayo de 2007

El Hotel Crillón

2011-05-15T05:31:00.000-07:00

Hacia los años 40, un nuevo hotel le vino a hacer la competencia al Bolívar. En un edificio de 8 pisos en la avenida La Colmena, que estaba destinado a ser el local del Colegio de Abogados, un empresario suizo, Domingo Bezzola, inauguró el Hotel Crillón; corría el año 1947. Diez años más tarde, se levantó el edificio de 22 pisos que terminó de darle su perfil. Con el tiempo, el lujoso hotel llegó a tener 550 habitaciones, 650 camas y 700 empleados; asimismo, 4 bares y 5 restaurantes. Uno de estos últimos, el Sky Room, inaugurado el 1 de agosto de 1960 (el día nacional de Suiza) fue el más renombrado. El edificio era de color amarillo-mostaza y sus puertas de vidrio se abrían automáticamente apenas el huésped o cliente pisaba la alfombra roja de la entrada.

Desde el Sky Room se tenía una vista privilegiada de Lima. Era el punto de reunión más animado y exclusivo de Lima. Por ello, los 60 fueron los años dorados del Crillón. Muchos famosos pasaron por allí como María Félix, Charles Aznavour, John Wayne, Nat King Cole, Dorothy Malone, Debbie Reynolds, Cassus Clay o Pelé. Un caso aparte fue la historia del empresario pesquero Luis Banchero Rossi, quien a inicios de los 70, poco antes de ser asesinado, alquilaba todo el piso 19 y vivía allí.

Con el declive del Centro, en los años 70, se fue esfumando la vida nocturna en el Crillón. Pero el hotel pudo sobrevivir gracias, entre otras cosas, a “La Carpa”, donde tocó la Sonora Matancera y cantaron Raphael, Manolo Otero y Miguel Bosé. Fueron muy famosos, por ejemplo, las fiestas de Año Nuevo en “La Carpa” del Crillón; asimismo las cenas de Fin de Año en el Sky Room. Pero con la crisis económica y el terrorismo de los 80, y la invasión de ambulantes por las calles del Centro, la afluencia de turistas y de limeños “noctámbulos” casi desapareció. Hubo el proyecto de trasladar el hotel a otro lugar de Lima pero fracasó. Así, el glamoroso Crillón cerró sus puertas en 1999. Hoy su local está en venta.
Tomado del Blog de Juan Luis Orrego

El Hotel Bertolotto

2011-05-15T05:30:00.000-07:00

El distrito de San Miguel fue creado el 10 de mayo de 1920, durante el gobierno de Augusto B. Leguía, y, hasta la década de 1960, fue un balneario balneario ocupado por familias de clase media, atraídas no solo por algunos servicios como el Hotel Bertolotto y el Establecimiento de Baños, sino también por las hermosas casonas, jardines y huertas que formaban parte de su paisaje urbano.

Propiedad del italiano Ángel Bertolotto y ubicado en Magdalena del Mar (avenida Costanera), el antiguo Hotel Bertolotto, frente a la playa, tuvo su apogeo en los años 20 y 40. Era un hotel familiar y de descanso, para disfrutar del mar y del balneario en el verano o pasar días de reposo durante el invierno. Tenía un amplio restaurante de lunas que miraba al mar. Allí también se celebraban diversos almuerzos o cenas para ocasiones especiales. Por ejemplo, en los años 30, hubo almuerzos para recaudar fondos para apoyar a los bandos durante la guerra civil española (a la falange) o para apoyar el gobierno del Duce en Italia. Quizá la anécdota más importante es la que cuenta Luis Alberto Sánchez en sus Memorias. En 1931, LAS invitó allí un almuerzo para organizar un encuentro entre Haya de la Torre y José de la Riva Agüero; la cita era a la 1:30 de la tarde. Riva-Agüero llegó puntual, pero Haya recién se apareció luego de las 3 de la tarde. El encuentro se frustró pues Riva-Agüero se retiró al ver que Haya no llegaba. Dice LAS que quizá allí se pudo cambiar la historia y evitar la guerra civil de aquellos años. Y todo por la impuntualidad de Haya….

Hoteles de los sesenta: el Riviera y el Savoy

2011-05-15T05:26:00.002-07:00

Hoteles de los sesenta: el Riviera y el Savoy
Hotel Savoy.- En la esquina de los jirones Caylloma y Callao, nos topamos con un edificio deshabitado y que, en su primera planta, alberga varias imprentas, típico negocio que, lamentablemente, genera el caos en esta zona del Centro Histórico. Los cientos de transeúntes que desfilan por aquí, seguramente, no saben que en los años 50, 60 y 70 funcionaba en este local el Hotel Savoy, propiedad de los hermanos Varón, y que le hacía la competencia nada menos que al Hotel Crillón. En su época, fue un edificio moderno, uno de los pocos que tenía su playa de estacionamiento en una terraza en el segundo piso y que, en el último, exhibía un lujoso restaurante similar al Sky Room del Crillón, con una de las vistas aéreas más espectaculares del Centro de Lima. El Savoy era también llamado el “hotel de los toreros”, pues, hasta la apertura del Sheraton a inicios de los 70, aquí se alojaban los principales diestros que venían a torear a Acho; también aquí se alojaban las delegaciones deportivas. El hotel también contaba con una galería de arte. Lamentablemente, el caos y la inseguridad que se apoderó del Centro a partir de los 70 significaron la lenta agonía de este hotel, cuyo local ahora es sacudido por el ruido de las máquinas de impresión. Todo el antiguo mobiliario ha sido rematado y la empresa está en liquidación.

El Hotel Riviera.- Ubicado en la avenida Wilson (hoy cuadra 9 de Gracilazo de la Vega), frente al edificio “Ferrand”, durante los años 60 fue, detrás del Bolívar y del Crillón, el hotel de más categoría en Lima; era propiedad de un grupo argentino. Aquí se alojó, en 1971, la delegación que visitó Lima para el Congreso de Americanistas. Tiene 160 habitaciones, dos restaurantes, bar y un salón de conferencias y banquetes para 600 personas. Como el Crillón y el Bolívar, el hotel se vino abajo con el caos de los años 80 y 90; sin embargo, hoy una empresa española, dueña de la cadena de hoteles “San Agustín” ha comprado el edificio y ha reflotado el hotel, que cuenta con 4 estrellas.

El Hotel Riviera en la avenida Wilson

Idas y venidas en la apropiación musical criolla

2011-05-15T05:26:00.001-07:00

Idas y venidas en la apropiación musical criolla
José A. Lloréns

Eduardo Montes y César Augusto Manrique antes de dirigirse a Nueva York
(Foto: revista Variedades Nº 182. Lima, 26 agosto 1911, p. 1041)

En la historia de la música criolla peruana hay diversos episodios de “préstamos” y “apropiaciones” de letras, melodías y secuencias armónicas de diversos orígenes, predominando la percepción de que son los peruanos quienes se hacen de temas ajenos y los adecúan a los géneros locales. Un caso muy conocido es el de la marinera limeña “Palmero sube a la palma”: Palmero sube a la palma / y dile a la palmerita / que se asome a la ventana / que su amor la solicita / que su amor la solicita / Palmero sube a la palma. Estos versos, según la página web Cancionero VBV, pertenecen al folclor de las Islas Canarias y forman parte del “popurrí más conocido del folclor español” (1). En efecto, según Bustamante, esta era una ocurrencia frecuente en el desenvolvimiento de la música criolla:

Así como los poetas populares inventaban versos sobre la base de la música de jotas, mazurcas o resbalosas preexistentes, también se dio el caso de poemas tomados de la vertiente culta a los que compositores populares pusieron música. Tal fue lo que ocurrió con el vals El guardián, uno de los más conocidos de la Guardia Vieja, cuyos versos son del poeta colombiano Julio Flórez y la música del peruano Juan M. Peña, o con el vals La rosa del pantano, cuyos versos fueron tomados del poema Déjalos del cubano Bonifacio Byrne, y musicalizados por el peruano Fausto Florián (2) .
Menos conocidos, sin embargo, son los casos donde al parecer la apropiación tiene una dirección contraria: se trataría de un tema de origen peruano que luego es atribuido a compositores de Argentina. Examinamos entonces el caso del vals limeño de la Guardia Vieja conocido actualmente como Tus ojitos, examen que además nos ha producido varias sorpresas. Es así que, para detectar esta aparente apropiación hemos tenido que remontarnos a la versión de este vals grabada en las voces del legendario dúo limeño Montes y Manrique (M&M) y titulada Tus ojos, porque las versiones más modernas muestran cambios que no permiten detectar la apropiación. La primera cosa interesante que comprobamos es la diferencia entre su versión de 1911, y las grabaciones peruanas más recientes. Para ilustrar esto, comparamos la música y texto de esa antigua grabación con una hecha por [el dúo] La Limeñita y Ascoy (L&A), conocidos exponentes del estilo antiguo de cantar el vals limeño.

Lo primero que salta a la vista es la diferencia en la extensión de ambas versiones. La de M&M tiene siete estrofas y no lleva estribillo, mientras que la de L&A solo tiene dos, junto con un estribillo que se repite después de cada estrofa. Una mirada más atenta nos hace notar que el estribillo de la versión más reciente es la estrofa II de la anterior (que no se repite en M&M). Aparte de esto, hay diferencias en los versos e incluso la segunda estrofa de L&A no aparece en la de M&M. Por lo demás, en cuanto a lo musical se aprecia que entre estrofa y estrofa, M&M introducen intermedios instrumentales de distinta duración y cierran también con una parte instrumental que no hay en la de L&A. En resumen, aunque la melodía básica es la misma, hay cambios en textos y estructura musical. (Para facilitar la comparación, incluimos ambas versiones musicales en un “link”).

Tus ojos, versión de Montes y Manrique

Introducción instrumental (20 compases)

I
Tus ojos que contemplo con delicia
pues a ellos los adoro con empeño
tienen la suavidad de las caricias
y la dulce mirada del ensueño
¡ay! y la dulce mirada del ensueño

Intermedio instrumental (6 compases)

II
Por eso es que a mí me enamoran
en el fondo del alma me embelesan
me hacen llorar de pena cuando lloran
y me llenan de amor cuando me miran
¡ay! y me llenan de amor cuando me miran

Intermedio instrumental (8 compases)

III
Tus ojos que un momento se adormecen
… que me miran
por su brillo hermoso (¿?) se parecen
dos estrellas que sufren y suspiran
¡ay! dos estrellas que sufren y suspiran

Intermedio instrumental (4 compases)

IV
Mi alma con…te nombra (¿?)
en su dulce y ardiente embeleso
…
donde nace el amor y cría un beso
¡ay! donde nace el amor y cría un beso

Intermedio instrumental (8 compases)

V
Tus ojos que contemplo con delirio
tienen el mismo brillo que la aurora
tienen la palidez de mi martirio
si eres de mis amores protectora
¡ay! si eres de mis amores protectora (¿?)

Intermedio instrumental (6 compases)

VI
Tus ojos tienen la culpa
de mi constante aflicción
y yo sigo padeciendo
por tu noble corazón

Intermedio instrumental (4 compases)

VII
Bien sabes que el amarte es mi delirio
y en tus ojos yo me miro con anhelo
por qué no me prodigas tu consuelo
que me … un constante y cruel martirio
¡ay! que me … un constante y cruel martirio

Conclusión instrumental (12 compases)
(Duración total: 3 minutos 14 segs.)

Tus ojitos, versión de La Limeñita y Ascoy

Introducción instrumental (16 compases)

I
Tus ojitos que contemplo con delirio
tus ojitos que contemplo con delirio
a ellos los adoro con empeño
tienen la palidez de mi martirio
y la dulce mirada del ensueño
¡ay!, y la dulce mirada del ensueño.

[No hay intermedio instrumental]

Estribillo
Es por eso que siempre me enamoran
en el fondo del alma me embelesan
me hacen llorar de pena cuando lloran
y me llenan de amor cuando me miran
¡ay!, y me llenan de amor cuando me miran

Se repite introd. instrumental (16 compases)

II
Bendito es el amor bendito sea
bendito es el amor bendito sea
¡Oh! imagen adorada de mi ensueño
deja que con mi canto tu alma sepa
cómo yo te adoro con empeño
¡ay! bendito es el amor, bendito sea

[No hay intermedio instrumental]
Estribillo

Es por eso que siempre me enamoran
en el fondo del alma me embelesan
me hacen llorar de pena cuando lloran
y me llenan de amor cuando me miran
¡ay!, y me llenan de amor cuando me miran

(Duración total: 2 minutos 40 segs.)

Ahora bien, en esta ocasión no vamos a profundizar en las razones que explican las diferencias entre ambas versiones. Queremos más bien destacar que la versión de M&M, que como hemos dicho fue grabada en 1911, aparece luego en el cancionero popular argentino bajo la firma de los argentinos Hernán Videla Flores (letra) y Carlos Montbrún Ocampo (música), y grabada entre otros por Aníbal Troilo y su orquesta en 1949 (3). Lo curioso del caso es que Montbrún Ocampo nació en 1896 (4) por lo que tenía 15 años de edad cuando M&M ya habían grabado esta canción. La canción bajo el título A unos ojos, atribuida a Videla y Montbrún es la siguiente:

A unos ojos (5)

Tus ojos que contemplo con delicia
tienen el mismo brillo de la aurora,
tienen la suavidad de la caricia
y la dulce mirada que enamoran.

Y por eso yo los adoro,
y hasta el fondo del alma me embeleso
saben llorar de pena cuando lloro
y se llenan de amor cuando los beso.

Tus ojos de mirar adormecido
tienen la placidez del agua en calma
y muestran en su fondo cristalino
la divina pureza de tu alma.

Recuerda que mi vida está en tus ojos,
ellos son mi alegría y mi amargura
ellos me hacen sufrir con sus enojos
y me vuelven la paz con su ternura.

Al parecer, M&M no registraron como suya esta obra. Por lo tanto, a falta de una indagación más profunda, cabe especular lo siguiente. Se trata de un tema antiguo que llega por distintos caminos al Perú y a Argentina, o Videla y Montbrún escucharon la grabación de M&M y al ver que no tenía autor registrado, se la apropiaron. En todo caso, es evidente que la versión de M&M es anterior a la de Videla y Montbrún, y sería importante reivindicar la precedencia de los peruanos en base a una investigación más exhaustiva.

Eduardo Montes y César Augusto Manrique a su retorno de Nueva York
(foto: Variedades Nº 207. Lima, 17 febrero 1912, p.199)

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Notas

(1) Copiado el 3-jul-2008 de http://www.boinasverdes.org/cancionero/popular.htm#Canario .
(2) Bustamante, Emilio. “Apropiaciones y usos de la canción criolla 1900-1939”. Contratexto digital. Universidad de Lima. Año 4, N° 5, pp.10-11.
(3) http://www.todotango.com/spanish/biblioteca/discografias/grabaciones_autor.asp?id=32&c=An%C3%ADbal%20Troilo
(4) http://patagoniamaldita.blogspot.com/2007/11/carlos-montbrun-ocampo.html
(5) http://comunidad.ciudad.com.ar/argentina/buenos_aires/mundopoesia/p5a.htm#**%20A%20UNOS%20OJOS%20**

De la Guardia Vieja a la generación de Pinglo

2011-05-15T05:24:00.000-07:00

De la Guardia Vieja a la generación de Pinglo: música criolla y cambio social en Lima, 1900-1940 (1)
Jose A. Lloréns

Criollos de inicios del S. XX. En: "Felipe Pinglo.. a un siglo de distancia", Manuel Zanutelli Rosas
(Lima: Diario El Sol, 1999, p. 17)

En los programas radiales y en las páginas de espectáculos de los diarios limeños se emplea actualmente una serie de términos para ubicar la producción musical criolla según épocas o estilos, como "Guardia Vieja", "la edad de oro", "los tiempos ha” y otros similares. Se busca así distinguir los varios momentos de su evolución. Sin embargo, no existe un criterio único ni muy preciso para situar las etapas. Cada locutor o comentarista parece tener su propia idea de las características que separa una de otras, influyendo en los criterios muchas veces la edad de la persona que los aplica. Para los más veteranos, por ejemplo, la Guardia Vieja corresponde a los primeros años del siglo XX o incluso antes. Algunos de los más jóvenes, por el contrario, llegan a identificar esta etapa con los contemporáneos del famoso Felipe Pinglo o hasta con los compositores posteriores que se inician en la actividad musical apenas en la década de 1950 y que en su mayoría sigue produciendo valses y polcas. No hay, pues, una percepción clara del desenvolvimiento histórico de la música criolla.

Por otra parte, existe también la idea más o menos generalizada de que el compositor popular limeño Felipe Pinglo Alva (1899-1936) representa "lo más genuino", la "etapa clásica" de la música criolla. Esta idea se asocia muchas veces a la suposición, que la Lima de Pinglo era muy criolla y tradicional, una época cuando aparentemente las clases populares de la capital vivían en un ambiente donde la música peruana era la única que se interpretaba y escuchaba, siempre en grandes fiestas y jaranas de callejón. A Pinglo, además, se le toma como el fundador de la música criolla, el que le da un estilo auténtico, característico y definitivamente nacional o peruano.

Intentaremos aquí desmitificar estas ideas, tratando de precisar con criterios más sistemáticos las etapas de la creación musical limeña en base al contexto histórico y social en que se desarrollan dichos momentos. Se hará referencia a la forma en que los medios de difusión moderna influyeron sobre la producción artística local dando origen, dentro de las transformaciones sociales y culturales de la tercera década del presente siglo, a una nueva etapa en la música criolla. Para comprender estos procesos habrá que remontarse al momento previo a la popularización del fonógrafo y de las funciones cinematográficas en Lima, considerando la práctica musical antes que se extendiera el habito de consumo de los medios de difusión.

La Guardia Vieja

En los primeros años del siglo XX, Lima tenía mucho de aldea o de conglomerado de barrios en torno a un núcleo donde se concentraban los edificios públicos y de gobierno. Los barrios estaban rodeados de huertas y jardines, mientras que en los extramuros de la ciudad había chacras y haciendas. La mayor parte de los limeños vivían en callejones. Estos lugares, formados por hileras de pequeñas viviendas de una o dos habitaciones dispuestas a lo largo de un estrecho corredor descubierto y con una sola entrada desde el exterior, podían albergar entre 50 y 200 personas, estando ocupados por las familias de menores ingresos económicos .(2)

Todavía no se había construido las grandes avenidas que intercomunicarían los barrios entre sí y el centro de Lima con los balnearios y el puerto del Callao. Como se sabe, gran parte de la actual estructura urbana de la capital surgió entre 1919 y 1930 o ha provenido del impulso entonces iniciado. El transporte urbano estaba limitado al tranvía o al coche de alquiler, ambos de tracción animal. Sólo a partir de 1905 el tranvía comenzó a usar energía eléctrica. El automóvil empezaba a llegar en número limitado y para uso de sectores muy restringidos de la población. No se desarrollaban aún los grandes espectáculos masivos. Las mayores atracciones públicas eran las funciones de zarzuela, el teatro popular, el circo y las corridas de toros.

Dentro de este ambiente urbano, descrito a grandes rasgos, la música criolla mantenía canales de transmisión y difusión que podrían denominarse orales y por lo general en el marco de ocasiones festivas celebradas por las clases populares limeñas. Los cumpleaños, bautizos y matrimonios constituían motivos suficientes para "armar jaranas" con los amigos y vecinos del callejón. Muchos de los callejones guardaban en su interior alguna imagen de un santo católico al que se veneraba, considerándosele el "patrón" de sus moradores y protector de sus viviendas. Se acostumbraba festejar el día del santo patrón con misas, ceremonias y procesiones que recorrían el barrio y terminaban en grandes verbenas criollas. También se conmemoraban los carnavales y las efemérides nacionales al interior de los callejones, aunque es importante destacar que en esa época la música criolla no era ejecutada en las ceremonias oficiales que organizaba el gobierno (cf.: Azcuez 1982c).

Se puede decir que todos estos elementos estimulaban en las clases populares limeñas cierto sentimiento de pertenencia e identidad con el lugar donde se vivía, con el barrio específico e incluso con un callejón en particular dentro del barrio. Debido a su relativo aislamiento y a las características señaladas en el párrafo anterior, los barrios limeños manifestaban alguna variedad en sus expresiones culturales. En el aspecto musical, los diversos barrios habían imprimido estilos ligeramente diferenciados a los géneros criollos, pudiéndose distinguir la procedencia de los guitarristas por su forma de pulsar el instrumento y se identificaba el barrio de origen en los cantores por su manera de entonar la voz y por el "corte" o ritmo que le daban a las canciones (Santa Cruz, C.. 1977). Se había llegado a desarrollar incluso un sentimiento de pertenencia y orgullo de barrio, que suscitaba muchas veces la competencia de estilos y contrapuntos de intérpretes representativos de cada lugar.

Las jaranas y fiestas populares en los callejones y barrios populares eran animadas por músicos no profesionales, en su gran mayoría. Ejecutaban valses, polcas en medio de marineras, tristes y yaravíes, aunque también intercalaban mazurcas y cuadrillas de moda (cf.: Carrera Vergara 1940 y 1956). Es posible que en estas fiestas y celebraciones incluyeran algunas expresiones musicales afroperuanas, las cuales abundaban entre los peones negros de las haciendas y pueblos de la costa central (véase Diez Canseco 1949; Santa Cruz, Nicomedes 1982; Azcuez 1982a).

Este sería el lugar indicado para distinguir lo que para la época era música criolla de lo que más ampliamente se podría llamar música popular costeña. Entendemos por música criolla la que era producida y consumida por las clases populares de la ciudad de Lima, constituida básicamente por dos géneros: el valse y la polca. Desde una perspectiva histórica, este momento de la música criolla es el que podría llamarse Guardia Vieja, situado aproximadamente entre fines del siglo pasado y 1920. El valse estaba adquiriendo características locales después de transformarse bebiendo en diversas fuentes, tanto las europeas (waltz vienes, jota española y mazurca polaca) como las mestizas de la costa central (pregones, tristes) y las afroperuanas de la misma región .(3)

Junto al valse y a la polca, existía entonces otro importante género popular limeño. De mucha raíz africana, hasta mediados del siglo XIX había sido practicado en sus formas más tradicionales sólo por la población negra y mulata de la costa central. Dicha característica se aprecia en diversos testimonios de la época. Conocida durante gran parte del siglo XIX como zamacueca o mozamala, se había enriquecido asimilando la resbalosa y las fugas diferenciándose de géneros costeños similares, pasando a ser llamada marinera en los años de la Guerra con Chile. Es posible que la agresión armada del exterior catalizara su aceptación e integración al repertorio criollo popular de Lima, rebasando el ámbito negroide y tendiendo puentes entre ambos sectores, tal vez en el afán de buscar un baile como expresión de la tan necesitada unidad nacional. Es así que desde las últimas décadas del siglo pasado la marinera limeña puede considerarse parte de la vertiente criolla y se le encuentra en las fiestas populares de negros, mestizos y blancos . (4)

Sin embargo, se conocían en Lima géneros musicales que también podrían considerarse populares a principios del siglo actual, pero que solamente algún sector étnicamente distinguible de sus habitantes urbanos los practicara. El amorfino, por ejemplo, "(. - .) sólo lo cantaba la gente de color, pues el amorfino es canto de morenos (y) propio de la ciudad de Lima..." (Azcuez 1982a). Había además otros géneros de raíces africanas que los esclavos cantaban durante el siglo XIX en las zonas rurales de la costa central, pero que a principios del XX ya se les encontraba en algunos barrios de la capital, como Malambo. Es el caso del panalivio, lamento negroide de los que trabajaban en las haciendas. En su forma más tradicional era cantado durante las faenas, siendo posteriormente instrumentado con guitarra y en parte con cajón cuando se llevó a los galpones y luego a la ciudad (cf. Azcuez ob. cit.).

Según lo visto, algunas expresiones musicales tradicionales de origen afroperuano y procedencia rural costeña seguían un proceso de asimilación urbana, aunque sólo se conocían entre la población negra de la ciudad. La mayoría de ellas no tendría la suerte de la marinera limeña, también llamada canto de jarana, ya que como géneros prácticamente se extinguirán a lo largo del presente siglo, así como desaparecieron otras manifestaciones negroides del siglo anterior. A pesar de su traslado a la ciudad, no superaron la difusión étnicamente restringida y no llegaron a ser integradas a la vertiente criolla. Se puede entender en ello que existían aún marcadas diferencias culturales en las clases populares urbanas, diferencias que por su no muy lejano origen colonial se hacían patentes todavía en la dimensión étnica. De ahí que no podamos considerar dichos géneros musicales como criollos aunque fueran urbanos y limeños, sino más bien como parte del folklore afroperuano. En el resto de la Costa Central, principal asentamiento de la población negra, se practicaban las expresiones de canto, danza y literatura oral del folklore afroperuano. Entre sus manifestaciones podemos mencionar el inga, el agüenieve, el contrapunto de zapateo, el socabón, el festejo; y otras más complejas como los negritos, el son de los diablos y moros y cristianos (5). En la costa norte, por otra parte, se conocían otros géneros musicales como el triste, la marinera norteña y el tondero. Es posible que en las ciudades del litoral se practicaran también valses y polcas de creación local y que luego serían conocidos en Lima traídos por los migrantes que provenían de estos lugares a lo largo del presente siglo. Sin embargo, sería necesario un estudio más extenso para conocer la -vida musical de las clases populares en las ciudades costeñas a principios del siglo, lo cual escapa a los propósitos de este trabajo.

Habiendo delimitado a grandes rasgos la vertiente limeña en los primeros años del siglo XX, veremos con mayor detalle la producción y difusión de la música criolla en la capital. Los músicos y compositores criollos de la Guardia Vieja eran de extracción popular: artesanos y obreros en su gran mayoría que no obtenían beneficios económicos de su labor artística, siendo muy escasos los que podían sostenerse exclusivamente en base a su actividad musical. Dichos compositores, además, no tenían entonces mucho interés en registrar oficialmente sus obras, ya que no había ningún aliciente económico para hacer valer derechos de autoría sobre temas que no trascendían la ocasión festiva y que muy rara vez se oían fuera de las jaranas o de los barrios populares. Cada nueva canción se aprendía directamente del propio compositor o se transmitía entre sus amigos más cercanos en los festejos sociales a los que sólo acudían los familiares y los conocidos en el barrio (cf.: Santa Cruz, C. 1977).

Es importante destacar que la generación criolla de la Guardia Vieja se desenvuelve sin la presencia generalizada de los medios de difusión. Las influencias musicales cosmopolitas que recibe provienen de fuentes que utilizaban canales más tradicionales de propagación. Entre ellos se pueden mencionar las funciones de teatro (ópera, zarzuela y cuadros de costumbres), las retretas públicas que ofrecían las bandas militares, además de los pianitos ambulantes o portátiles que muchas veces eran alquilados para animar las reuniones a la espera de los músicos y guitarristas o también para los paseos campestres que se organizaban en los alrededores de la ciudad. Los miembros de la Guardia Vieja, por ser compositores que generalmente no tenían preparación técnica ni formal, debieron recoger sus ideas musicales foráneas de los temas y géneros de moda que se difundían a través de los medios señalados, ya que no podían leer las partituras que aparecían en diversas revistas limeñas o que vendían las casas de música. Cuando los mordernos medios de difusión empiezan a extenderse por la capital, a fines de la segunda década del presente siglo, la Guardia Vieja había plasmado ya sus estilos característicos, marcando una etapa en el desarrollo de la música criolla.

A modo de ilustración, se pueden mencionar los siguientes valses como producción de la Guardia Vieja: El guardián (''Yo te pido, guardián, que cuando' muera/borres los rastros de mi humilde tumba. . ."); Brisas del mar ("Cuando el sol de la mañana colora/en oriente su diáfano velo. . ."); Pasión de hinojos ("Una pasión de hinojos/borrará nuestros encantos. . ."); Así es mi amor ("Suave como el arrullo de la paloma,/dulce como el trinar de un ruiseñor. . ."); Tus ojitos ("Tus ojitos que contemplo con delirio/yo los quiero y los adoro -con empeño. . ."); y La pasionaria ("Aquí está la pasionaria, /flor que cantan los poetas. . .").

Se ha escogido como referencia algunos valses que son muy conocidos hasta la actualidad. Existen muchos otros valses de la época, pero la mayoría de ellos tiene características similares a los ejemplos citados. El nombre de sus autores ha caído en el olvido, como se explicaba líneas arriba, figurando en nuestros días como producción "anónima" o no registrada.

Para ensayar una caracterización de esta etapa, se podría decir que la generación de compositores de la Guardia Vieja criolla realiza una producción musical con algunos rasgos folklóricos, usando el sentido científico del término (véase, por ejemplo, Cortázar, R. 1959). Es una creación de los sectores populares, en su mayor parte sin autor registrado y casi siempre olvidado, que llega al presente como producto "anónimo", siendo distinguido precisamente con el nombre genérico de Guardia Vieja. En el momento de su aparición, la difusión de estas canciones estaba circunscrita a un grupo dentro de una localidad geográficamente ubicable: el barrio popular limeño. La creación se trasmitía de compositor a intérprete por medios orales y bajo condiciones musicales "artesanales" o "preindustriales" y sin registrársele por medios gráficos. La mayoría de estos artistas populares no tenía conocimientos formales ni técnicos sobre la composición o interpretación musical, careciendo igualmente de preparación para leer o escribir la música que ejecutaban. Se puede decir que eran "intuitivos". La audiencia también era local y restringida, compuesta casi siempre por los asistentes a las jaranas y festividades que servían de marco y ocasión para la práctica musical. De este modo, había una estrecha vinculación e identificación entre el compositor, el intérprete y la audiencia, vinculación que no estaba mediada por relaciones mercantiles ni por intereses económicos en la producción y difusión musicales.

El período crítico

Lima era entonces el centro de la producción musical criolla. El valse y la polca tenían su base social en la población capitalina, pero es ésta también la más afectada por el impacto inicial de la modernización que se opera en el país entre 1920 y 1930, debido a los grandes cambios estructurales sufridos durante el segundo gobierno del presidente A. Leguía (6). En la vida de la urbe, las transformaciones se expresan en el desarrollo de las avenidas que integrarían los diversos barrios de la ciudad y en la ampliación de las calles en general para facilitar la creciente circulación vial. El automóvil se convierte en una presencia cotidiana dentro del paisaje urbano, aunque siempre significara un símbolo de posición social. Las costumbres capitalinas son alteradas con mucha rapidez, especialmente entre la juventud que acoge las novedades y modas foráneas, las cuales provienen en esta época principalmente .de Norteamérica. Los Estados Unidos desplazan a Europa en el dictado de la moda cosmopolita y en el manejo de lo que se ha llamado la industria cultural.

Lima estaba adquiriendo las características de una ciudad moderna y la aparición de los medios masivos de difusión musical era parte de este proceso generalizado. Se debe recordar que el uso de estos medios de difusión empezó a popularizarse en el mundo con la producción industrial del fonógrafo en los primeros años del siglo XX, marcando el comienzo de toda una nueva era en la propagación de la música. Este aparato tenía la ventaja de ser práctico y asequible para el uso en el hogar: se podía oír en cualquier momento las canciones de moda y todo tipo de música y sonidos que la creciente industria disquera lanzara al mercado. Fue así que los artistas tuvieron en el fonógrafo la oportunidad de ser escuchados por mucho más personas de las que cabrían en un teatro y en distintos lugares a la vez, todo esto sin que el mismo artista necesitara estar presente. Se forjaba de este modo un nuevo proceso en la irradiación de las modas musicales y una relación distinta entre el músico y su audiencia, bajo una dinámica que sería reforzada e intensificada con la sucesiva aparición y desarrollo de otros medios modernos de difusión musical.

En Lima, hasta antes de 1920, el fonógrafo no parece haber alcanzado más que una audiencia reducida y limitada a las clases pudientes y a los sectores que vivían atentos a las novedades técnicas del mercado internacional. A pesar que sus oyentes aumentaban en la capital a medida que iban apareciendo aparatos cada vez menos costosos y técnicamente superiores, llegando progresivamente a muchos hogares de las clases medias y populares, la música peruana escasamente alcanzó a ser registrada en discos durante las tres primeras décadas del siglo (el: Santa Cruz, C. 1977). Es probable que no se contara todavía con un público consumidor lo suficientemente numeroso para hacer rentable una producción masiva de temas musicales que sólo eran populares entre los gustos locales de sectores con bajo poder adquisitivo. La idea de instalar una fábrica de discos en el Perú para absorber la producción artística nacional no debió ser atrayente en esa época para las empresas fonográficas, las cuales tenían sus sedes en Estados Unidos o Europa. Las esporádicas grabaciones y ediciones comerciales de músicos populares peruanos que se registraron antes de 1930 respondían más bien a la satisfacción del gusto por lo exótico que el público norteamericano mostraba frente a las expresiones artísticas de otros países (7).

De este modo, fue aumentando en Lima el consumo local de discos y fonógrafos de origen foráneo, sin que se desarrollara al mismo tiempo una edición discográfica masiva en base a los intérpretes peruanos. La gran mayoría de canciones grabadas en esos años provienen del extranjero, sobre todo de Estados Unidos, dependiéndose así de esa producción para el consumo fonográfico de la población capitalina. Se implementaba una nueva dinámica de contacto con la música foránea y con la moda internacional, intensificándose en la medida en que el mercado del disco lanzaba aparatos cada vez más fáciles de adquirir y extendiera así el hábito de escuchar música a través del fonógrafo (8).

La aparición del cine sonoro en la capital poco antes de 1930 debió reforzar el proceso descrito. No obstante, hay que tener en cuenta que las funciones del cine mudo también constituían una ocasión pública y frecuente para escuchar música. Las primeras películas eran acompañadas generalmente por un pianista en la sala cuando no lo hacía una pequeña orquesta, en base a temas musicales foráneos o cosmopolitas del momento. La llegada del cine sonoro significó un mayor contacto entre el público local y la música internacional de moda, pudiéndose incluso ver en la pantalla a los cantantes y artistas del momento. Cabe suponer, por ello, que los géneros musicales ligeros llegados a través de las películas sonoras eran los mismos que se difundían en los discos de la época (9).

Se puede decir, entonces, que los medios de difusión moderna influyeron crecientemente sobre los gustos populares de Lima, en una dinámica que venía impuesta y controlada desde el extranjero por la floreciente industria cultural norteamericana, extendiéndose en poco tiempo sus efectos hacia los sectores más numerosos de la ciudad. A diferencia de épocas anteriores, los medios de difusión moderna inducían un contacto masivo, permanente y cotidiano con las novedades de la moda foránea por las características de la producción y difusión artística que implementaban dichos medios. Fue así que la música internacional de moda se convirtió en un elemento de consumo frecuente e incluso diario gracias al creciente hábito de la audición fonográfica y de las funciones de cine.

La producción musical de las clases populares limeñas fue afectada por estos procesos y por los mismos contenidos que introducían los medios de difusión moderna. Las fuentes que habían alimentado a la Guardia Vieja se vieron desplazadas por los nuevos y más dinámicos vehículos de transmisión, los que además imponían géneros musicales no conocidos hasta entonces pero que son asimilados con inusitada rapidez por los jóvenes de todos los sectores sociales. Este doble proceso de desplazamiento conduce a que los géneros musicales de producción tradicional y difusión local sean prácticamente reemplazados por las nuevas modas foráneas en los gustos de las audiencias populares limeñas. Las nuevas preferencias que sé imponen sobre el público local, a la vez, van a influir sobre los artistas capitalinos hasta el punto de verse obligados a incluir en sus repertorios los géneros internacionales del momento. El ciclo se completaría cuando los compositores populares limeños adaptan sus propias creaciones a los estilos foráneos predominantes, asimilando varias de sus características musicales para poder luego ser aceptados por la audiencia local y admitidos finalmente en los medios de difusión moderna.

El primer momento de este fenómeno, ubicado a fines de la década de 1910, se le conoce también como el período crítico de la canción criolla: " (. . .) el valse y la polca criollos (alrededor de 1920) ceden posiciones hasta casi desaparecer" (Santa Cruz, C. 1977:44). Los temas de la Guardia Vieja, hasta entonces muy es cuchados en las fiestas populares y jaranas de barrio o callejón, tuvieron una fuerte y desigual competencia con la música de moda que venía del extranjero, siendo desplazados durante cierto tiempo de casi todos los ambientes criollos, incluso de los mismos callejones limeños. En diversos testimonios, los propios compositores populares que vivieron este momento describen el fenómeno: "....

Parecerá mentira, pero en los callejones no querían bailar el valse... Tango, la juventud quería tango... Me acuerdo de la época del tango Té. Había un muchacho, medio escritor (que en 1922 ó 1923) reprochando esa cuestión del tango, parodió (la invasión del tango) con un verso de él, pero con la música del Tango Té que decía:

Desde hace un tiempo que los negros de Malambo
en lugar de marinera bailan tango.
Con esa gracia y displisura (sic.)
lo han convertido en movimiento de cintura.
En un rincón las negras viejas cuchichean,
en el centro las zambitas se balancean.
Es una cosa graciosa y chistosa
entrar a un callejón
y ver bailar el tango Té... ".
(Covarrubias, Manuel, en Stein 1974)

Ni siquiera las jaranas de callejón pudieron resistir la invasión de los géneros argentinos y norteamericanos en boga, los cuales se disputaban las preferencias de la audiencia en las fiestas populares, sobre todo entre los jóvenes:

"... Se cantaba todo: valse, el tango; se bailaba en las fiestas [populares] el tango, se bailaba el jazz, se bailaba el swing, se bailaba el chárleston... El valse, como siempre, para los mayores, siempre un valsecito, una marinerita para el final de fiesta, así...".
[Pregunta el entrevistador] Pero esas jaranas de callejón de los años de 1920, ¿no eran sólo de música criolla?
[Respuesta] "... No, no, no... Todo entró allí... Así como ahora ha entrado el 'rocanrol', así fue...
(Carreño, Alcides, en Stein 1974a)

tomado de la web cantera de canteturias

El Palais Concert: Té, frivolidad y literatura (1914 - 1916)

2011-05-15T05:23:00.000-07:00

El Palais Concert: Té, frivolidad y literatura (1914 - 1916)

Casa Broggi, calle Ica (Archivo Courret)
Lima era a comienzos de siglo una verdadera "gran aldea", como Lucio V. López llamó a la Buenos Aires de 1890. Cualquier suceso, por trivial que fuese, con que sólo se apartara en algo de la rutina, provocaba oleadas de sorpresa, admiración y ataques. Bastaba que veinte personas resolvieran hacer una revolución para que, como el 29 de mayo de 1909, se apoderasen del palacio de gobierno y del presidente de la república. Los bailes sicalípticos de "La Nicasi" y "La Tarifeña", a los sones de "La Pulga", en la carpa del Cine Pathé, causaban tempestades, así como el beneficio de tiples ligeras como Emilia Colas, Columba Quintana y otras. La lucha entre el avezado y pequeño león Nero y un noble toro de la ganadería "Caballero" de don Federico Calmet; la coronación de José Calvez como poeta de la juventud; la llegada de Juan Bielovucic; la instalación de las juntas preparatorias del Congreso de 1911; las conquistas entre bastidores del doctor Manuel Bernardino Pérez; la exhibición callejera de una mundana francesa, Lily Brown, importada ostentosamente por Carlos Olavegoya Kruger; los fecundos amoríos de Agustito Leguía Swayne con la bailarina española "Marinerita"; todo era motivo de estupefacción y escándalo.

Los más activos mentideros estaban, como siempre, a lo largo o en las inmediaciones de la calle principal, o sea, en el Jirón de la Unión. Me parece ver algunos de ellos: Empezando por la plaza de armas, en un portal atraía el jardín Estrasburgo, en donde mucho más tarde se iniciaría el desnudismo coreográfico con el Ba-Ta-Clán chileno, llegado en 1924. En el otro portal, el de Botoneros, la Confitería Marrón, que más tarde tomaron los hermanos Grellaud convirtiéndola en cine-confitería. En la esquina de Bodegones y Villalta, como hasta hoy, el centenario Hotel Maury, su patio interior y su cantina eran rincón favorito de políticos y hacendados de provincias, sobre todo a mediodía, A cincuenta metros del Maury, en Plateros de San Pedro, la Confitería Nove, perteneciente a un suizo-francés, emprendedor y ahorrativo. Al frente, el Café Dorado, nido de toreros y periodistas. Cien metros más allá, en Plateros de San Agustín, se abrían la sucursal de Broggi y el Café Péndola, refugio preferido de escritores, estudiantes y empleados de medio pelo.

Alineados en el Jirón, lucían sus olorosas y provocativas vitrinas la Botica Francesa y la fuente de sodas Leonard, ante cuyo mostrador montaban cotidianamente dos horas de guardia Clemente Palma y José Gálvez, José Patroni y Julio A. Hernández, es decir, la gente de Variedades y La Crónica, cuya imprenta estaba instalada al frente. Coincidían todos ellos en ese lugar para platicar con el gerente de Leonard, Manuel Castillo, sobre las proezas de Piérola, el caudillo recién fallecido. Todo aquello estaba en la calle de Mercaderes. En la siguiente, la de Espaderos, se hallaba la Confitería de Broggi y Dora, y sobre la misma acera, la [confitería] de Klein; en esa misma cuadra quedaban varias tiendas de ropas y adornos para damas y caballeros, todas de origen europeo: "La ville de París", "La ville de Lyon", "The Smart", "La Samaritaine"; luego, la Botica Inglesa y la Camisería Española de García.

Don Pedro Broggi y don Nicolás Dora eran ciudadanos suizo-italianos. Klein era un francés fronterizo, que adquirió el establecimiento en traspaso de manos de otro francés, Baudrot, y se lo trasfirió a Louis Chavet, también de Francia. La Confitería de Broggi y Dora reunía, según las horas y los días, a diputados, periodistas, escritores, financieros, mundanas de alto rango y toreros de cartel. Luis Varela y Orbegoso y la gente de El Comercio solían acudir a la cantina de Broggi a beber el matinal cocktail de fresas y el bitter batido de su especialidad; de noche, el sabroso chocolate con tostadas. Valdelomar, Alejandro Ureta, el "Cholo" Meza, Carlos A. Romero (tres generaciones diversas) constituían uno de los núcleos que presidía don Pedro Broggi con sus bigotazos grises y llovidos y su discreta calva que contrastaba con unas cejas densas como guardacartones.

Sin embargo, hacía falta una gran confitería como las de Buenos Aires, Montevideo, Santiago y... París. Lima requería su "Café de la Paix", su "Copper kettle", su confitería de "El Molino" o "Del Águila", o de Palet. Algo vasto, alegre, sonoro y nuevo. Aquel anhelo se concretó el año de 1913, al inaugurarse, en la esquina de Baquijano con Minería, una enorme confitería, toda ella luciente de mamparas, escaparates, espejos, lámparas, música y sabroso olor a chocolate, vainilla, jengibre, canela, café y gin. Allí se encontraron para lanzarse a la reconquista del espíritu del Perú, los futuros "colónidas", los niños góticos, la crema juvenil, formada en San Marcos, Guadalupe, La Recoleta, los jesuitas y... el fumadero del chino Aurelio, en la calle Hoyos.

Tratando de reconstruir mis propios recuerdos y experiencias, fui habitué del Palais desde 1916 en que salí del colegio hasta 1930 en que quebró el establecimiento. Ocuparía unos veinticinco metros de fachada sobre Baquijano con unos treinta de fondo, sobre Minería. Constaba de dos salas para el público, más la confitería y el bar. En la sala grande había unas ochenta mesas de metal, pintadas de blanco, con cuatro sillas de mimbre cada una; en la sala menor, unas veinte mesas. Las paredes eran de espejos según la más acrisolada tradición art nouveau. Entre la sala grande y la chica, dominándolas, se levantaba una plataforma casi aérea. En ella actuaban las "damas vienesas", o sea, un septeto de señoras rubias, sonrosadas, gordas y sonrientes que interpretaban valses vieneses y lieds germánicos a piano, violín, cello y contrabajo. Una de ellas, Frau Erlich, que tenía un tipo rubio y ojiazulada como una gretchen, era madre de una muchacha que fue mi alumna en el Deutsche Schule, pero eso ocurrió muchos años después.

Bajo la plataforma, sentado en posición de poder contemplar a las "vienesas", solía pasar largos ratos un artista alemán pelucón que se apellidaba Grimm. No recuerdo si era pintor o violinista. Deliraba por Schumann y por una de las damas ejecutantes. Valdelomar solía charlar larga y animadamente con él. Cuando en 1917 llegó la Pavlova, ante cuyo arte caímos de rodillas desde profesionales hasta amateurs, Grimm nos acompañó en el homenaje; pero él estaba enamorado de Stefa Plaskovietska, cuyas piernas mórbidas cruzaran más de una vez por nuestros sueños. Alexander Volinin, discípulo aventajado de Nijinsky, disputaba el honor de tales homenajes.

Regentaban el Palais Concert, José Visconti, un italiano gordo y sonriente, y José Velázquez, un criollo cazurro y de antiparras. También ellos administraban el Maury y el Zoológico, por lo que las "damas vienesas" completaban su jornada musical en uno y otro sitio. Pero quienes manejaban el bar y la confitería eran dos hermanos de origen cuzqueño, los Gamarra, Alberto y José; y quien se encargaba de la caja era un colombiano, de apellido Valenzuela: buena copa, gran voz y mejor corazón.

Por las mañanas, a partir de las once, se reunían, en una de las puertas de la confitería, Valdelomar, Augusto Leguía Swayne, Enrique Catter, Fernando de los Heros, Herbert Trou, Alfredo González Prada, Hernán C. Bellido, Félix del Valle, Raúl Rey y Lama, José Bernardo Goyburu, Luis Góngora; a menudo caían Alejandro Ureta, Ladislao F. Meza, José Carlos Mariátegui, Abelardo Herbert, Enrique Álvarez Calderón, Federico More, Carlos Olavegoya Kruger, Ismael Silva Vidal, Jorge Arróspide Loyola y Pablo Abril de Vivero, et sic de coeteris: malicia y alegría.

Dividamos el grupo: los "ñatos", es decir, los más narigudos, casi de ofensivas narices, eran los de más apretado talle y mayor solvencia económica (Leguía, Heros, Arróspide, Catter, Álvarez Calderón) ; había otro sector, los escritores (Valdelomar, Del Valle, González Prada, Silva Vidal, Abril, Mariátegui, Góngora); luego, los aficionados a los usos de los literatos (Trou, Bellido, Herbert); los adictos a drogas y hasta algunos sospechosos de homosexualismo; los alcohólicos; los sencillamente bohemios y amantes de la vida. Grupo alterno, abigarrado, heterogéneo, pero entusiasta, vivaracho, esteticista y admirador de don Manuel González Prada, de Óscar Wilde y, sucedáneamente, de Verlaine, Lorrain, Valle Inclán, Chocano, y por convicción de época, de José María Eguren.

Por la tarde, a las seis, el grupo acrecentado volvía a ese mentidero, acrecentado de té inglés y café de Chanchamayo. A la puerta de la cantina montaban guardia Meza, Ureta y, desde 1918 hasta 1923, César Vallejo.

Esparcidos en diversas mesas, a la hora del té, los "góticos" y "colónidas" se entretenían en discusiones bizantinas y en escribir con toda publicidad sus artículos para la prensa o sus dedicatorias para los álbumes de las muchachas snobs, que solicitaban con sinceridad y coquetería el honor de un autógrafo de tan célebres personajes. Valdelomar escribía en el de Gabriela Urvina, en francés y con faltas de ortografía, los versos de Verlaine, de Fétes galantes:

Les sanglots longs
des violons
de l'automne
blessent mon coeur
d'une langueur
monotone.

Cuando sorprendía alguna mirada sobre él -y era casi todo el tiempo-, se besaba las manos diciendo en voz alta a Mariátegui (entonces un pálido adolescente cojitraqueante y narcisista): "Beso estas manos que han escrito cosas tan bellas." Mariátegui respondía solemne y teatral: "Hacéis bien, conde: lo merecen". Valdelomar usaba el seudónimo de "El Conde de Lemos"; Mariátegui, el de "Juan Croniqueur". Valdelomar acuñó entonces el inolvidable y falaz sorites: "El Perú es Lima; Lima es el Jirón de la Unión; el Jirón es la Unión es el Palais Concert; luego el Perú es el Palais Concert."

Una de esas tardes arropadas por la delgada y plomiza garúa limeña, Valdelomar, requerido por alguna admiradora, escribió en una servilleta el siguiente soneto, inspirado en los Bonetillos del Lugones de Lunario sentimental:

Tu sonrisa traviesa
se miró en el plaqué
de la tetera obesa
y en la taza de té

La música vienesa
aletargó el Palais
Rimé de sobremesa
un verso sin por qué

Soñé la tontería
de una galantería
bella y sentimental

Te busqué en el espejo
y el milagro complejo
me hizo sentirme dual.

Este tipo de composiciones -madrigalescas, galantes, ligeras- era acometido, tal vez, perpetrado, no sólo por "El Conde de Lemos" sino también por Mariátegui y por Alfredo González Prada. Se vivía en un ambiente de la más contagiosa frivolidad, teñida sin embargo de angustia. Buscaban sensaciones fuertes, emociones singulares. Para ello, en no peculiar cotejo, apareaban las fugas a los paraísos artificiales con los sanos paseos a pie desde el Palais Concert hasta el paseo Colón o hasta el vecino parque de Neptuno, haciendo perenne la primera "falsa carátula" de Colónida.

Era éste un retazo de Lima lleno de encanto. Al terminar la calle de Juan Simón, se abría un amplio y poético parque con todos los perfiles del Parc Monceau de París. Durante la Colonia se levantaba allí la Portada (como acceso a la ciudad) que da nombre a la calle. A la sazón, en 1915, se habían refugiado, por ser calle extramural, un número considerable de prostitutas de distinto pelaje y precio.

El parque de Lima ocupaba apenas una manzana, o sea unos diez mil metros cuadrados. Lo cruzaban senderos de tierra apisonada, recubiertos de hojas secas y orugas, negros gusanos vegetales. Caían éstos de los coposos ficus que, medio claudicantes, se alzaban de trecho en trecho, señalando los caminos que conducían hasta una fuente de bronce, parecida a la de las Nereidas al final de la vía Nazionale de Roma, la cual fuente, me refiero a la de Lima, tenía en el centro a un Neptuno de luengas barbas verdosas, tridente filudo y aire profético, de cuya base partía una cuadriga de caballos marinos, como los que sujetaba Nereo en el mito inolvidable. En el parque, cada cierto trecho había una banca de mármol. En ellas sentábanse por la mañana estudiantes ávidos de paz y aire, para concentrarse mejor en sus estudios, sobre todo en vísperas de exámenes.

De tarde se adueñaban del parque los desocupados o simplemente los ociosos sin dinero, es decir, los "garifos", por lo que aquel lugar era conocido también por el nombre de parque de los garifos. Cuando llegaba el otoño, los senderos se veían como tapizados de hojas secas, amarillentas, casi doradas que al paso del hombre crepitaban como pan recién salido del horno. No faltaban parejas de enamorados, pero éstas preferían cruzar la acera y refugiarse en el paseo Colón, arteria de medio kilómetro de longitud a la que acudía la flor y nata de la juventud de Lima para contemplar el desabrido crepúsculo, para atender al asomar de la luna, para pasearse al fulgor tenue de los faroles de gas, para intercambiar miradas, palabras, suspiros, promesas; entrelazadas las manos; lento el paso, mecidos por los efímeros sueños de la mocedad. Valdelomar solía acudir al parque Neptuno al caer la tarde, rodeado como un príncipe renacentista de amigos y discípulos. Allí leían la edición Jardines Lejanos de Juan Ramón Jiménez, libro de traslúcidos y leves romances llenos de serenatas, plenilunios, rosas blancas, violetas azules, pensamientos, malvas, sangrientos claveles y púdicas azucenas.

Discutían, recitaban, reían, se daban el lujo de olvidarse del trajín rutinario, de sentirse en plena libertad. Ahí nació, repito, aquel “Ladrón de rosas” que aparece en el primer número de Colónida.

Recorriendo estaciones de Semana Santa

2010-04-04T06:56:00.000-07:00

Por haber nacido en los Barrios Altos, cerca al Congreso de la República, de niño y adolescente recorrí a pie, infinidad de veces, las calles de los Barrios Altos y el centro de Lima. Es por ello que aún recuerdo sus calles, plazuelas, construcciones, cines e iglesias, visitando estas últimas, especialmente, en Semana Santa.

Los barrioaltinos nos caracterizábamos, entre otras cosas, por ser jaraneros, cinéfilos o "cinemeros", pícaros (con la chispa siempre encendida) y practicantes o respetuosos de la fe religiosa. Es por ello que Barrios Altos fue y sigue siendo la zona con más iglesias en Lima y fue, porque ya no existen, la zona con más cines.

En las iglesias de los Barrios Altos he hecho mi recorrido de siete estaciones por varios años. Comenzaba mi recorrido corto con Las Trinitarias, siguiendo luego con La Buena Muerte, Santa Clara, Virgen del Carmen, Santa Ana, Descalzas de San José y La Concepción (esquina de la Av. Abancay con Jr. Huallaga).

En los Barrios Altos hay más iglesias que en el Damero de Pizarro. Los barrioaltinos teníamos para escoger el recorrido que quisiéramos ya que en su zona también están las iglesias Mercedarias, Santo Cristo de Maravillas, Prado, Cocharcas, Santiago Apóstol del Cercado, Santa Rosa de las Monjas, Jesús Reparador, Santa Catalina, Santo Tomás y, quizás, otras que se pierden en la memoria.

La Iglesia de Santo Tomás, que actualmente pertenece al colegio Mercedes Cabello, me parece que ya no es iglesia, pero recuerdo que de niño se entraba a rezar allí y los barrioaltinos la consideraban como una estación más en el recorrido por Semana Santa. Lo mismo sucedió con la Capilla del Señor Crucificado de la Misericordia (conocida como Iglesia de Los Naranjos), que pasó a formar parte de un centro educativo.

La iglesias que ya no existen, y que estaban en los Barrios Altos, son la de Betlemitas (Barbones), Copacabana del Cercado, La Caridad, San Ildefonso y Santa Rosa de Viterbo.

Cuando quería recorrer las siete estaciones en el centro histórico de Lima empezaba por la Iglesia San Francisco, luego me iba a la Catedral, Santo Domingo, San Agustín, La Merced, Santísima Trinidad (en la tercera cuadra del Jr. Cusco) y San Pedro. Hay otras iglesias más en el Damero de Pizarro que a veces uno las visitaba para cambiar el recorrido, como San Marcelo, Jesús María (esquina de Jr. Camaná con Jr. Moquegua, por si alguien no lo recuerda), Los Huérfanos, la Capilla del Milagro, en la calle Milagro (junto a la Iglesia San Francisco) y la Iglesia de La Soledad, en la esquina del Jr. Ancash con la calle Soledad (también junto a la Iglesia San Francisco).

En Melbourne, Australia, para recorrer estaciones hay que hacerlo en carro, por la distancia que hay entre las iglesias... pero no hay nada mejor que hacer el recorrido a pie, porque de esa manera se recuerda el recorrido que hizo Jesús, con la cruz, hacia el Monte Calvario.

Que los días de Semana Santa nos sirvan para meditar y reflexionar sobre nuestra vida y creencias, que es lo que se supone se debe hacer en estos días, aparte, por supuesto, de recordar el sacrificio de Jesús en la cruz... ¡Feliz Semana Santa!

Dario Mejia
Melbourne, Australia
dariomejia999@yahoo.com.au

Jesus Vasquez, reinaste en el corazon del Pueblo Peruano

2010-04-04T06:52:00.000-07:00

Jesús Vásquez, reinaste en el corazón del pueblo peruano

La triste noticia del reciente fallecimiento de la "Reina y Señora de la Canción Criolla", Jesús Vásquez, ha enlutado no sólo a la música peruana sino a todo el pueblo que de una u otra forma creció y gozó al lado de su maravillosa voz.

Desde el miércoles 19 de julio de 1939, en que Jesús Vásquez fue coronada como "Reina de la Canción Criolla" en el Teatro Apolo de la calle del Cririmoyo 941, Barrios Altos, ella empezó a reinar en el corazón del pueblo por su alegría, gracia, sencillez, simpatía, don de gente y, sobre todo, por esa voz maravillosa con que fue dotada y que la paseó por diferentes partes del mundo, convirtiéndose en una especie de embajadora de la música peruana.

"No es el tuyo cetro de oro
de brillo y de pedrería,
es un cetro más sublime
hecho de luz y armonía.

Tu reino no es grandezas
de vanidad ni ambiciones,
más excelsa es tu realeza
¡reinas en los corazones!"

Esas dos estrofas forman parte de una bella composición poética -"Alondra"- con que la gran poetisa peruana Amparo Baluarte honró a Jesús Vásquez el 5 de mayo de 1941, siendo publicada por el cancionero "Alta Voz" el sábado 17 de mayo de 1941. Por aquella época, Jesús Vásquez era la estrella principal en Radio Nacional del Perú. Pero, ella ya brillaba en el cancionero popular desde antes de ser elegida como "Reina de la Canción Criolla".

A la edad de 17 años participó en la película peruana "El guapo del pueblo", la cual fue estrenada el 1 de setiembre de 1938. En dicha película Jesús Vásquez interpretó "El Plebeyo" de Felipe Pinglo. http://www.youtube.com/watch?v=ghsUPvJkcnY

Ese mismo año participó en otra película peruana, "Palomillas del Rímac", que fue estrenada el 1 de diciembre de 1938 y en donde también dejó impregnada su arrulladora y suave voz. Años más tarde participaría en otras películas, como "Bala de Plata" en México, 1957. http://www.youtube.com/watch?v=IYK4wRs6NJs&feature=related

En los años 40 Jesús Vásquez viajó a Argentina donde al lado de Jorge Huirse, que se encontraba allá, difundió con éxito la música peruana, continuando con lo que habían dejado sembrado en tierras gauchas "Los Trovadores del Perú".

Si muy bien Jesús Vásquez es conocida más por sus interpretaciones criollas, ella grabó también en otros ritmos como huayno, bolero y pasillo. Tenía una voz privilegiada para la música y fue alguien a quien muchos intérpretes deben haber tenido como ejemplo, porque ella no sólo fue ejemplo como intérprete sino también como persona.

La Organización de Estado Americanos (OEA) la distinguió con el título de "Patrimonio Artístico de América", el 3 de junio de 1987, junto a Oscar Avilés, Augusto Polo Campos, Arturo "Zambo" Cavero y Luis Abanto Morales.

Jesús Vásquez vino al mundo el 20 de diciembre de 1920, en Lima, y nos acaba de dejar este sábado 3 de abril de 2010, en Lima, a la edad de 89 años. Su salud se encontraba resentida desde hace algunos años, pero ella, hasta el final, quiso seguir al lado de su pueblo que tanto la quiso y admiró, y al lado de la música que fue parte de ella misma durante toda su vida. El Perú entero le debe mucho a Jesús Vásquez y aunque pasen los años, en el corazón de los peruanos, ella continuará siendo la "Reina y Señora de la Canción Criolla".

Dario MejiaMelbourne,
Australiadariomejia999@yahoo.com.au

Fallecio la Reyna y Sra. Maria Jesus Vasquez

2010-04-04T06:46:00.000-07:00

Saludos amigos criollos, el dolor que siente el pueblo peruano, por la partida de nuestra reina, es grande, muy grande y aunque sabiamos de su delicada salud, nos resistiamos a aceptar que en cualquier momento tenia que partir, hasta que llego el dia que con nuestro llanto te decimos adios "Reina y Señora de Nuestra Canción Criolla".

Gracias a tu bella e incomparable voz, nos dejaste mucho para recordarte, nunca podremos olvidar, tu amor por lo nuestro y esa humildad que solo los grandes poseen, tu picardia criolla que te hacia distinta y diferente, muchas fueron tus enseñanzas, ojala que la nueva oleada de criollos, sigan tu ejemplo.

Tuvimos la suerte de conocerte y pasar innolvidables veladas criollas, podemos decir con orgullo y alegria que hasta nos metimos un "Tanganaso" (como ella le llamaba) con nuestra reina, momentos que viviran por siempre en nuestros recuerdos.

Se acabo el dolor, se acabo la pena, tremendo jaranón que alla en el cielo te espera, cuando reunida con la realeza de los que ya se fueron, Saco, Pinglo, Bocanegra, de nuestro criollismo la bandera.

No te decimos adios, si no hasta pronto, "Reina y Señora de Nuestra Canción Criolla", Maria de Jesus Vasquez Vasquez, entre las grandes la primera.

Desde Pennsylvania

Monica y Victor Hurtado

"El Duo de Oro"

“Se nos fue La Reina”

Vals

Autor: Monica Hurtado

Tu voz y tu dulzura se extinguieron en un mes de Abril

Tu corte y tu realeza llorando estan tu partida

Reina y Señora de nuestro cantar, siempre tan querida

En los confines del cielo, hoy cantaras tu vals

Hoy dejas este mundo de dolor, para volar al cielo

El Peru completo, la musica criolla, se visten de duelo

Nos queda el consuelo que tu voz hermoza nunca morira

Pues tu dulce canto, dulzura y encanto te hacen inmortal

Reina nuestra te lloramos hoy, su majestad

Una grande entre las grandes, marcho a la eternidad

Tu voz dulce y querida a cantar al cielo se nos va

Tu cantar hermozo que al Peru supo representar

Gracias reina por tu voz, siempre admirada y querida

Tu voz de angel en el cielo, sinfonia sera

Canta reina Jesus, Reina y señora de la cancion

De la cancion criolla, Maria de Jesus Vasquez

*****************

MARIA DE JESUS VASQUEZ VASQUEZ

1920-2010

NUESTRAS MAS SENTIDAS CONDOLENCIAS A SUS FAMILIARES Y AMIGOS

Lima Antigua

2009-09-06T10:27:00.000-07:00

Lima Antigua, video

Valses Carmen y Tus ojos

2009-09-06T10:16:00.000-07:00

Valses Carmen y Tus ojos

Las grabaciones que el dúo Montes y Manrique realizaron en 1911 nos aclaran ciertas dudas, pero también crean otras. Una de las aclaraciones es con respecto al vals "Tus ojos" (Disco Columbia P25) y una de las dudas que han dejado sembradas en mi mente es sobre el vals "Carmen" (Disco Columbia P7).

Vals Tus ojos

Aurelio Collantes, gran compositor, estudioso e investigador de la canción criolla, en su libro "Documental de la Canción Criolla", Lima 1972, contó la historia de como nació el vals "Tus ojitos". Según Collantes, luego de actuar en el Teatro Municipal, el músico, compositor y poeta Alfonso de Silva, acompañado de César Miró, Lucho de La Cuba y Luis Aramburú entraron a un cafetín en la esquina de Pachacamilla y allí, de Silva, desenfundando su violín empezó a ejecutar la música del vals que le pertenecía y que se lo dedicara a su enamorada Alina (se refería a Alina Lestonnat, soprano chalaca), cuyos versos dicen:

Tus ojitos que contemplo con delirio
yo los quiero y los adoro con empeño,
tienen la palidez de mi martirio
y la dulce mirada del ensueño.

Como durante los primeros años del siglo XX no se llevó un registro de composiciones ni de autores, existe cierta confusión con respecto a los verdaderos autores de muchas composiciones antiguas. Muchas veces se optó por creer que el que ejecutaba una canción era su autor... y ello sucedió con el vals "Tus ojos" o "Tus ojitos".

Parece que Collantes no llegó a escuchar todas las grabaciones que Montes y Manrique realizaron en New York en 1911, de otro modo se hubiese dado cuenta de que la historia que él sabía sobre el origen del vals en mención no era verídica.

Alfonso de Silva nació en el Callao el 22 de diciembre de 1902 y para cuando Montes y Manrique viajan a New York y graban el vals "Tus ojos", que es el mismo que "Tus ojitos", De Silva tenía solamente 8 años de edad. La grabación de Montes y Manrique nos confirma que la historia aquella sobre que De Silva compuso "Tus ojitos" para su enamorada Alina no es cierta, como tampoco es cierto que dicho vals pertenezca a Alfonso de Silva. A De Silva debe haberle gustado mucho el vals aquel y como solía ejecutarlo, la gente, por desconocimiento, pensó que le pertenecía y así se fue difundiendo ya que De Silva falleció a temprana edad.

Pero la cosa no quedó allí con el vals "Tus ojos" que grabó el dúo Montes y Manrique. Según lo comenta el Dr. José A. Llórenz en uno de sus artículos, a dicho vals que grabó Montes y Manrique, en la Argentina se lo apropiaron en 1949 y lo registraron como "A tus ojos", con autores argentinos.

El vals "Tus ojos", que grabó el dúo Montes y Manrique en 1911, conocido también como "Tus ojitos", se podría catalogar como de la Guardia Vieja, por desconocerse el autor del mismo. De no haber sido por nuestro magnífico dúo, hoy en día, erróneamente, seguiríamos dándole la autoría a otro compositor. Dicha grabación de Montes y Manrique la pueden escuchar en la siguiente dirección:
http://www.youtube.com/watch?v=K9IXof8CoZY

Vals Carmen

Hay mucha historia y misterios escondidos entre las grabaciones que realizó el dúo Montes y Manrique en 1911, es por ello que en los últimos meses las he escuchado con detenimiento tratando de penetrar en sus letras con la finalidad de que me aclaren ciertas dudas y preguntas que llegan a mi mente cuando reconozco algo en ellas.

Una de las interrogantes que viene dando vueltas por mi cabeza desde hace un tiempo, creada por dichas grabaciones de Montes y Manrique, es sobre el origen del vals "Carmen" que se le atribuye a Pedro Bocanegra como su autor. Pero los hechos y la razón me dicen que ello no puede ser y que ese vals debe pertenecer a algún autor anónimo que lo creó a fines del siglo XIX o inicios del siglo XX.

Habría que analizar los hechos y el contexto bajo el cual se fue creando y forjando la historia y el nacimiento de Pedro Bocanegra como compositor; historia que comenzó a raíz de un conflicto que se originó entre Perú y Ecuador en el año de 1910.

En la edición No. 110 de la revista semanal "Variedades", del 9 de abril de 1910, se da cuenta que el día lunes 4 de abril de esa semana estalló en Lima el sentimiento de la dignidad nacional al llegar a la capital las noticias sobre el absurdo y cobarde ataque realizado en Guayaquil y Quito contra la representación diplomática peruana y contra la vida y el hogar de los compatriotas en dichas ciudades.

En un mitin realizado en la Plaza de Armas de Lima el martes 5 de abril de 1910, la Plaza principal, abarrotada de público que fue a mostrar su apoyo al gobierno y su indignación contra los hechos recientes, fue testigo del sentimiento patriótico que emanaba de los corazones allí presentes. Fue entonces que un grupo de estudiantes universitarios le pidió al joven poeta José Gálvez, presente allí, que hable en representación de la juventud universitaria, y nuestro poeta empezó a declamar versos que le salieron del corazón, que fueron reproducidos por la revista Variedades y en parte dicen:

Pueblo pónte de pie y alza la frente
donde brilla el sudor de tu trabajo
con un toque de sol resplandeciente,
deja la azada sobre el hondo tajo
donde gastas tus férvidos empeños,
oye el redoble del tambor batiente
y da paso a los bélicos ensueños.

Siente dentro de ti las pulsaciones
del honor nacional encarnecido,
envuélvete en el mar de tus pasiones,
da tus viejos engaños al olvido,
despierta de tus sueños de ilusión;
y que en su indignación tus corazones,
palpiten como un solo corazón.

Que resuene tu voz enardecida
como un grito de guerra,
que a tu paso la tierra
retiemble con tu voz estremecida,
que se alcen los pendones
en el monte y el mar
y que nuestros viriles batallones
en ti beban la fe para triunfar...

La respuesta patriótica del pueblo limeño fue seguida por las demás ciudades y pueblos del territorio peruano, por lo que en las semanas siguientes se realizaron manifestaciones multitudinarias de protesta contra el Ecuador y apoyo al gobierno y pueblo peruano. Miles de voluntarios comenzaron a llegar a Lima, de todas partes del Perú, y el gobierno peruano movilizó tropas a la frontera con Ecuador.

Entre dichos voluntarios llegó, desde Chiclayo, un joven que estaba por cumplir los 20 años de edad, quien se enlistó en el ejército para servir a la patria en esos momentos de tensión y conflicto con el país vecino. Se trataba de Pedro Bocanegra, quien llegaba a la capital por primera vez, que luego de la preparación inicial en el ejército fue trasladado a la frontera con las tropas peruanas destacadas hacia dicho lugar.

Mientras estuvo en el ejército, Bocanegra integró la banda de músicos de su institución tocando el clarinete. Dedicado a ese tiempo en el ejército es que Bocanegra compuso la marcha "Los voluntarios", en honor al coronel Emilio Soyer, que después fue convertida en polca.

Luego de servir dos años en el ejército, Bocanegra decide quedarse en Lima por lo que, inicialmente, renta un cuarto en el Callejón del Pino de la calle de Patos, actual quinta cuadra de la Av. Emancipación. En dicho lugar se integraría a la bohemia de Lima y, poco a poco, fue destacando como gran bandurrista, guitarrista, compositor y cantor de serenatas.

Manuel Covarrubias, en La Prensa del miércoles 20 de diciembre de 1972, contaría que conoció a Bocanegra cuando éste tenía 22 o 23 años, habiendo ya servido en el ejército. "El que escribió la polka al Coronel Soyer, vivía en el solar Siglo XX, que estaba entre el Paseo Colón y Washington, y mi casa quedaba en el Callejón de la Huaca de la calle Sauce, que ya han demolido", señalaría nuestro compositor, añadiendo: "Bocanegra siempre me iba a buscar y a mi madre no le gustaba porque nos quedábamos hasta tarde en las calles."

En notas escritas sobre Bocanegra por Niko Cisneros (La Crónica, 12 de abril de 1959) y Roberto Mejía (El Comercio, Edición de la tarde, 29 de octubre de 1959), se mencionan composiciones creadas por Pedro Bocanegra, pero ninguno de ellos señaló el vals "Carmen". Sin embargo, en ambientes del criollismo se dice que dicho vals es de Pedro Bocanegra y así lo señalan en "Antología de la Música Peruana. Canción Criolla", de Lorenzo Villanueva y Jorge Donayre, Lima 1987. El vals "Carmen" aparece también en algunos cancioneros con Pedro Bocanegra como su autor.

Si Bocanegra se integra, recién, a la bohemia limeña en 1912, después de servir en el ejército, y no se le conocía composiciones antes de ello, ni se le conocía en el ambiente criollo, ¿cómo es que puede pertenecerle el vals "Carmen" que en 1911 ya formaba parte del repertorio del dúo Montes y Manrique, grabándolo ese año para la Columbia?

Pienso que, al igual que el caso del vals "Tus ojos", a Bocanegra le gustaba interpretar el vals "Carmen" y la gente empezó a identificarlo con ese vals, asumiendo que le pertenecía. Pero el vals aquel debió ser compuesto a inicios del siglo XX por alguno de esos criollos que en forma anónima fue regando las semillas que darían como fruto el engrandecimiento de la canción criolla.

Dario Mejia
Melbourne, Australia
dariomejia999@yahoo.com.au

Estimado Dario placer saludarte y agradecer por tus comentarios acerca de algunos valses de Antaño, que crearon algún tipo de confusión como es el caso del valse "Tus ojos", que se le asigna al poeta y compositor Alfonso Silva, y el valse Carmen que se le asigna a Pedro Bocanegra.

Tienes razón que la lógica, nos sugiere otra cosa, lo que si es verdad que no hay documentación que demuestre que no sea así, pero si hay otras versiones, como que sus autores eran argentinos.

En cuanto al tema Tus Ojos, en la grabación que hacen el Dúo Montes y Manrique, iontegrado por Eduardo Montes Rivas, y César Manrique para el sello Columbia, (P25) de la cuál tengo copia, y que se editara en Paris como tango por razones comerciales, Considerando tus aportes, te comento que la estrofa que escribes es la que mayormente se conoce, pero en la interpretación del mismo tema hecha por el Dúo Montes y Manrique difiere de lo que conocemos, casi en su "totalidad" en muchos pasajes: solo hay que escucharlo.

Lo que ellos cantan dice así:

Tus ojos que contemplo con delicia
pues a ellos los adoro con empeño
tienen la cualidad de la caricia
y la dulce mirada del ensueño
Ay, y la dulce mirada del ensueño

Por eso que a mi me enamora. etc..

En cuanto a la letra que conocemos, y figura en el cancionero la Lira Limeña nº 89, y se menciona a su autor es la siguiente:

Tus Ojos (Valse) Alfonso Silva

Tus Ojos que contemplo con delirio
los quiero y los adoro con empeño
tienen la palidez de mi martirio
y la dulce mirada del ensueño
ay! y la dulce mirada del ensueño.

Es por eso que de ellos me enamoro
y hasta el fondo d mi l alma me embelesan
me hacen llora de pena cuando lloran
y me llenan de amor cuando me miran

Benditos sea el amor, bendito sea
Oh! imagen adorada de mi ensueño
déjame que te cante y tu alma sepa
por que quiero tus ojos con empeño
Ay! por que quiero tus ojos con empeño

Entiendo y sé el porqué de tu tristeza
jermana de mis mismas amarguras
por eso es que en tus ojos se reflejan
amores, sufrimientos y dulzuras
Ay! amores sufrimientos y dulzuras

Te comento esto por que siempre hubo muchas dudas, sobre la letra original de este tema y existen grabaciones de otros interpretes que incluso dicen en el inicio

Tus ojitos que contemplo con delirio...etc.

Como te comentaba solo tengo copia del original, de algunos LP que grabaran El Dúo Montes y Manrique y donde figuran los temas en mención por lo cual no tengo los nombres de los compositores, tengo entendido que tampoco figuraban los nombres de los compositores solo el tema y el género.

Sobre el tema Carmen, existen grabaciones de algunos interpretes donde figura el nombre del compositor, en este caso se menciona como autor a Pedro Bocanegra, que en sus primeras lineas dice:

Germina en mi mente cuál un rayo
nació el amor en el fondo de mi pecho
y tu Carmen querida solo haz hecho
murmurar las caricias de mi alma..etc

Agradezco nuevamente tus comentarios que nos permiten intercambiar opiniones respetuosas sobre algunos aspectos de nuestra música criolla. Un abrazo y saludo afectuoso para la familia. José Leturia.

Promocion Criollos Peruanos.com

2009-09-06T09:52:00.001-07:00

Fotos de Lima

2009-08-29T11:15:00.001-07:00

Plaza de Armas de Lima - Municipalidad
Catedral de Lima
Calle de Lima antigua
Plaza San Martin

Himno Nacional Peruano

2009-08-28T09:06:00.000-07:00

Himno Nacional Peruano

En la edición del diario El Peruano del día viernes 28 de Julio de 2006, el compositor y recopilador de música peruana Lucas Borja señalaba que la letra y música del Himno Nacional del Perú había sufrido modificaciones no entonándose, en la actualidad, ni la letra original, de José de La Torre Ugarte, ni la música original, de José Bernardo Alzedo.

El Maestro Borja también mencionó que el compositor Alzedo firmaba sus creaciones con "z", pero que la posteridad cambiaría la "z" por "c", mostrándole al periodista que lo entrevistó una copia del pentagrama original del himno, editado por Alzedo para canto y piano. La grabación del Himno Nacional del Perú que realizó la Banda del Primer Regimiento de Artillería en la ciudad de New York en 1911, para el sello Columbia, contiene los compases originales, añadió Borja, quien tiene en su poder el disco de carbón de esa grabación.

No es sino hasta el año pasado, cuando Miguel Harth-Bedoya, Director de la Orquesta Sinfónica de Washington, de visita en Lima, declaró que el Himno Nacional del Perú que se entonaba no era el original, que la prensa empezó a hacer eco de lo que Borja ya había denunciado antes. Harth-Bedoya se dio cuenta de ello cuando un amigo le envió, desde Lima, la partitura original del Himno Nacional.

Pero a la letra original del Himno Nacional se le añadió una estrofa a principios del siglo XX y su eliminación es materia de discusión, que no se sabe cuál será el resultado.

Recuerdo haber leído en un periódico peruano, hace unos años, de que la grabación del Himno Nacional del Perú hecha en 1911 fue la primera que se hizo del himno peruano, razón por la que asumo que no se conoce, o conocía, de alguna grabación anterior a la de 1911 para el sello Columbia.

En mi búsqueda de información sobre las primeras grabaciones de música peruana, encontré que en la obra de Richard Spottswood, Ethnic Music on Records, Volumen 4, 1990, se encuentran enumeradas la cantidad grande de grabaciones que el tenor Antonio Vargas realizó en la ciudad de New York, entre 1901 y 1904. Entre dichas grabaciones se encontraban el Himno Nacional Chileno, el Himno Nacional Cubano, el Himno Nacional Mexicano y el Himno Nacional Peruano.

Dicha grabación del Himno Nacional Peruano fue hecha para el sello Zon-O-Phone figurando con dos números de registro distinto P5527 (7") y C5527 (9"). Esa sería, sin temor a equivocarme, la primera grabación del Himno Nacional del Perú y, quizás, contenga la letra original del Himno Peruano, sin la estrofa apócrifa, y también la música original.

Pienso que las autoridades educativas y/o culturales del Perú deberían hacer algo por tratar de conseguir una copia de esa primera grabación del Himno Nacional Peruano, realizada al empezar el siglo XX, que podría contener el himno original que tanto se reclama sea restituido. Mientras tanto, me contentaré escuchando la versión del Himno Nacional Peruano que la Banda del Batallón Gendarmes No. 1 realizó para el sello Victor en 1926.

Dario Mejia
Melbourne, Australia
dariomejia999@yahoo.com.au

Vals Rosa Elvira

2009-08-27T20:44:00.001-07:00

La letra del vals "Rosa Elvira" fue escrita por Pedro Espinel. Investigadores de nuestro criollismo como Niko Cisneros, Aurelio Collantes, Gonzalo Toledo y Manuel Zanutelli señalan que Pedro Espinel es el autor de la letra de dicho vals y que la música le pertenece a Carlos Saco. Sin embargo, he podido notar que hay cancioneros que se equivocan ya que invierten las cosas dándole la letra a Carlos Saco y la música a Pedro Espinel. Ello se debe, quizás, a que saben que Carlos Saco falleció en 1935 y como es sabido que Saco compuso la música de muchas letras de otros, pues suponen que, en este caso, no podía componer una música estando ya muerto, pero si podía dejar letras.

Lo que realmente pasó es que "Rosa Elvira", inicialmente, fue un vals solamente musical de Carlos Saco, sin letra, al cual Pedro Espinel le puso versos para honrar, una vez más, al extraordinario compositor que falleció un año antes que Pinglo. No hay que olvidar de que Espinel empezó a componer canciones criollas, recién, después de la muerte de Pinglo, en mayo de 1936.

No sé realmente quien fue la inspiración de Espinel para la letra de "Rosa Elvira". Saludos.

Dario

Uno de los Grandes d ela Musica Peruana Mario Cavagnaro

2009-08-27T20:35:00.000-07:00

UNO DE LOS GRANDES DE LA MÚSICA PERUANA : "MARIO CAVAGNARO"
Creaba hermosas canciones, músico singular, libretista de programas de radio y televisión, director de orquesta, productor de discos, maestro de ceremonias y más.

El maestro autor y compositor arequipeño, Mario Cavagnaro, dotó al vals criollo de un ropaje no común en nuestro medio: incorporó la REPLANA a su expresión literaria, y con ese material triunfo. Eran letras alegres, llenas de vida como su vals, irremediablemente sentimental, "Yo la Quería Patita".

Yo la Quería Patita

Cuando irrumpió este vals en jerga, el vecindario se sintió tocado, se sintió participante, presente en la canción popular. Miles se identificaron con esta canción emblemática, que jamás pasará de moda.
Debo destacar sin embargo, que a muchas personas, el uso de la replana no les cayó bien. Afortunadamente el maestro Cavagnaro siguió adelante.
Hay otra etapa de su obra. El no dio vueltas sobre lo mismo. Trazó una línea divisoria entre lo que hizo, y, lo que en determinado momento decidió elaborar.
Escuchemos este precioso vals titulado "La Noche de tu Ausencia", de la autoría de don Mario Cavagnaro.

La Noche de tu Ausencia

Cavagnaro compuso canciones diferentes, como "El Rosario de mi Madre" ("aunque no creas tú, como que me oye Dios, esta será la última cita entre los dos, comprenderás que es por demás que te empeñes en fingir..."). Vamos a escuchar a Helenita Vargas, una hermana colombiana que canta y ama también lo nuestro:

http://www.youtube.com/watch?v=9ixW8DFxKFw&hl=en

El maestro pudo, por su profesión de ingeniero estar apartado de la composición, del mundo de las artes, y, en general, del ambiente artístico (En 1949, egresó de la Facultad de Ingeniería Química de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos). Sin embargo Cavagnaro amó apasionadamente nuestra canción popular. Les comento que muy pronto pondremos al aire, en Radio Nacional del Perú, las dos entrevistas que nos concedió, cada una con 60 minutos de duración. Allí ustedes conocerán más sobre el pensamiento del maestro con respecto a la situación de la Música Peruana (1996) de ese entonces; y la visión que a futuro tenía él de esta música que todos amamos entrañablemente.

Los dejo con el maestro Mario Cavagnaro, cuando él mismo nos canta el vals que le hizo a su tierra, a la blanca ciudad de Arequipa:

Mario Cavagnaro el regreso (Arequipa)

Mario Cavagnaro reunía diversas facetas pues, además de autor, compositor o creador de magníficas canciones, era un gran instrumentista, un músico de singular oído, director de orquesta, productor de discos, creativo de spots publicitarios y comerciales audiovisuales, libretista de programas en radio y televisión, fundador y director de "Avanzada Criolla", donde los nuevos valores, muchos (Marco Romero, Marlene Guillén, Milagros Guerrero, Sonia Bertha, etc.) de ellos, hoy brillan con luz propia, tenían la ocasión, la oportunidad de ser asesorados, dirigidos por el maestro para después presentarse en grandes actuaciones.

Quiero presentarles dos versiones distintas, pero cada cual más hermosa de la inspiración de don Mario, la primera cantada por la desaparecida y gran intérprete Fetiche, y luego, la Reina y Señora de la Canción Criolla, Jesús Vásquez. Cada una a su estilo y tesitura de voz nos presentan el bolero que lo hizo famoso en el extranjero y que se lo grabaron Raúl Show Moreno y Los Peregrinos. Aquí está su "Osito de Felpa"...

Osito de Felpa

Créanme que me faltaría tiempo y espacio para ensalzar la obra, el carisma y la personalidad del Maestro Cavagnaro. Y tal como me lo contó en las entrevistas que le hice en Radio Nacional del Perú, cada una de sus canciones representa una época, por eso es que en más de 45 años de fructífera labor, de actividad permanente e indesmayable, no hubo tiempo en que dejara de entregarnos cada vez, más y más canciones... Escuchen por favor al "Caballero de la Canción Criolla", don Rafael Matallana que cantará dos canciones, joyas musicales, de Mario Cavagnaro tituladas "Barrio mío, Barrio Añejo", y "La Noche de tu Ausencia".

Rafael Matallana medley de Mario Cavagnaro

MARIO CAVAGNARO LLERENA, sin lugar a dudas es otro de los compositores más famosos y brillantes del Perú. Gracias a la magia de las grabaciones, su espíritu sigue vivo entre todos nosotros. Lo recordaré siempre como el maestro, el colaborador, el amigo que Dios tenga en su gloria. Y ahora quiero presentarles su vals romantiquísimo "Destino sin Amor", en la voz de un nuevo valor del canto (Año 2001), ella es Elena Nicoletti:

Destino sin Amor

"Historia de mi Vida", "Afane otro estofao", "Barranco en el ayer", "Barrio mío, barrio añejo", "Cántame ese vals, patita", "Canto a Trujillo", "Carretas, aquí es el tono", "Te han visto por Orrantia", "Cuando un criollo se muere", "Cutato ¿Por qué te baten?", "Debemos separarnos", "Destino sin amor", "Dos extraños", "El Regreso", "El Rosario de mi Madre", "Gracias por haberte conocido", "Hoy te quiero más", "La noche de tu ausencia", "Lima de novia", "Lima de octubre", "Los días que me quedan", "Mala mujer", "Todos los peruanos somos el Perú", "Yo la quería, patita", "Osito de felpa", "Los días que me quedan", y antes de partir compuso -como si fuera una premonición- el vals "Cuando un criollo se muere".

Escuchemos al propio autor y compositor cantando su vals "Cuando un criollo se muere", el mismo que sirvió de presentación de un homenaje póstumo que se le hizo a nuestro amigo criollo, guitarrista y compositor que también se nos fue, muy joven. Me refiero a Luis "Pochi" Ríos, Q.E. P.D. (pero esta es otra historia que posteriormente les contaré)

Homenaje Póstumo - Luis "Pochi" Ríos - PERÚ

Disfrutemos de sus valses "Lima de Novia" y "Lima de Octubre" que serán interpretados por la Tuna de la Universidad de Lima...

http://www.youtube.com/watch?v=N3mHz9cwmc4

Hay muchísimo más que contarles sobre Cavagnaro, y quiero presentarles a continuación un bolero que compuso, con un título bastante sugestivo:"Emborráchame de Amor". Lo grabaron infinidad de artistas internacionales. Sin embargo les presento la versión más linda que he encontrado, en "la voz", de Héctor Lavoe...

Héctor Lavoe - Emborráchame de amor

Entre los múltiples artistas que grabaron los temas del maestro Cavagnaro y que se hicieron famosos con ellos, encontramos a Cecilia Bracamonte, ella canta "Calla tus palabras"

Escrito por Zoraida Arias
http://www.generaccion.com/usuarios/cultural/articulos/?codarticulocliente=271

El Secreto de Felix Pasache

2009-08-27T20:32:00.001-07:00

El secreto de Félix Pasache

Para los amantes del cancionero criollo, el vals "Nuestro secreto" del compositor Félix Pasache es el último de los clásicos de nuestra música criolla que no sólo se popularizó en el Perú, sino que también se ha internacionalizado habiendo sido cantado por muchos intérpretes de renombre; tanto en su ritmo original, vals peruano, como en otros ritmos como salsa y rock.

El vals de Pasache tiene más de 25 años y después de su estreno, y éxito rotundo, no ha vuelto a salir otro vals que pegue tanto en el gusto y el corazón del pueblo como lo hicieron anteriormente muchos valses. ¿A qué se debe esa gran acogida que tuvo, y sigue teniendo, "Nuestro secreto"?

Se podría decir que muchos han tenido una experiencia como la que se menciona en la canción de Pasache. Una hermosa historia de amor que tal vez la estén viviendo; que quizás sea prohibida o que por esas cosas de la vida no se pueda continuar, pero que uno la guarda dentro de su mente y corazón como uno de sus más grandes secretos y experiencias vividas, que la canción de Pasache se las recuerda...

Este secreto que tienes conmigo
nadie lo sabrá,
este secreto seguirá escondido
una eternidad.
Yo te aseguro, nunca diré nada
de lo que pasó
y no te preocupes, que todo lo nuestro
queda entre tú y yo.

Muchas historias de amor se terminaron después de varios años o cuando recién empezaban. Cuando se ha vivido y sentido intensamente a la otra persona, se sigue pensando en ella, ya sea bien o mal, aunque uno no lo desee o no quiera reconocerlo. Especialmente si hubo amor y mucha pasión de ambas partes que ni el tiempo ni la distancia podrán jamás borrar ya que la historia aquella fue escrita con besos inolvidables, en noches en que afloró lo que ambos sentían, amándose hasta quedarse rendidos. Algo que el Maestro Pasache supo expresar con sus versos...

Nadie sabrá que tu pecho
juntito al mío ha latido,
que disfrutamos instantes
de fascinante dulzura,
nunca diré que hubo noches
que te adoré con locura;
nadie sabrá que en tus brazos,
borracho de amor, me quedé dormido.

"Nuestro secreto" pasó a la inmortalidad en el cancionero criollo del Perú, convirtiéndose en una canción inolvidable que invita no sólo a cantarla, sino también a sentirla y hacer volar nuestra mente con los recuerdos gratos y momentos de pasión que hayamos vivido alguna vez con el ser amado que pueda ser que siga a nuestro lado o haya quedado solamente como un secreto escondido en lo más hondo de nuestro corazón.

Félix Pasache nació en La Victoria en 1940. Compositor prolífico que desde joven, a la edad de 23 años, vio a "Los Embajadores Criollos" interpretar sus composiciones. Ellos le grabarían 13 de sus valses, entre los cuales se encuentran: "Déjalos", "Equivocada", "Horas de dolor", "No insistas", "Por esa ingrata", "Se acabó y punto", "Sigue mintiendo", "Soy feliz" y "Vete".

El vals "Déjalos", que fue una de sus primeras composiciones, ha sido también grabado por muchos intérpretes, tanto nacionales como extranjeros. A Pasache le pertenece también los siguientes valses: "Cosas de la vida", "Dijiste adiós", "Mi amiga la tristeza", "Por segunda vez" y "Tu capricho". Su vals "Parece un sueño", en la interpretación de Juan Mosto, ganó el Festival de Arequipa en 1971. Unos años después ganó el Festival de Chincha con su vals "Sigue tu rumbo" en la interpretación de Nedda Huambachano.

Debido a la indiferencia de la radio y la televisión hacia la música criolla, por fines de los ochenta, nuestros compositores e intérpretes se vieron forzados a buscar nuevos rumbos. Es así que Félix Pasache decide mudarse a New York con su familia y después de vivir varios años en dicha ciudad, la salud le jugó una mala pasada y nuestro compositor fallece el jueves 22 de abril de 1999 en la ciudad de los rascacielos. Sus restos fueron traídos a Lima por su familia en la madrugada del jueves 29 de abril de 1999, para ser enterrado en la tierra que no dejó de querer, como fue su deseo.

En la tarde del domingo 19 de abril, sus amigos y exponentes del criollismo que siempre lo recuerdan, le rindieron un homenaje en el famoso y legendario fortín del criollismo: "Callejón del Buque"; el cual está situado en la tercera cuadra de la Av. Luna Pizarro en La Victoria. Según lo hizo saber el periodista Enrique Bravo en una de sus criollas notas, una Misa de Honras por Félix Pasache se llevará a cabo este 22 de abril a las 6:00 p.m. en la Parroquia San Miguel Arcángel ubicada en la Av. Los Precursores 501, Maranga, San Miguel.

El secreto de Pasache era la humildad, sencillez y calidad humana que poseía, por ello pudo tocar la sensibilidad de las personas y llegar al corazón del pueblo a través de sus composiciones. Ese fue el secreto que legó a su pueblo que lo recuerda más cada vez que tararea su inmortal vals, "Nuestro secreto": http://www.youtube.com/watch?v=-7CyqE9ObUE

Dario Mejia
Melbourne, Australia
dariomejia999@yahoo.com.au
Escrito el 19 de abril de 2007
Actualizado el 20 de abril de 2009

Elvira Travesi, La Estatuaria

2009-08-27T20:29:00.000-07:00

Elvira Travesí, la estatuaria

La siempre recordada Elvira Travesí, que nos acaba de dejar este miércoles 15 de julio, permanecerá eternamente en el corazón de los peruanos como la "Primera Dama del Teatro Nacional". Su exitosa carrera en el teatro y el cine nacional es por demás conocida, pero lo que muchos ignoran es que ella era cantante en su juventud, al igual que sus hermanas Angela y Gloria. Después dejaría el canto, atraída más por la actuación, pero llegó a componer canciones siendo de ella el vals "Pajarillo de oro", del cual Lucila Campos hace una bella interpretación:
http://www.youtube.com/watch?v=tYhzaoyC0zw&feature=related

Por la época en que ella cantaba, fines de los 30 e inicios de los 40, el cancionero criollo tenía grandes intérpretes que formaban un hermoso ramillete de voces femeninas. Destacaban Lucha Estrella, Yolanda Matos, Jesús Vásquez, Gloria Ramírez, Elena Mayer, Violeta Castro, Alicia Lizárraga, Irma Molina, Rosita Passano, Mechita Herrera, Lucy Smith, Esther Cornejo, María Jesús Jiménez, Delia Vallejos, Esther Granados, La Pequeña Nelly, Blanquita Torres y otras voces más que se lucían en Radio Goicochea, Internacional, Lima y Nacional.

La calidad artística de Elvira Travesí fue resaltada desde que ella era joven. A fines de enero de 1940, el cancionero "Alta Voz" publicó su foto en la portada del mismo y le dedicó una nota en su interior que la tituló "Elvira Travesí, la estatuaria"; la cual resumiré para que se sepa que a la edad de 20 años Elvira Travesí ya era una reconocida artista de teatro.

Según "Alta Voz", Elvira Travesí era una mujercita seria y espiritual, de rostro hierático como las vírgenes occidentales y que -sin embargo- atesoraba un fondo ardiente y tempestuoso que volcaba su calidad artística en las diferentes caracterizaciones que a diario la oíamos hacer ante el micro.

Su figura era menos bulliciosa que la de sus dos hermanitas, Angela y Gloria, pero era la más fríamente temperamental. Su carácter firme y su voz de soprano joven la autorizaban para tomar siempre los papeles más serios y responsables. "Mientras Gloria hace una chiquilla gritona y coquetuela, y Angelita simula a la hembra levantisca que pelea con el novio, Elvira asume el rol de madre o de mujer en el más amplio sentido del vocablo", es lo que señala Alta Voz.

Su interior era más sereno, su alma más pensativa, su arte menos exterior. Todo ella era un mundo de pasiones y voces internas que se explayaba artísticamente cuando el caso lo requería.

Alta Voz resalta el papel de "Papirusa" que hacía Elvira Travesí por esos días, en una de las obras que se transmitía a diario por Radio Lima. "Creemos que ése sea el mejor trabajo de su existencia artística. Qué formidable concepción del drama. Qué finura de expresión, qué entusiasmo de interpretación. Elvira en esa representación ha rayado a una altura realmente excepcional. Y no dudamos en considerarla como la 'Papirusa' ideal del teatro moderno. Sonríe poco y esto tal vez sea una resultante de emociones que solo ella sabe expresar cuando actúa", asiente Alta Voz.

Ama, siente y sufre al igual que todas las chiquillas modernas, comenta la nota de Alta Voz, que finaliza diciendo: "Elvira Travesí, con su belleza estatuaria y su dulce continente de matrona -siendo aún sumamente joven- ha logrado ya el peso que solo las artistas completas logran a través de una larga y azarosa vida artística".

El cancionero Alta Voz no se equivocó con el comentario que hizo sobre Elvira Travesí cuando ella tenía 20 años. Su calidad artística sería reconocida por los peruanos que la llegarían a considerar como la eterna "Primera Dama del Teatro Nacional".

Pajarillo de oro
(Vals Peruano)
Elvira Travesí

Dime amor donde te has ido,
que no te puedo yo encontrar
yo nunca te he conocido
y te estoy buscando siempre sin cesar.

Es la ilusión de mi vida
es la ilusión de mi soñar
las he guardado aquí en mi pecho
mi dulce esperanza que no olvidaré.

Pues mi corazón está lleno de ilusión y fe
Pajarillo de oro que tiene ganas de volar
yo quiero vivir, vivir, yo quiero soñar, soñar,
en mi corazón está la alegría de vivir
no quiero jamás, morir.

Dario Mejia
Melbourne, Australia
dariomejia999@yahoo.com.au

Un Chalaco corazon

2009-08-27T20:27:00.000-07:00

Un chalaco corazón

A la Memoria de Roberto Casas, un chalaco hasta la muerte

Nuestro cancionero criollo está lleno de hermosas canciones, algunas de las cuales el pueblo las ha convertido en una especie de himno por el contenido tan significativo de sus letras que supieron calar hondo en el corazón y sentimiento del pueblo desde que fueron creadas. Uno de esos creadores de canciones-himnos es sin lugar a dudas Manuel Raygada Ballesteros, a quien se le llamaba, cariñosamente, el "Chato" Raygada.

Eran los inicios del siglo XX y la música popular se escuchaba solamente en algunos reductos del criollismo. El nuevo siglo trajo a los primeros carros que empezaron a circular en Lima, mientras que en el Callao un niño venía al mundo en la calle Constitución del primer puerto del Perú. Un niño que crecería recolectando "huevos de angelote" para venderlos después en el puerto. Era el 8 de mayo de 1904 cuando Manuel Raygada, un predestinado de nuestra música, vio la luz por primera vez en el puerto que siempre llevaría dentro de su corazón.

La Crónica del 24 de Mayo de 1959 señala que Raygada, siendo aún niño, solía escurrirse al interior del bar "Trípoli" de Monteagudo para, desde un rincón, escuchar las conversaciones de los criollos que solían reunirse allí y verlos también cantar y tocar la guitarra. Pero no sería hasta los 13 años, en que ya cantaba y tocaba la guitarra, que recibió sus primeros aplausos del público. Ello ocurrió en la cantina "El Pollito" de la calle Washington donde una tarde se armó de valor y cogiendo la guitarra se subió al mostrador para entonar un vals que arrancó los aplausos de todos los presentes. Había nacido un jaranista aquella tarde.

Formó dúo con el colombiano Caicedo logrando un segundo premio en una competencia en el desaparecido Teatro Lima en Barrios Altos. Ante el viaje de Caicedo por países del norte, decide formar un trío con Ricardo Smith y Pascual Villalba. Pero su espíritu aventurero fue más fuerte por lo que se enrola en la Compañía Nacional de Vapores para navegar por los mares del mundo. Durante ese tiempo, navegando, siempre tuvo a su lado su guitarra por lo que al regresar de uno de sus viajes, en 1929, decide buscar a Smith y Villalba para recomponer el trío, para lo cual decide alejarse de la Compañía Nacional de Vapores.

El vapor "Mantaro" zarpó del Callao hacia Arica llevando a la Delegación Oficial Peruana a la entrega de Tacna por representantes del gobierno chileno y, sin que lo supieran, llevaba también como "pavos" a Raygada, Smith y Villalba. Fueron descubiertos cerca de Mollendo, pero no fueron desembarcados sino que los obligaron a cantar día y noche para alegrar a la tripulación y romper la monotonía del viaje. Ya en territorio chileno, el trío se desintegró y Raygada, luego de trabajar por un tiempo en Iquique con su guitarra, viajó a Santiago de Chile.

Nostalgia Chalaca

Según Aurelio Collantes, el cabaret "Sangai" de la calle Bandera, en Santiago, fue su primera trinchera y de la música peruana también. Cuenta Collantes de que en 1940, Raygada se encontró, de manera casual, en la calle Ahumada con el "tiongo" Alva de su querida "tira" del Callao, quien le trae gratos recuerdos de los amigos del puerto y casi llorando de emoción, nació "Nostalgia Chalaca".

Niko Cisneros también cuenta que "Nostalgia Chalaca" nació en 1940, pero que fue inspirada en Valparaíso, el puerto del sur, ante la vista de añejas fotos del antiguo muelle del Dársena. Contemplando aquellas fotos brotaron las lágrimas, la añoranza, la melodía y finalmente los versos... "Noche chalaca de luna majestuosa, / ausente y lejos te veo siempre hermosa. / Siento que se desgarra / de mi pecho el corazón, / al cantarte en mi guitarra / y al evocarte en mi canción..."

Cualquiera que haya sido la verdadera historia, lo cierto es que "Nostalgia Chalaca" es un canto de añoranza al terruño y una especie de himno del Callao. Una canción que los chalacos la sienten muy dentro de su corazón, especialmente los que viven lejos del terruño...
http://www.youtube.com/watch?v=-SGb1St90uc&feature=related

Un chalaco corazón

Cuando llegué a vivir a Melbourne, Australia, poco a poco fui conociendo a los peruanos que vivían en dicha ciudad. Unos meses tenía de vivir en Melbourne cuando unos amigos me llevaron a la fiesta de cumpleaños de un peruano con quien ya había tenido la oportunidad de intercambiar un par de palabras solamente.

El dueño de la casa, y del cumpleaños, era Roberto Casas, un chalaco que amaba mucho su barrio y como yo conocía muy bien el Callao, conversando sobre su barrio, que era su tema preferido, fue naciendo una amistad y respeto del uno por el otro.

Roberto Casas no sólo quería mucho a su barrio, sino que también al Perú y su gente por lo que participó entusiastamente en actividades de ayuda al Perú. De todas las actividades en las que participó Roberto, con la que más se le recuerda es por haber liderado, en Melbourne, un Comité de Ayuda para la Construcción del Centro de Diagnóstico y Rehabilitación para niños discapacitados de la Aldea Sagrada Familia de Arequipa, con un costo de USD$23,480 y, posteriormente, la construcción de dos ambientes de dormitorio para los niños de dicha Aldea, con un costo de USD$17,416. Su amor por el Perú era muy inmenso, pero también lo era esa nostagia chalaca que sentía por su Callao querido.

Un día, alegremente, Roberto me comentó que se le había presentado la oportunidad de regresar al Perú y tenía una oferta de trabajo allá, por lo que pensaba regresar al terruño. Pero la salud le jugó una mala pasada y ya no pudo viajar porque tenía que seguir un tratamiento médico. Tal vez la pena de ya no poder regresar a su tierra le complicó más su enfermedad. El no poder ver más a su Callao le dolía mucho y la fatal noticia de su partida de este mundo ocurrió a fines de junio de 2004.

En una tarde soleada de invierno, luego de varios días fríos, mientras la gente de Melbourne disfrutaba de ese hermoso sol de invierno, una gran cantidad de peruanos le dábamos el último adiós a un compatriota ejemplar que se había ganado el respeto, cariño y admiración de toda la comunidad latinoamericana que vive en Melbourne. Reunidos sus amigos, a miles de kilómetros de distancia del Perú, en una iglesia del suburbio de Sunshine, en Melbourne, se dejaron oír las notas de la canción que es una especie de himno para los chalacos. "Nostalgia Chalaca" de Manuel Raygada despidió a Roberto cumpliendo con uno de sus últimos deseos, y al escucharse los versos de la canción era como si escucháramos a Roberto decirnos que, aún en el otro mundo, él seguía siendo chalaco y así lo sería por toda la eternidad.

Mi Perú

Cuando uno escribe o compone algo poniendo el corazón en ello, lo que resulte siempre tocará el corazón de otros, y Manuel Raygada le ponía el corazón a sus composiciones por ello el pueblo las convirtió en una especie de himnos algunas de ellas.

Corría el año de 1946 y ya Manuel Raygada se había hecho de un lugar y nombre dentro del ambiente nocturno de la música en Santiago de Chile, donde residía. Raygada solía visitar el club "Tabaris" para hacer música peruana con su compadre chileno Alfonso Hinostroza, que era integrante de la orquesta del club aquel. Raygada se sumaba a la orquesta y empezaba a tocar valses peruanos conocidos que el público chileno bailaba entusiastamente. Pero un día reparó en que al empezar a entonar las primeras notas de un vals, uno de los concurrentes llamó al mozo, pagó su cuenta y abandonó el local con cara molesta. Ese comportamiento siguió repitiéndose cada vez que Raygada empezaba a tocar un vals peruano.

En La Crónica del 17 de Agosto de 1958, Niko Cisneros cuenta que Raygada, amargo por la actitud que tomaba el señor aquel, le comentó a su compadre: "Este señor, ni es peruano ni es chileno... me dicen que es centroamericano, pero si a ti te gusta la música cholita, a mí, a los demás integrantes de la orquesta y a los que aquí llegan... no puedo permitir que ofenda los aires de mi Patria. Y como no lo dice manifiestamente, ni puedo hacerle cargos probables, pues ya veré lo que hago con él. Pero nadie desprecia al vals peruano estando yo presente".

Esa noche, en su departamento, Raygada empezó a escribir los versos y rasgar con su guitarra las primeras notas de la canción que sería su venganza. Al salir los primeros rayos del sol, Raygada se quedó dormido de cansancio ya que no sólo había estado creando versos y notas musicales sino que su mente viajó por su Perú y su historia. Pero su canción ya estaba culminada.

La tarde ya estaba terminando cuando Raygada despertó y lo primero que hizo fue agarrar su guitarra y entonar el vals que acababa de crear. Por la noche llegó al club "Tabaris" sonriendo como de costumbre, aunque esa noche su sonrisa resplandecía más en él. El centroamericano estaba allí en el club, señala Cisneros, añadiendo de que Raygada cogió el micrófono y dirigiéndose al público exclamó: "Mil perdones señoras y señores. El que habla no tiene el honor de pertenecer a esta orquesta del 'Tabaris', pero por mi acento Uds. habrán reparado de que soy peruano. Y como tal, y con permiso de mi compadre Hinostroza, esta noche voy a estrenar un vals peruano de mi inspiración, que anoche surgió en Santiago. El está dedicado a ese señor que está allí, que sé que gusta de la música del sur"... y Raygada empezó a cantar "Tengo el orgullo de ser peruano y soy feliz / de haber nacido en esta hermosa tierra del sol..."

El vals "Mi Perú" se había estrenado esa noche en el "Tabaris" y Raygada, llorando de emoción y rebozando peruanidad por todos los poros, agradecía los aplausos que no cesaban de elogiar su brillante inspiración, mientras que el centroamericano, mudo de la impresión, no se había movido esta vez de su asiento ni retirado del local. Había nacido un vals patriótico que calaría muy hondo en el corazón y sentimiento de los peruanos. Un vals que haría historia en la canción criolla del Perú. Una canción que con el correr de los años se convertiría en una especie de himno para los peruanos y que en cada celebración de Fiestas Patrias, de los peruanos viviendo fuera del Perú, suena con mayor fervor patriótico, haciéndonos sentir el orgullo de ser peruanos. Los Hermanos Zañartu harían una de las grabaciones más memorables de "Mi Perú":
http://www.youtube.com/watch?v=I0K_4vf831k

A Manuel Raygada también le pertenece los valses "Acuarela Criolla", "Lima Criolla", "Mechita", "Mi Retorno" y muchas composiciones más que engrandecieron nuestro cancionero criollo.

En 1956, luego de 27 años de ausencia, Manuel Raygada regresó al Perú y su Callao querido atendiendo una invitación del Municipio chalaco que le ofreció también un empleo como Administrador del Mercado Central del Callao. Los chalacos querían tener a su lado al creador de páginas tan bellas en nuestro cancionero popular, así que con su esposa chilena y sus hijos se quedó en su Callao querido.

Falleció el 5 de abril de 1971, pero su "Nostalgia Chalaca" y "Mi Perú" se han quedado grabados muy dentro del pueblo peruano que los convirtió en una especie de himnos porque tocan el alma y el corazón del peruano, llenándolos más de peruanidad.

Dario Mejia
Melbourne, Australia

dariomejia999@yahoo.com.au
Escrito el 23 de Julio de 2005

Entrevista a la primera voz del trio Los Chamas

2009-08-27T20:10:00.000-07:00

Michel Urbano:

Entrevista de la primera voz del trío Los Chamas para El Perfil Latinoamericano Escrito por: Violeta Belesbía de Pirner

Michel Urbano y Violeta Belesbía
La institución musical el trío Los Chamas, ha presentado en Lima – Perú su nueva producción musical “Eternamente Los Chamas” bajo la dirección del Maestro Michel Urbano primera voz, Lalo Ribal segunda voz, segunda guitarra y Paco Peña tercera voz, primera guitarra. Ellos son los nuevos miembros de este fabuloso conjunto.

Michel Urbano radica en Nueva Jersey. En el 2008 en su visita a Perú realizó el tributo a “Los Chamas” en la Derrama Magisterial y pudo reunir a las primeras voces de este grupo en un espectáculo donde fue muy emotivo y de muchos gratos recuerdos. Donde los artistas y músicos interpretaban en la tarima temas musicales y rendían homenaje a Los hermanos Washington y Rolando Gómez y recordaban a Óscar Bromley. El público estaba muy feliz de ver actuar, era como que si estuvieran viendo a los fundadores del grupo, aplaudían muy emocionados.
Michel Urbano me invitó a este importantísimo evento y tuve el privilegio de poder estar presente en ese gran espectáculo, pude apreciar y entrevistar a todos los participantes y a muchos compositores.
Hoy presento en exclusivo una entrevista con Michel Urbano quien nos narra sobre el trío “Los Chamas”, la nueva producción y sobre este acontecimiento que se realizó directamente desde Lima- Perú el pasado año 2008. Actualmente él se encuentra nuevamente en Lima realizando presentaciones para luego continuar su gira por Fiestas Patrias en los Estados Unidos. Asimismo, coordinando su gira musical por Europa y Japón. Les deseamos muchos éxitos y bendiciones. Aquí nuestra entrevista.
Michel Urbano

Lalo Ribal, Michel Urbano y Violeta Belesbía
Violeta: Nos encontramos en vivo y en directo en la Derrama Magisterial de Jesús María en Gregorio Escobedo en Lima – Perú. Es el Homenaje a Los Chamas, tenemos aquí la primera voz Michel Urbano, quien es el organizador de este evento y enviará sus saludos a los lectores del El Perfil Latinoamericano de Nuremberg – Alemania. Michel muchas gracias por la generosa invitación y compartir este evento de tanta trayectoria, como es el homenaje a Los Chamas, cuéntanos sobre esta presentación.

Michel : Muchas gracias a tí Violeta. Tu presencia para nosotros es suficiente, te agradezco mucho todas las oportunidades que me has brindado de saludar a través de otras emisoras como la de Argentina donde nos conectastes y por todos los comentarios hermosos que has hecho al trío Los Chamas en tu revista El Perfil Latinoamericano de Nuremberg – Alemania.
Violeta: Michel Urbano, muchísimas gracias por invitarme como Maestra de Ceremonia y por darme la oportunidad de estar aquí presente en este valioso espectáculo y así poder llevar estos mensajes a través de mi revista para poder difundir a nivel mundial sobre Los Chamas, cuéntanos por ejemplo sobre la presentación del día de hoy, ¿Cómo surgió la idea de poder reunir a tan importantes músicos y artistas en este espectáculo?
Michel: Bueno, yo creo que ha sido un acontecimiento muy espiritual reunir a todas estas primeras voces, a sido un reto y creo que el reto lo ganaron los hermanos Rolando y Washington Gómez como también Óscar Bromley, por que es el manifiesto de amor y cariño. Reconocimiento y gratitud. Les agradezco a todos los que han colaborado y participado en este tributo a Los Chamas del Perú.

Lalo Ribal, Violeta Belesbía, Michel Urbano y Paco Peña
Violeta: Precisamente el día de hoy en este homenaje que han brindado a Los Chamas se ha podido contar con la presencia también del grupo musical Los Kipus, ¿Qué nos puedes manifestar al respecto?

Michel : Bueno, no es Los Kipus, pero es la esencia, por que está el fundador Genaro Ganosa y yo creo que es la base fundamental. No tengo nada contra las otras personas que están cubriendo Los Kipus, pero para mí ellos representan Los Kipus como Rolando y Washington y todos las primeras voces que hemos tenido el honor de estar en esta Institución musical.
Violeta: Michel nos puedes detallar, ¿Cómo surgió la idea de poder realizar este importantísimo tributo a Los Chamas?
Michel: Bueno eso es algo, un poquito exotérico y espiritual, creo que es un empuje fuertísimo de amor y cariño reconocimiento y gratitud. Venir de USA y enterarme que Los Chamas ya no estaban en este mundo y que habían pasado desapercibidos, para mí fue indignante, traté y buscar conversación con ellos con la autorización de la familia Gómez para hacerle este reconocimiento, gracias a Dios esto no queda aquí, esto va a seguir dando vueltas en la atmósfera en las emisoras, en los periódicos y ojala que por ahí reconozcan los méritos de cada uno de ellos y el gobierno y brindarles el reconocimiento de las Palmas Magisteriales.

Violeta Belesbía y Michel Urbano
Violeta: Por supuesto eso seria maravilloso que reciban el merecido reconocimiento. Precisamente el día de hoy aquí en la Derrama Magisterial en Lima – Perú, ustedes han presentado la producción musical “Eternamente Los Chamas”, realizado en 1993 en USA y culminada actualmente en Perú, ¿Qué nos puedes contar al respecto?

Michel: Efectivamente, esto se inició en el año de 1993 y ha culminado en el 2008 a la desaparición de mis grandes compañeros y maestros pero lo realizamos y gracias a Dios ahí estamos en la lucha y esto no va a quedar aquí, hoy tenemos el trío actual y esperamos seguir haciendo otras grabaciones quizás en el término de seis meses vamos a terminar un nuevo disco.
Violeta: Michel Urbano tu eres la primera voz y director del trío Los Chamas, nos podrías contar ¿cuáles son los futuros planes profesionales y donde se presentarán?
Michel: Por supuesto, hay muchas expectativas, uno es que vas hacer tú Violeta Belesbía, nos vas a llevar a Europa, así que después de ahí, esperamos que tu revista “El Perfil Latinoamericano” que se ve, se lee y conoce en todo el mundo y que tus influencias de amor y afecto que me has brindado en estos últimos días tenga como acontecimiento pues nuestra presencia en Europa. Muchas gracias a tí Violetita por todo tu apoyo a nuestra música peruana, nuestra música criolla, muchas gracias.
Violeta: Muchas gracias a ti Michel por tus hermosas palabras, para finalizar me gustaría que envíes un mensaje para nuestros compatriotas en Perú y a los que viven en diferentes países del mundo.
Michel: Si Violetita con mucho gusto, simplemente les digo que estamos a disposición de toda Europa, todo Asia por medio de tu persona como nuestra Manager para que Los Chamas vuelvan y sigan llevando el nombre holgadamente y honrosamente.

El artículo fue enviado por Violeta Belesbia Diaz

La Oracion del Labriego

2009-08-27T20:01:00.001-07:00

La Oración del Labriego

La capacidad creativa del bardo criollo Felipe Pinglo asombraba a todos. Nuestro gran compositor podía crear canciones maravillosas, al instante, con sólo tener algún tema sobre el cual escribir. De esa manera nacieron los valses "El canillita", "Melodías del corazón", "Mendicidad", "Tu nombre y el mío", "La oración del labriego" y otros más, que Pinglo los escribió en presencia de amistades, las cuales fueron testigos del nacimiento de una obra más de nuestro magnífico bardo inmortal.

No se ha podido comprobar si Pinglo tuvo alguna afiliación política. Sin embargo, es muy claro que él sentía y vivía los problemas sociales de su época, como lo demuestra en algunas de sus composiciones. Una persona a la cual le preocupaba no sólo sacar adelante la canción criolla, sino también el progreso nacional, como lo mencionó en su carta a Víctor Echegaray en junio de 1931, no podía estar ausente de los problemas sociales que ocurrían a su alrededor, de ninguna manera.

Felipe Pinglo se sintió influenciado por los intelectuales de su época, como es el caso de José Carlos Mariátegui y Leonidas Yerovi. A Yerovi lo admiraba tanto que hasta le dedicó una de sus composiciones y, según el cronista Gonzalo Toledo, a Mariátegui lo solía visitar en la calle Sequión de los Barrios Altos, llamada también calle del Acequión, actual calle Huari, en el No. 271. Allí Pinglo le mostró algunas de sus composiciones, pero no se sabe nada más sobre la relación entre ellos; aunque recuerdo haber leído que Mariátegui no prestaba mucha atención a lo que Pinglo le enseñaba. Tal vez porque pensaba que ésa no era la manera de llegar al pueblo y sus problemas.

A mi parecer, las composiciones que Pinglo le enseñó a Mariátegui fueron las de amor, por ello Mariátegui no le prestaba mucha atención. Esto lo sostengo en base a que Mariátegui falleció el 16 de abril de 1930 y durante la década de los 20 Pinglo no componía todavía sus canciones de contenido social. Fue en sus últimos años de vida, los años 30 del siglo pasado, en que Pinglo empezó a crear canciones de contenido social, después de la muerte de Mariátegui. Si tan sólo José Carlos Mariátegui hubiese vivido unos años más, para poder apreciar "El Plebeyo", "Pobre obrerita", "El canillita", "Mendicidad" y "La oración del labriego", tal vez él mismo se hubiese acercado, esta vez, al Maestro.

Por aquellos años 30, Lima estaba llena de huertas y chacras, especialmente en sus afueras. Mucha gente se dedicaba a trabajar la tierra, madrugando para ello, dependiendo del clima para que sus frutos florezcan. Cuando Pinglo observa este trabajo, decide plasmar en versos la labor de la gente que trabaja la tierra y la esperanza que abrigan, o fe, en que el clima los ayudará con sus sembríos.

Carmen Pinglo, hija de Felipe Pinglo, le contaría a Ricardo Miranda Tarrillo como fue que nació el hermoso vals "La oración del labriego", que Pinglo creara ante la presencia de muchas personas, incluyendo su familia, unos días después de que creara su vals "Mendicidad".

La noche del 21 de agosto de 1934, Felipe Pinglo acompañado de su esposa, cuñados y amistades se dirigieron a la Hacienda Mendoza en Monterrico para brindarle una serenata a su comadre María Rosa Martínez de Tirado, esposa de Antonio Tirado, caporal de dicha hacienda. El cumpleaños de María Rosa era el día 22 de agosto, así que luego de la serenata, y posterior brindis, se procedió a festejar el onomástico con música, que entonaban los criollos que acompañaron a Pinglo, comida y trago que habían llevado; porque antes se acostumbraba llegar a una casa con todo preparado con el afán de no poner en compromisos a los dueños de casa.

Eran las primeras horas de la madrugada del día 22 de agosto de 1934 y Pinglo decide salir de la casa, quizás, a tomar un poco de aire fresco y descansar un poco de la bulla que toda reunión siempre causa. Se pone a caminar alejándose de la casa, deteniéndose en una tapia desde donde se pone a observar a los campesinos que desde temprano ya están trabajando la tierra, abriendo surcos en ella y esparciendo las semillas que después brindarán los frutos deseados.

Aquella escena conmueve a nuestro bardo por lo que saca su lápiz y papel, que solía cargar, y se pone a escribir los versos de una nueva canción, mientras seguía contemplando el trabajo de los labriegos. Cuando el sol está ya del todo alumbrando en el cielo, Pinglo tiene terminada la letra de un vals que muy pronto empezaría a sonar en todos los ambientes musicales, "La oración del labriego".

El grupo "Mercedarias", que estrenó con Pinglo su vals "Mendicidad", sería quien primero empezaría a divulgar la hermosa creación de nuestro bardo criollo, que rápidamente empezó a circular por la ciudad capital. La tradicional Fiesta de Amancaes fue también uno de los escenarios donde se entonaría el vals de Pinglo "La oración del labriego", cuando el Conjunto Criollo de Canto y Guitarra lo ejecutó allí el 24 de junio de 1938.

El cine y el teatro fueron asimismo escenarios de algunas de las composiciones de Felipe Pinglo. El lunes 12 de mayo de 1941 se presentó en el teatro Metropolitan la revista musical "Melodías de Pinglo", con libretos y escenografía de Aurelio Collantes y Augusto Naranjo. Se escenificó "La oración del labriego", "Bouquet", "El Plebeyo" y "Mendicidad".

Ese mismo año, 1941, el cancionero "Alta Voz" señalaba que "La oración del labriego" era uno de los temas preferidos del repertorio de Jesús Vásquez, quien lo interpretaba en la radio y, años después, lo llevó al disco... http://www.youtube.com/watch?v=WXFIRyQYmag

En la edición No. 1563 de "El Cancionero de Lima", de abril de 1945, se publica la letra de "La oración del labriego" mencionándose que fue grabado en Argentina por "Los Trovadores del Perú". Jorge Huirse los acompañó en dicha grabación, en el piano con Miguel Paz, para el sello Odeón... http://www.youtube.com/watch?v=TxHtQ9j1MYA

La Orquesta de Miguel Caló, que tenía ya en su repertorio las composiciones peruanas "El Plebeyo", "Me duele el corazón" y "Todos Vuelven", también incluyó "La oración del labriego" que fue todo un éxito en tierras argentinas.

En La Crónica del 31 de mayo de 1945, Juan Rasilla Moreno contó de que Andrés Segovia, el gran guitarrista de fama mundial, dijo en una oportunidad de que era imposible que una persona que no leyera música a primera vista, hubiera podido componer tan linda pieza; refiriéndose a Pinglo y "La oración del labriego".

A inicios de los 60, "El Cumpa" Jorge Donayre Belaúnde llevó a la televisión la representación de algunos de los valses de Pinglo. Se escenificaron los valses "La oración del labriego", "De vuelta al barrio", "El espejo de mi vida", "El huerto de mi amada" y "El Plebeyo". En la actualidad, "La oración del labriego" sigue entonándose y causando admiración por su hermosa letra y música, habiéndose convertido en uno de los valses inmortales del cancionero criollo peruano.

La Oración del Labriego
(Vals Peruano)
Felipe Pinglo

Es ya de madrugada, el labriego despierta,
al entreabrir sus ojos la luz del alba ve;
entonces presuroso, saliendo de su lecho
musita esta plegaria lleno de amor y fe:

"Señor, Tú que has creado las aguas de los ríos
y a los prados permites el verdor que se ve,
no niegues al labriego el divino rocío
que con cada caída alegra nuestro ser.
La campiña que luce hermosos atributos,
por ti florece siempre, cual ameno vergel;
pero si Tú nos niegas agua, sol y rocío,
morirán los labriegos de inanición y sed".

Después de la jornada, la lampa sobre el hombro,
al ponerse la tarde retorna el labrador
y mientras tranquea de vuelta a la cabaña,
cantando el pensamiento modula esta canción:

"La ansiada primavera que exalta los amores
te debe la pureza de todo su arrebol
y el concierto admirable de pájaros y flores
por obra de tu gracia ostenta su primor".

En medio de este encanto que alegra corazones
el labriego es el guarda de tan rico joyel,
como guardián te pido que con tu omnipotencia
multipliques los frutos que cosechar podré.

(Versión publicada en "El Cancionero de Lima" No. 1141)

Dario Mejia
Melbourne, Australia
dariomejia999@yahoo.com.au
Escrito el 22 de Agosto de 2006
Actualizado el 22 de Agosto de 2009

Las grabaciones de música peruana en la ciudad de New York en 1911

2009-08-27T19:53:00.001-07:00

Las grabaciones de música peruana en la ciudad de New York en 1911

El 28 de Agosto de 1911 es un día que ha quedado marcado en la historia de la música peruana, debido a que ese día partieron en el vapor Urubamba, hacia la ciudad de New York, dos figuras peruanas que harían historia en la canción criolla del Perú, César Augusto Manrique y Eduardo Montes Rivas, quienes, a partir de ese instante, dejarían de ser "Los Carachosos" para convertirse en el dúo Montes y Manrique.

César Manrique y Eduardo Montes serían los primeros peruanos en grabar música peruana y lo hicieron en la ciudad de New York, para la Columbia Phonograph & Company, convirtiéndose, de esa manera, en una especie de leyenda para el pueblo peruano y un misterio, a la vez, para los investigadores de la música peruana ya que por cerca de 100 años se ha mencionado, a veces 91 discos, otras veces 195 discos.

Tengo conmigo publicaciones peruanas de los sesenta del siglo pasado, en las cuales se menciona 195 discos y recuerdo haber leído lo mismo no hace mucho. Pero en artículos anteriores escritos por mí, desde hace varios años, mencioné que fueron 91 los discos que se grabaron en 1911... y el día de hoy presento la lista completa de dichas grabaciones.

No voy a ahondar mucho sobre la vida e historia de Montes y Manrique, sobre quienes, el 16 de Julio de 2005, escribí "Montes y Manrique, Padres del Criollismo" y se encuentra publicado, desde ese tiempo, en el "Boletín de New York", habiéndole servido de fuente de consulta a mucha gente:
http://www.boletindenewyork.com/montesymanriquedm.htm

El 12 de Junio de 2008 di a conocer otro trabajo sobre Montes y Manrique, "Mitos, misterios y grabaciones de Montes y Manrique". En dicho artículo di a conocer más detalles desconocidos sobre nuestro legendario dúo, que pude encontrar gracias a una investigación minuciosa en periódicos antiguos. Como por ejemplo, di a conocer que los discos de música peruana grabados en 1911 se conocieron como "Discos Peruanos", detalle que encontré en la edición de El Comercio del domingo 28 de enero de 1912, donde la casa Holtig publicó la relación de la primera serie de 18 discos dobles con 36 piezas que estaban por llegar al Perú. Dicho artículo se encuentra publicado por "Peruan-ita", Asociación Peruano Italiana:
http://www.peruanita.org/index.php?option=com_content&view=article&id=68&Itemid=82

Hoy puedo asegurar que los discos de música peruana que se grabaron en 1911 fueron 91, que por ser discos dobles contenían 182 grabaciones en total. Esto lo he confirmado consultando la obra de Paul Yemon "Ethnic and vernacular music, 1898-1960: a resource and guide to recordings" y la obra de Richard Spottswood "Ethnic Music on Records", Volumen 4.

Las 182 grabaciones de música peruana para la Columbia tuvieron la serie P, desde P1 hasta P91, y fueron hechas entre Octubre y Noviembre de 1911 de la siguiente manera:

- Montes y Manrique: 172 grabaciones.
- Banda del Regimiento de Gendarmes de Infantería: 6 grabaciones.
- Banda de la Escuela Militar de Chorrillos: 3 grabaciones.
- Banda del Primer Regimiento de Artillería: 1 grabación.

Las grabaciones de Montes y Manrique, que fueron 172, se clasificaron de la siguiente manera:

- Yaraví: 41 grabaciones.
- Marinera: 31 grabaciones.
- Triste: 31 grabaciones.
- Canción: 23 grabaciones.
- Vals: 20 grabaciones.
- Tondero: 9 grabaciones.
- Polka: 7 grabaciones.
- Pieza imitativa: 6 grabaciones.
- Mazurka: 2 grabaciones.
- Pieza descriptiva: 2 grabaciones.

En los últimos meses he pasado muchas horas escuchando las grabaciones de Montes y Manrique en mi iPod, especialmente cuando viajaba al trabajo, reemplazando ese lapso de tiempo que lo utilizaba en dormir en el tren, un poco más, por escuchar las grabaciones de nuestro dúo histórico.

La música de nuestro legendario dúo me acompañó en unos momentos difíciles de mi vida, que fue cuando decidí que tenía que completar la lista de sus grabaciones recurriendo, después del trabajo, a la Biblioteca Nacional del Estado de Victoria en busca de información concerniente a las grabaciones peruanas en Estados Unidos. Ordené también un par de libros de Estados Unidos que los leí, meticulosamente, página por página, teniendo cerca de mil páginas uno de ellos, porque era la única manera de encontrar las grabaciones de música peruana hechas por intérpretes de otros países en Estados Unidos... y si que encontré varias sorpresas que, cuando las de a conocer, cambiará lo que se conoce hasta ahora sobre algunas grabaciones peruanas.

La lista de las 182 grabaciones de música peruana realizadas en 1911 fue elaborada teniendo como base el trabajo de Richard Spottswood "Ethnic Music on Records" y la colección particular, con que cuento, de discos originales y versiones digitalizadas que me permitieron corregir algunos errores de ortografía y vacíos que encontré en la obra de Spottswood.

Un especial agradecimiento al compositor Lucas Borja, quien por intermedio de Teresa Toledo, hija de nuestro recordado cronista Gonzalo Toledo, me confirmó que el nombre que tenía de la banda que grabó el Himno Nacional del Perú estaba correcto. Lucas Borja tiene el disco original con dicha grabación.

También debo agradecer a Gérard Borras, de Francia, que me confirmó el verdadero nombre de una grabación, por contar él con el disco aquel. Y a mi hermana Meche, quien guarda mis discos originales en Lima, por el trabajo de anotar los detalles de los mismos y enviármelos.

De las 172 grabaciones hechas por Montes y Manrique, entre discos originales y versiones digitalizadas, cuento con 157 de ellas, identificadas correctamente. Debo manifestar que algunos coleccionistas tiene versiones digitalizadas con nombres que no son los originales. Por ejemplo, la marinera "La melancolía" la tienen con nombre cambiado; como "Rosa Rosaura" y "Como la mariposa". Ese cambio de nombre ha sido hecho cuando se pasó la grabación del disco a cassette y/o versión digital. Al no conocer el nombre original, se optó por ponerle lo que decía parte de la letra de la canción.

Otro detalle que pude descubrir es que la Columbia, años después, volvió a imprimir algunas de las grabaciones de Montes y Manrique, pero con diferente número de matriz.

Manuel Fajardo seguiría los pasos de Montes y Manrique haciendo 19 grabaciones de música peruana, en quechua, aymara y castellano, el 7 de febrero de 1921 en la ciudad de New York.

Para terminar, deseo reiterar lo que prometí en Junio de 2008, el donar la colección de mis discos originales y versiones digitalizadas de Montes y Manrique a alguna entidad cultural seria en Lima, con la finalidad de que puedan tener acceso a ella los estudiantes e investigadores de nuestro folclore. Yo estaré en Lima a mediados de Octubre de este año, por lo que si alguna entidad educativa, cultural o de investigación, que se encargue de promover y/o preservar el archivo musical peruano, está interesada en las grabaciones que tengo, que me contacte con anticipación.

Pienso que el trabajo no ha terminado aún, sino que más bien recién empezará para toda esa gente ávida de aprender, conocer e investigar sobre los origenes y evolución de la música peruana. Las grabaciones de 1911 contienen historia y misterio a la vez; nos aclaran ciertas dudas pero nos crean otras a la vez.

Dario Mejia
Melbourne, Australia
dariomejia999@yahoo.com.au

Amputan pierna de Cantante Lucila Campos

2009-08-23T15:41:00.000-07:00

Amputan pierna a cantante criolla Lucila Campos

Una noticia con sabor amargo. Lucila Campos, la máxima exponente de nuestro folclore afroperuano, sufrió la amputación de su pierna derecha debido a una neuropatía diabética; sin embargo, su vida aún corre peligro y ahora deberá enfrentarse a un enemigo mayor: la depresión que la embarga por haber perdido a los 71 años una de sus extremidades inferiores.

Su hija Zoila detalló que la artista fue operada el jueves último y todavía deberá permanecer internada en el hospital Rebagliati hasta que se encuentre fuera de peligro. Esto se veía venir, era inevitable amputarle la pierna. Ella sabe lo que pasa. Con el favor de Dios la operación salió bien, ahora está en recuperación, consciente, pero pasa por un cuadro de depresión. Todo es díficil para nosotros, para ella misma pasar por este trance, pero Dios ha querido que sea así y no podemos contra él, dijo una afligida Zoila al programa radial En escena de RPP.

La única hija de la cantante pidió a los seguidores de su madre y todos los amantes de la música criolla, orar por ella para que pueda superar estos terribles momentos y no se deje vencer por la tristeza.

Necesitará apoyo, aliento, amor, todo lo que se pueda dar. Viene una etapa difícil de depresión y quiera Dios que la pueda superar porque esto es más fuerte que la operación.

La reina de las polladas, cuya chispa y gracia no perdió ni siquiera cuando hace un año sufrió un derrame cerebral, se encuentra desde hace más de dos semanas postrada en una cama debido a complicaciones con la diabetes y un cuadro de hipertensión.

La cantante de música criolla Lucila Campos sufrió la amputación de su pierna derecha a consecuencia de la avanzada diabetes que padece, informó su hija Zoila.
"Necesitaremos mucha fuerza y ayuda psicológica. Todo esto es muy doloroso pero tenemos que levantarnos para sacarla adelante", remarcó Zoila.
"No se podía esperar más, porque el mal ya había avanzado mucho. Lo peor ya pasó, ahora ella (Lucila) está descansando. No se sabe cuando le darán alta", sostuvo en declaraciones a RPP.
Zoila indicó que la intervención de Lucila Campos se realizó hace dos días en las instalaciones del hospital Edgardo Rebagliati.

"Necesitaremos mucha fuerza y ayuda psicológica. Todo esto es muy doloroso pero tenemos que levantarnos para sacarla adelante", remarcó Zoila.

Oracion a la Virgen Criolla

2009-08-23T05:37:00.000-07:00

ORACIÓN A LA VIRGEN CRIOLLA

Del criollismo patrona, Sagrada Virgen del Carmen
nos posamos a tus plantas, a orar ante tu imagen ,
para agradecerte todo lo que por nosotros haces.
El criollo Barrios Altos, de fe inunda sus calles,
y la gente que el domingo va a tu templo a saludarte,
ahora te espera en sus puertas para aplaudir cuando pases.
Con flores multicolores, todo el pueblo ramos hace
y también te han hecho alfombras los jefes y capataces
de las cuadrillas de hermanos que lucen, de gala trajes.
La Banda Republicana, ha hecho el arreglo de un valse
que Felipe, el inmortal Pinglo, lo escribió años hace.
Es la “Oración del Labriego” pero con ritmo más suave
y no se podrá evitar, que una lágrima se escape.
En Barrios Altos nació el criollismo, que se sabe
y tu eres su protectora, Virgen Santa, nuestra Madre.
Protege tu, a nuestro pueblo y a todos nuestros hogares
y a toditos los enfermos, alíviale sus pesares.
Has que nuestro barrio vuelva a ser tranquilo como antes
que todo sea respeto, que el trabajo jamás falte
y sean puertas de calle o más humildes solares
que prime la educación como querían nuestros padres.
Que la guitarra, el cajón y las voces no se apaguen,
que el GABA con su entusiasmo, siga siempre hacia delante,
rebosantes de cariño como “los muchachos de antes”.
Que sepan los que se fueron, jamás han estado aparte,
porque nuestros corazones, por todos ellos, aún laten.
AMÉN

Germán Súnico Bazán
Julio 6, de 2008.

Amigos: Al estar por celebrarse el día de la Vírgen del Carmen, la "Vírgen Criolla",
"Patrona del Criollismo", me he permitido escribir a manera de Oración el Romance
que estoy remitiendo.
Abrazos,

Germán Sunico

Maria Jesus Vasquez

2009-08-16T20:02:00.000-07:00

Maria de Jesús Vasquez, Reyna y Señora de la cancion criolla Peruana

Mendicidad 75 años despues Por Dario Mejia

2009-08-15T05:43:00.000-07:00

Mendicidad, 75 años después

Luego del oncenio del presidente Leguía (1919-1930) la ciudad capital del Perú había crecido en cerca de 100,000 habitantes, teniendo, según el censo del 13 de noviembre de 1931 realizado en Lima, Callao y sus alrededores, 272,742 habitantes (la ciudad de Lima), mientras que Miraflores tenía 25,972, Barranco 13,987 y el Callao 69,800 habitantes.

Si muy bien la clase media se consolidó durante ese período, el desempleo, en Lima, era alto y siguió creciendo durante los primeros años de la década de los 30. Según lo señala Jorge Basadre en su obra "Historia de la República del Perú", el número de desocupados inscrito en la Junta Departamental de Lima Pro-Desocupados fue de 13,302 en 1931, 19,053 en 1932 y 20,619 en 1933. La desocupación estaba en aumento.

Como una de las principales causas de la mendicidad es la falta de empleo, que conlleva al hambre y miseria, el número de mendigos en Lima iba también en aumento durante la década de los 30. Bajo este contexto es que Felipe Pinglo, al ver una persona mendiga, crea su hermoso vals Mendicidad, que cumple 75 años de haber sido compuesto por el inmortal bardo criollo, donde describe el drama social por el que atraviezan las personas que se dedican a mendigar, como último recurso para poder sobrevivir.

Felipe Pinglo acostumbraba visitar mucho la calle Mercedarias en los Barrios Altos donde solía hacer música con sus amigos, quienes hacían bailar las paredes de adobe del Callejón del Fondo, que quedaba en dicha calle, y que era el lugar donde solían reunirse los hermanos Díaz, Augusto Ballón. Guillermo D'Acosta, "el chino" Ernesto Soto, Pedro Espinel y el Trío Mercedarias que, por ese tiempo, estaba conformado por Samuel Joya (que vivía en el Callejón del Fondo), Jorge Gonzales y Nicolás Enríquez.

La noche del 10 de agosto de 1934, después de haber estado deleitándose haciendo música, Felipe Pinglo y sus amigos deciden comer algo para recuperar fuerzas, por lo que entran al restaurante Mercedarias de la calle del mismo nombre sin saber que esa noche, en el restaurante aquel, se escribiría una de las páginas más bellas del cancionero peruano.

El cronista Gonzalo Toledo, en El Comercio del 13 de octubre de 1992, contó que una vez en el restaurante Mercedarias, Samuel Joya se pidió una copa de pisco de entrada y es en ese momento cuando una anciana se acerca a la mesa donde se encontraban Pinglo y sus amigos pidiéndoles una limosna. Impactado por el aspecto de la viejita menesterosa, Pinglo le dio una moneda de medio sol y al retirarse la anciana el Maestro se queda pensativo, así que dirigiéndose a uno de los que atendía en el restaurante, que también se llamaba Felipe, le pide una hoja de papel en blanco, pero éste le alcanzó un manojo de servilletas de papel y, ante la sorpresa de sus amigos, comienza a escribir los versos de un nuevo vals que engrandecería a la canción criolla. El vals Mendicidad había nacido esa noche, añade nuestro cronista.

En el diario La Crónica del 31 de mayo de 1945, Juan Rasilla Moreno (Juramo), amigo de Pinglo, contó que Felipe Pinglo con su conjunto Mercedarias estrenó el vals Mendicidad en un concurso de cantores y guitarristas llevado a cabo en el cine Buenos Aires de los Barrios Altos. El grupo Mercedarias ganaría las medallas de oro del concurso aquel.

Juramo también señaló de que el Maestro, muy apenado, le comentó al final del concurso de que la mayoría de los concursantes habían interpretado música internacional, a pesar de ser todos ellos muchachos criollos. Sin embargo, Pinglo tenía la seguridad de que no estaba lejano el momento en que nuestra música habría de pasar las fronteras de la patria, cantándose y tocándose en los grandes salones y lugares de abolengo.

Después de la muerte de Pinglo, Samuel Joya empezó a componer canciones y el Trío Mercedarias cambiaría sus integrantes. En la portada de la edición No. 1116 de "El Cancionero de Lima", de 1936, sale publicada una foto del Trío Mercedarias integrado, en ese entonces, por Nicolás Enríquez, Arnulfo Valdivieso y Ernesto Soto, quienes venían actuando con éxito en teatros, cines y Radio Dusa.

En la edición No. 1357 de "El Cancionero de Lima" se comenta que se recordaba cinco años de la muerte de Pinglo y que el lunes 12 de mayo de 1941 se presentó la revista titulada "Melodías de Pinglo", con libreto de Aurelio Collantes. En dicha revista se escenificaron cuatro de las composiciones de Felipe Pinglo, siendo una de ellas "Mendicidad".

Los Trovadores del Perú grabarían el vals Mendicidad, lo mismo que Jesús Vásquez, siendo interpretado por muchos criollos que lo sumaron a su repertorio porque es uno de los valses más representativos del cancionero criollo, y que ha pasado a la inmortalidad.

Hoy en día, la obra de Felipe Pinglo es reconocida en el Perú y el extranjero, siendo el Maestro considerado como el mejor compositor de música criolla que haya existido hasta el momento en territorio peruano.

Mendicidad
(Vals Peruano)
Felipe Pinglo

Cubierto de harapos, la faz macilenta,
el pobre mendigo limosnea un pan;
implorando siempre la bondad ajena,
a todos les pide una caridad.

Camina encorvado, cual árbol añoso,
es prueba viviente de tanta crueldad
con que el mundo azota a distintos seres
para la ignominia de su bacanal.

¿Quién es? No se sabe, su ayer es misterio.
¿De dónde ha venido? Jamás lo dirá.
Rayando la aurora sale diariamente
a esperar que el mundo le prodigue el pan:
"Señor, señorita, niño, una limosna"
pide con voz llena de angustia mortal
y un "Dios se lo pague"
que llega hasta el alma
es el mejor fruto de nuestra bondad.

Tal vez en su infancia gozó de grandezas,
quizás vivió alegre en su pubertad,
hoy, que ya declina su triste existencia,
vive, porque vive de la caridad.

Mendigo sin nombre tu tragedia afrenta
a este mundo vano, artero y falaz.
Tú, con tus miserias y con tus harapos
vales más que el oro que el mundo nos da.

(Versión publicada en "El Cancionero de Lima" No. 1305 y No. 1328)

Dario Mejia
Melbourne, Australia
dariomejia999@yahoo.com.au

Compositores extranjeros en la Musica Criolla

2009-08-15T05:34:00.001-07:00

Desde sus inicios la música criolla popular del Perú albergó a compositores extranjeros no sólo en la propiamente llamada música criolla sino también en marchas militares. En estas últimas destaca un filipino José Savas Libornio, autor de "Marcha de banderas" y que compuso también los valses "En la hamaca", "Hortensia", "Mis ensueños" etc. y autor de varias polcas. Falleció en 1915.

Pablo Becaria Liprandi, conocido en el ambiente criollo como Pablo de los Andes, nació en Italia a principios de los 1900 y fue autor de los valses "Sensitiva", "Olvídate de mí", "Vuelve vidita", "Te toca a ti" y otras piezas de nuestro acervo. Falleció en 1963.

Rodolfo Coltrinari, nacido en Argentina en 1914, fue quizá uno de los más fecundos cultores y difusores de la música criolla peruana llegando a formar una extraordinaria orquesta que acompañó a nuestros mejores intérpretes. Junto con Lorenzo Humberto Sotomayor rescataron para la historia a un extraordinario cantante de la década del 40, Néstor Chocobar, que lamentablemente no dejó grabación alguna. Coltrinari y Sotomayor compusieron "Un vals y un recuerdo" que en uno de sus trozos decía:

y que en mil canciones
cuando las cantaba,
ponía su alma
y a todos gustaba:
ese bardo criollo
era Néstor Chocobar.

Roberto Tello y Jesús Vásquez grabaron esta composición.

Domingo Rullo también era argentino (1920) compuso "¡Ay, Paquita!", "Soñando", "Esta noche" y otros más.

El vals peruano "Clavel marchito" que popularizaron La Limeñita y Ascoy, pertence al chileno Armando González Malbrán que vivió también en Arequipa y que es autor del bolero "Vanidad". Falleció en 1950.

Nibaldo Soto Carbajal, chileno, fue compositor y director musical. A él le pertenece el vals "Ciudad virreinal".

Porfirio Díaz otro chileno compositor de música peruana. Es autor de "Pedacito de cielo", y "Rocío matinal".

Vicente Bianchi, también chileno, vivió muchos años en el Perú y es autor de "Peruanita bonita" y "Mi vals".

Finalmente no deseo terminar esta nota sin señalar que dentro de la música criolla se encuentra la DANZA. Entre llos más destacados cultores de este estilo se encuentra Eloísa Angulo que grabó "El payandé". La letra de esta canción pertenece a un colombiano perseguido por luchar contra la esclavitud de los negros en Colombia y la música, en estilo de danza peruana le correspondió al peruano Vicente Holguín.

El payandé es un árbol que no se halla en el Perú y crece en la rivera del Río Magdalena en Colombia.

Alfredo

Controversias en algunos valses por Alfredo Grados

2009-08-15T05:32:00.000-07:00

Existen algunas controversias respecto del orígen de muchas canciones de las que muchos países disputan al Perú la propiedad de las mismas. Por ejemplo, no hace mucho tiempo revisaba unos mensajes de unos ecuatorianos que charlaban en un grupo español y se decían, entre otras cosas, que el vals ODIAME y el vals ALMA, CORAZON Y VIDA eran originarios del país del norte. Me dio la impresión de que no lo hacían con mala intención, como contrariamente sucede en el asunto del pisco por ejemplo, sino que acusaban algún desconocimiento y creían que el primero era del patrimonio ecuatoriano porque lo escucharon en la voz de Julio Jaramillo y del segundo estaban seguros que los Embajadores Criollos, principales intérpretes, eran de ese país. Se les aclaró que ODIAME era una pieza cuya melodía pertenece a la inspiración de Rafael Otero y los versos a Federico Barreto y que Julio Jaramillo aprendió a cantar ese vals sino también mucha música peruana porque vivió en el Perú gran parte de su vida. Fue en el Callao donde Julio Jaramillo aprendió a lanzar sus primeros trinos. Respecto de ALMA, CORAZÓN Y VIDA, pues se les dijo que esa pieza pertenecía a la inspiración de Adrián Flores Albán y que los Embajadores Criollos, peruanos, fueron muy populares en el Ecuador. Hay un arreglo para guitarra clásica que ha grabado el eximio guitarrista clásico John Williams.

CÓNDOR PASA
La controversia más difícil de solucionar fue el de la propiedad intelectual de CÓNDOR PASA. En el mundo y en el Perú nadie duda de que esa pieza es una elegía tristísima que forma parte de una zarzuela peruana compuesta por Daniel Alomías [o Alomía] Robles. Robles de origen huanuqueño. Conversé con su hijo, el cieneasta Armando Robles Godoy, hace unos años y me dijo que el problema se había generado por una mala interpretación de una resolución de Naciones Unidas que señalaba que luego de 40 años todas las composiciones pertenecían a la humanidad. Así, algunos entendieron que a los 40 años se podia registrar con otro nombre y cambiar la propiedad.

Con esa antojadiza interpretación CÓNDOR PASA, Virgenes del Sol, Besos Brujos, Por una Cabeza, Caminito y muchas composiciones tradicionales fueron a dar a nuevas canteras de expresiones culturales totalmente diferentes. Un cantautor norteamericano, Paul Simon, fue el iniciador de esta carrera contra la propiedad intelectual y registró como suyo CÓNDOR PASA. Luego de ello muchas piezas conocidas fueron a dar a manos ajenas dando comienzo a una batalla legal que culminó con una aclaración de Naciones Unidas de que la mencionada resolución no facultaba el cambio de propiedad. Paul Simon, según me lo refirió Armando Robles Godoy, fue comprensivo y reconoció que no era el autor de esa pieza artística.

CHINA HEREJE
Si te vas de mi lado china hereje
para burlarte, tal vez, de mi desgracia,
tú no sabes -china boba- ¡quién soy yo!
buen cantor, gutarrista y chupa caña.

Así comienza un vals infaltable en encerronas criollas y grabado magistralmente por Los Morochucos y Los Romanceros Criollos. Los peruanos, muchos de nosotros, hemos creído por mucho tiempo, y hasta hay quienes aún lo creen, que esta pieza pertenece a la Guardia Vieja Peruana. No es así; el vals China Hereje es argentino y fue grabado por Carlos Gardel alrededor de 1920. APDAYC y SAYCOPE, que protegen los intereses de los compositores peruanos, jamás dijeron que esa pieza era peruana.

AURORA o ¡AY, AURORA!
Este vals aparece registrado por Nemesio Urbina quien sería el autor de la melodía musical. La historia atribuye la autoría de los versos al poeta tacneño Federico Barreto de la Guardia Vieja [1872-1929]. Los argentinos reclamaron esta pieza como suya porque hace unos 70 años la cantó y grabó el legendario Carlos Gardel quen figuraba, además, como autor de la música y la letra y la única variación respecto de la interpretación peruana fue ¡Ay, Aurora! en lugar de AURORA. En 1966 Nemesio Urbina la registró como suya en APDAYC aunque el consenso nacional la señala como de la Guardia Vieja Peruana.

A LA HUACACHINA
Juntito a la Huacachina,
una mañana te vi
y me miraste de mala gana
pero me muero de amor por tí.

Tal vez los peruanos tengamos en común con otras naciones los acordes del vals pero muy raramente compartimos los acordes de las polcas. Menos aún podríamos afirmar que esta semejanza se presenta con los argentinos porque ello no es cierto. Ciertamente que la polca A la Huacachina pertenece a Carlos A. Saco, según muchos entendidos, quien no la registró porque ello no existía en esa época. El compositor argentino Francisco Canaro reclamó esa canción como suya ignorando que con el redescubrimiento de la Laguna de Huacachina en 1860 en Ica, Perú y de las propiedades curativas de sus aguas, Francisco Flores Chinarro compuso una comedia costumbrista que se estrenó en ese lugar en 1861 con el nombre de "Cuidado con las Jaranas". En el segundo acto de esa obra se entonaba en solo y luego en coro la polca peruana que conocemos como A LA HUACACHINA. Para proteger ls derechos peruanos la mencionada polca fue registrada en 1961 por Francisco Pérez Anampa y Luis Legarda.

Felizmente "Mi Perú", "La flor de la canela", "Soy peruano”, “Nube Gris”, “Alma, corazón y vida” y "El plebeyo" todavía nos pertenecen.
Cordialmente,

Alfredo

Jose Antonio Leturia -anecdotas

2009-08-15T05:24:00.000-07:00

Estimados amigos, siempre el Perú ha contado con grandes investigadores y estudiosos de nuestro acervo cultural y en especial de nuestra música criolla, lo cual nos ha permitido conocer algunos aspectos importantes sobre fechas, efemerides, etc.

En cuanto a las letras de algunos valses siempre han existido, esos errores que él interprete al cambiar la frase le daba otro sentido, al mensaje original, desde la época del cancionero de lima , bristol, etc, existian esos erores que desconcertaban a unos cuantos.

Por otro lado, estaban los que verdaderamente habian compartido vivencias personales con los propios compositores, y son ellos los que nos han aclarado muchas dudas, por mencionar a algunos cuantos, los entrañables periodistas Rodolfo Espinar, Alberto Romero "Romerito", José Duran, etc, otro personaje importante de nuestra música que nos ha podido aclarar muchos de estos casos de letra o grabaciones erroneas es el destacado compositor Manuel Acosta Ojeda.

Nuestro común amigo Dario Mejia, es actualmente uno de los mas escrupulosos investigadores de nuestra música criolla, hace algún tiempo la destacada periodista Zoraida Arias, publicó un modesto comentario de mi parte refiriendome a algunas anécdotas del maestro Pablo Casas, a quien tuve el placer de conocer y que fue compadre espiritual de mi padre Alfredo Leturia, donde comentaba entre otras cosas la ya conocida del chino Palma.

Dario Mejia publicó un interesante articulo sobre el vals Anita y la famosa frase la dicha eterna, que nos alegro a muchos criollos dada la credibilidad y respeto que nos merece Dario.

Pablo Casas Padilla, es el compositor peruano, al que se le ha grabado con mas errores en cuanto a sus letras originales, a la mayoria de sus valses, le han cambiado la letra, e incluso se les ha cambiado el titulo, por ejemplo al vals Dos contra el mundo, se le grabó como Ana, y a Olga, se le cambia la letra original.

Anteriomente los compositores se molestaban mucho cuando esto sucedia y ellos estaban presentes, don Pablo incluso frecuentaba con su primo el recordado Antonio Trejo Ñique, quien cantaba junto a él sus propios temas con las letras correctas, para poder difundir sus temas con propiedad.

Otro de los periodistas discipulo de Romerito, que tiene imnumerables vivencias con el mundo bohemio criollo de antaño, es el destacado periodista Roberto Salinas Benavides, quien tiene muchas anécdotas, me comentaba recientemente acerca de las letras erroneas que estando con el recordado Ernesto "chino" Soto, se puso a interpretar el valse La abeja, y cuando estaba en la primera estrofa dice "Que vuela sin que nadie la detenga" (también se graba asi) y el chino le dice "Aguanta" me estas jodiendo el valse poniendole la mano en el hombro es "Que vuela sin que nada la detenga".

Le aclara que no se refiere a persona, cuando se dice nadie, se refiere a "nada" por que no la detiene una pared, tormenta, bosque, etc.

Por esta razon agradecemos por el bien de nuestra música criola que personas como Dario Mejia, Alfredo Grados, José Miranda, entre otros sigan brindando sus acertados comentarios, y aclarando algunos equivocados conceptos sobre nuestra música criolla.

Un abrazo y saludo afectuoso. José Leturia.

ASI NACIO EL CRIOLLISMO

2009-08-15T05:19:00.000-07:00

ASÍ NACIÓ EL CRIOLLISMO
Por Aurelio Collantes
Tomado de ELEMENTOS DEL PERU

Don Vicente Holguín, un colombiano que fuera desterrado por ideas librepensadoras en contra de la explotación del hombre de color desangrado en las plantaciones ardientes; radicó en Lima por el año 1867, donde cultivó amistad con don Luis Albertini, destacado jurisconsulto, diplomático y músico limeño, quien siete años antes había publicado "Albun Peruano" de canciones tradicionales tales como "La Limeña", "El Colegial", "La Tapada", etc., con letra del escritor costumbrista satírico, Manuel Atanasio Fuentes, popular por su capa española y usar el seudónimo "El Murciélago". Hoy esta edición es rarísima.Los problemas humanos del importado trabajador africano, esclavo de los ingenios azucareros, eran similares en la América mestiza. El trabajo de sol a sol y el castigo corporal, imperaba en los algodonales y trapiches de La Molina, Villa y Montalbán. Por lo cual se entendieron estos artistas de vanguardia Holguín y Albertini, siendo los acertados autores de la inicial composición-protesta en ritmo de danza titulada "El Payandé", denominación de un arbusto original de los valles de Colombia, además hacen mención al río Magdalena cuyas aguas extensas recorren de Sur a Norte. De esta hermosa canción ofrecemos dos fragmentos: "Nací en las playas del Magdalena, / bajo la sombra de un payandé;/ como mi madre fue negra esclava,/ también la marca yo la llevé"./ "Por la mañana cuando amanece,/ salgo al trabajo con mi azadón,/ como a tasajo, plátano asado;/ riego la tierra con mi sudor."/...

GUARDIA VIEJA
Cuando bajaron las persianas los "salones dorados", echaron llave al anciano piano de cola y se marcharon las "gavotas", los "minués" y "las cuadrillas", aparecieron en los escaparates de las Casas Musicales de Brandes y Fort, las nativas piezas rubricadas por Emilio Amézaga, Romero Losada y Romualdo Alva. Era una nueva serpentina parlante de los corrillos del jirón de La Unión. Nuestras melodías se comentaban con calor entre "bitters" de la Fuente de Soda de Castillo.

VIEJOS TROVADORES
Asomaron en los extramuros trovadores de "cachiné" de seda y sombrero "requintao" "a la pedrada", mentados guapos en ruedas briscaneras, por su voz en contrapunto; ellos derramaron alegrías allá por El Cercado, serrallo y picantería de horizontales, engreídos por los niños faites de "La Palizada", en la "mar y morena" encerrona de serenata, santo, corcova y octava. /Filigrana, preciosura/ en cada sincopado salto, dibujaron punta y talón escobillado y un laberinto de pañuelos pincelaba la aurora, entre siluetas "negros-azules" cajoneando geometries folklóricas a la reina parda Bartola de Aguamino o a los esguinces casquivanos y entradores de esas cuatro Saras "fríquite y mangansúa" para las quebradas bordadoras del tarambana Pepe Ezeta "Rey de la Marinera".
"EL TUNANTE"
Y fue "El Tunante, Abelardo Gamarra, el agua bautismal de esa limeña danza con vaiven de combate marino y fuego de montonera dedicada a la gloria del Almirante Grau. 1900. Fulgor de crisálidas eléctricas. Entonces eran los juglares dioses en un lago de sirenas, donde estelaban pensamientos, diálogos entre musas y troveros, calendarios de nombres, idilios plenilunios, citas embrisadas por aromática reseda. Nochebuena en la Plaza Mayor, en la glorieta barranquina o en los mármoles del Paseo Colón, amenizadas por las clásicas retretas del maestro Tapa o del filipino José Libornio.Pulula la gente de pura cepa y cogollo entre brindis de "puro cordon y rosa" y las gargantas vergelistas de Montes y Manrique y Salerno y Gamarra, preñaron aplausos en lunetas y cazuelas del Teatro Olimpo y El Politeama, en comilonas del café Can-Can, cuano los primeros discos de pizarra surcaron nuestros aires en fonógrafos de bocina.
EL TUNDETE
Retumban los hombres de bronce bajando el barrio erizado de "palisos trinadores" en tonos de "tundete" y "maulillo" rimando acentos a Pancho Ferreyros, jilguero del puente español, a los zarzales Garibotto-Bancalari con Julio Vargas y los hermanos Andrade. Mentras calle arroba encandilaban fogones parranderos, la verbena de la Virgen del Carmen, entre misturas y fritangas por Cocharcas, Los Naranjos y El Chirimoyo, irisados con el eco del negro Chiviricoy. Montserrat, estación-ferrocarril, entrevero camalero, factoría tranviaria, "La Mutua" cigarrera. Bulliciosa zona fabril, semillero de valientes y romanceros que al filo de las doce, recostados al cañón de mecha hundido en la ochava orillera, -acuarela de casas chatas y luna ojerosa reflejada en charquitos de lluvia- Desnudas mandolinas irradiaron luces en mamparas y barandas cuando el alto canto cholo de Bocanegra, desgarraba la noche "La Bóveda Azulada". Se apagaron fanales legendarios, dobló la esquina el encorvado organillero, cilindro molino de valse inicial "de izquierda a la media vuelta" tejiendo pasillos afelpados de cadenetas que imprimiera Rogelio Soto. Y perdieron los pasos por las baldosas rajadas de las Cinco Esquinas, la ruidosa estudiantina de "Los Doce Pares de Francia". Pero la casta criolla despertó silencios en manantiales "saudades", soñadores bohemios hilvanando silbos en péñolas arrabaleras, embanderando ramadas, patios vecinos, casitas palanganas, pregonando el sabor musical limeño. Mas enmudeció la risa franca antañona, se arrugaron romeros rumiando preciadas letras muertas, filtrando llanto, guitarreos violetas./Guardia Vieja.../ Murió el lirio Amancay sobre la obra de San Juan, la alondra y el ruiseñor libaron veneno del olvido en copa "jacarandá", cuando eclipsaron sus trinos patriarcales sobre el seco "puente de los Suspiros".
LOS AÑOS VEINTE
Los bicolores del Centenario, cuando la marquesina bombonera del "Colón" anunciaba sainetes criollos: "Lima en Kodak", "Salsa Roja", "Postales Limeñas", autores Leonidas Yerovi y Chirre Danós con música de los maestros Luis Gazzolo y Ventura Morales. En los teatros "Lima", Mazzi", "Victoria", estaban en cartelera "Un Paseo a Burro" o "Música Peruana" del travieso "Karamanduka"; pero llegó el cine mudo y se acabaron las "tandas" zarzueleras criollas, quedando solamente intermedios entre rollos de Francisca Bertini o Charles Chaplin en las manos mariposas del calvo Lizárraga, Filomeno Ormeño y Lucho de la Cuba. Trepidaban recientes calles asfaltadas los omnibuses Imperiales de dos pisos, la juventud mascaba chicle, usaba pantalones "Oxfor" ¢35 centímetros de boca, bailaba apasionadamente tangos, shimys, fox trots en las huachafas academias del Tigre, Comesebo y Santa Catalina.Llegó la revancha para la muchachada entusiasta de Bravo de Rueda, Valderrama y Carlos Saco: "Cuando el indio llora", "Las Cautivas", "Vírgenes del Sol" fantasías incaicas al ritmo gringo se impusieron en la América rubia, proliferando pianolas con nuestra música criolla en palquitos de café-cantantes y en los "fas" de las salitas americanas.Aguardientosos estribilleros de "platillo a peseta", oficiaban en casas alegres amorosas de la Pancha Navas, María Eugenia o la Meche Medrano donde de rechupete epilogaban marineras borrascosas, letrilladas con ají, sal y pimienta.En los tiempos de Don Augusto B. Leguía, el Alcalde rimense Juan Ríos, revivió el tradicional Paseo a los Amancaes y en el sonado concurso triunfaron cuerdas y cantos de "La Rondalla Piurana"; matices vocales de los hermanos Ascuez fugando resbalosas malambinas, regalando compases jaraneros, en la nomenclatura de diversions realizadas en los años veinte, cuando el sandunga pregón languidecía.
FELIPE PINGLO
Garúa, cielo plomo. Leyes dictatoriales, duro pan proletario, turbios lamparines alumbran pobrezas en barriadas nebulosas, injusticias socials sellaban labios entre mudas protestas de manos enanas, muñones heroicos. Escenario citadino manchado de tinta, surgiendo allá por el barrio alto del Este, la estructura débil de los humildes. Estambre latido en "El Prado", delirio rapsoda de pileta cáliz, colmando perlas dolorosas en hogares desiguales. Desamparados callejones podridos en quincha y salitre, donde agujereaba el sol cuartos numerados, retazos húmedos con sábila, herraje y cuchillo pecador; arrinconada guitarra, lucero callejero, nocturna joyería, alucinando geranios sensitivus desmayados en mantillas rotas y calzados miserables. Surgió el resplandor de la palabra en la "zurda" de Felipe Pinglo Alva.En orgullosas mansiones mullidas de alfombras y elegantes "arañas", cristalerías literarias enchapaban "barroco criollismo", ignorando premoniciones diluídas en grupos obreros cantores de la pulpería. -Ángulo de cuitas amistosas y bravías-.Pinglo barrioaltino, flecha relámpago perforando indolencias, risando auroras "valseadas" en tiernas flautas arrabaleras, baraja y briscanes rebeldes: "El Plebeyo", "Oración del Labriego", "La Obrerita", fueron vida, perfil y grito social en puertas de un mismo palo, tinglado hambriento del hombre pobre que aspiraba el humo vano de los "puchos" salarios.Cobalto llave de sol, abrió arreboles sobre el dombo de la Patria, sureando arpegios en mosaicos peruanos. /Pinglo/. Ave Fénix, ancho tórax mestizo, corola del pueblo, que dio acento universal a páginas tristuras de mensaje humano.Felipe Pinglo Alva, de ascendencia piurana, cuyo apellido paterno es genitivo del pueblo pescador de Sechura, nació en Lima a fines de los 1800 y se elevó a la eternidad un gélido mayo de 1936.

Ayudemos a Maria Jesus Vasquez

2008-06-07T18:29:00.000-07:00

MARIA DE JESUS VASQUEZ VASQUEZ "REINA Y SEÑORA DE LA CANCION CRIOLLA DEL PERU!!

Saludos mis amigos criollos alrededor del mundo, esperando se encuentren bien de salud y regalandose un descanso merecido despues de la semana de trabajo, para escuchar y deleitarnos con un bello vals criollo de nuestra patria el Peru. Uno de esos valses a los que nos tenian acostumbrados nuestros padres desde las tempranas horas de la mañana (antes de encaminarnos a nuestras respectivas escuelas), en mi caso, mis hermanos y yo recordamos con mucho cariño, las melodias y letras que interpretaban "Los Embajadores Criollos" con la inconfundible voz del gran Romulo Varillas. Identificabamos a nuestras tempranas edades las voces de muchos grandes de la canción criolla, pero la voz que calo muy dentro de mi, fue la voz indiscutible y representativa de la señora Maria de Jesus Vasquez Vasquez, nuestra "Reina y Señora de la Canción Criolla". No puedo negar que a todos en casa les gustaba escuchar las canciones que interpretaba la "Reina Jesus", en especial mi madre (se las sabia todas) pero creo que en mi, fue algo muy especial.
He querido empezar contando anecdotas criollas familiares, para llegar a ustedes con este delicado tema, del que todos debemos estar al tanto.

Mi humilde opinión con respecto a lo que esta pasando con nuestra "Reina Jesus" es algo que como peruano quiero compartir con todos ustedes. Hace poco que vengo leyendo y viendo en la internet, "los homenajes" que de a "puchitos" le estan rindiendo a esta dama criolla, que su vida artistica, la entrego por completo a nuestro cancionero nacional, logrando que la musica criolla tenga repercución no solo a nivel nacional, sino en el mundo entero.
Su bella voz se escucha hasta hoy en todas partes donde nuestra musica tiene seguidores, no hay quien dude, ni es tema de discución que la señora Jesus ostente muy merecidamente el titulo de "Reina y Señora de la Canción Criolla del Peru".
Sin embargo, la pregunta que nos hacemos muchos es ¿que estan esperando las autoridades de la patria que la vio nacer, para rendirle el homenaje que nuestra reina se merece?. No es ningun secreto la situción en la que se encuentra (medicamente hablando) nuestra gloria nacional en estos momentos y a su avanzada edad (muy aparte de la admirable atención y cuidados que le brinda su linda familia).
Siempre he creido que los reconocimientos se dan en vida, no perdamos mas tiempo, todos sabemos que nuestro presidente en bastante criollo, hasta la misma Jesus dice (en tono jocoso) que se metio un "tanganazo" (un trago)con nuestro primer mandatario y como si fuera poco hasta se cantaron un duo en momentos que quedaron grabados para la posteridad, cuando aun nuestra reina contaba con salud y podia regalar estos momentos felices a privilegiados como el señor Alan Garcia. No puede haberse olvidado tan pronto de ese criollo encuento con nuestra reina Jesus.
Escuche decir que en Lima hay una calle que han llamado John Lennon, yo admiro particularmente la musica de Lennon, pero preferiria el nombre de Jesus Vasquez en una de las calles de mi pais.
No olvidemos que nuestra reina esta aun con nosotros, que su familia tiene sus mas bellas grabaciones y reliquias de esa vida artistica que nos lleno de orgullo y nos dio glorias en el Peru y fuera de el. Una manera de ayudar es no comprando pirateria, ayudemos a su familia a poder cubrir las necesidades de nuestra reina, que hoy recibe cuidados medicos que cuestan. Demosle una mano a nuestra reina, ella HOY nos necesita.
No se esta pidiendo nada a nadie, eso tiene que nacerle a cada uno. Es por eso mi pregunta ...
¿Como podemos ayudar a nuestra reina ya que nuestro gobierno (una vez mas) no hace nada?
Gracias mis criollos amigos por su tiempo y ojala que algo podamos hacer. Queria tambien aclarar que nadie me ha pedido que haga esto, es solo una idea que me nace como peruano y que he querido compartir con todos ustedes.
Una vez mas, muchas gracias

Su criollo amigo
Victor Hurtado Riofrio

Solicito apoyo para proyecto " Paseo de las Estrellas"

2008-06-07T18:24:00.000-07:00

Permitanme presentarme. Para algunos de ustedes que no me conocen, Mi nombre es Pepe Arce y como muchos de ustedes, no solo amo al Peru, sino tambien deseo hacer algo que quede para la posteridad.
He tenido la suerte y el privilegio de haber sido el presidente de la Asociacion de Artistas en USA y haber logrado algunos sueños que hicimos realidad.
Pero hay algo que inclusive fue aprovado por la Asociacion de Actores en lima Peru y por el Congreso en la epoca del Presidente Fujimori y que por motivo que desconozco, hasta la fecha el Alcade de Lima, no ha querido prestarle la debida atencion, no se ha podido cristalizar el tan ansiasdo sueño de tener "El Paseo de las Estrellas" en Lima, Perú .
Muchos de nuestros grandes Artistas ya han partido para no volver y no es justo que ellos no hayan podido ver su estrella como lo dice Augusto Polo Campos.
Por lo cual solicito de ustedes el apoyo para lograr tan magna empresa que sera de orgullo para nuestros hijos y nietos y para nosotros mismos que todavia estamos de pie.
Gracias, que Dios los bendiga.

Pepe Arce

Margarita Cerdeña y "Las Criollitas"

2008-06-07T18:21:00.001-07:00

Margarita Cerdeña y "Las Criollitas"

La música criolla del Perú se encuentra de luto por el lamentable fallecimiento de Margarita Cerdeña, a la edad de 90 años. Nuestra recordada gran intérprete del cancionero criollo había sufrido una fractura de la cadera el 5 de febrero y por más que se le brindó la atención médica requerida, su estado de salud se complicó debido a su avanzada edad, falleciendo en la tarde del sábado 23 de febrero en la Clínica Ricardo Palma de Lima.

Margarita Cerdeña nació el 27 de noviembre de 1917 en el Callao y desde temprana edad sintió atracción por el canto. A pesar de que durante su niñez y juventud la ciudad de Lima estuvo saturada de música extranjera, ella se dedicó a cultivar la música peruana.

Del Callao pasó a vivir al Rímac y, cuando todavía se encontraba en el colegio, con su prima hermana Eloísa Angulo formaron el dúo "Las Criollitas" que debutó en público en 1934 en el Teatro Royal del Rímac. La calidad interpretativa de las muchachas fue tan aplaudida que al poco tiempo se encontraron cantando en Radio Lima y Radio Victoria.

"Las Criollitas" marcaron historia en la música criolla habiendo sobresalido en la década de los 40, la cual estaba llena de grandes intérpretes del género femenino como Jesús Vásquez, Esther Granados, Delia Vallejos, Alicia Lizárraga, Yolanda Vigil, Rosita Passano, Luisa y Juana Estrella, "Las Estrellitas", y muchas otras grandes voces femeninas que resaltaron nuestro cancionero popular.

Luego de haber cantado juntas por poco más de 20 años, el dúo "Las Criollitas" se disolvió debido a problemas con las cuerdas vocales que sufrió Margarita Cerdeña, lo cual la alejó del canto. Eloísa Angulo, luego de un tiempo, decidió incursionar como solista con un éxito arrollador.

Pasados algunos años de su alejamiento del canto, y mejorada ya de su salud, Margarita Cerdeña regresa al ambiente musical formando el dúo "Las Capitalinas" con Olga Ríos. Cantó también a dúo con otras intérpretes, lo mismo que como solista, hasta la década de los 70 en que decide retirarse de la actuación pública.

Su voz todavía podía ser apreciada en los discos de carbón de 78 RPM que grabaron "Las Criollitas" o en las reuniones familiares donde solía cantar, a pedido de todos los presentes. Con ocasión de cumplir 89 años y por coincidir la fecha con la de la celebración de la fundación de la Asociación Guadalupana, Margarita Cerdeña cantó a dúo con Lucha Ramos en el local de la Asociación Guadalupana deleitando a todos los presentes que aún recuerdan aquella memorable actuación.

Margarita Cerdeña tuvo cuatro hijos, dos hombres y dos mujeres, habiendo fallecido el mayor de ellos hace cuatro años. Según me informó por teléfono su hijo Dante Hojata Cerdeña, los restos de su señora madre serán velados desde la una de la tarde de este domingo 24 en la Iglesia Virgen de Fátima de Miraflores. El entierro de "La Criollita" será a las 3 de la tarde del día lunes 25 en el cementerio Campo Fe de Huachipa.

Margarita Cerdeña se encuentra ahora en el cielo donde se ha vuelto a reunir con su adorada prima Eloísa Angulo, quien nos dejó el 30 de octubre de 1991, para que juntas, cual dúo de voces celestiales, desde el cielo hagan vivir de nuevo a los amantes del criollismo peruano esos momentos de dicha y satisfacción que nos hicieron vivir como "Las Criollitas"...

http://www.youtube.com/watch?v=UjSwEGzLyaw

Dario MejiaMelbourne, Australiadariomejia999@yahoo.com.au

Chabuca Limeña

2008-06-07T18:20:00.002-07:00

Chabuca Limeña

En una encuesta anual sobre Lima realizada por la Universidad de Lima durante el último fin de semana de noviembre del 2007, el 36% de los encuestados cree que Chabuca Granda es el personaje ya fallecido que identifica más a la ciudad de Lima. Le sigue en orden Santa Rosa de Lima con 25%, Ricardo Palma con 15.5% y otros personajes en menor proporción.

El hecho de que el pueblo limeño identifique más a su ciudad con Chabuca Granda nos demuestra el inmenso cariño que le tiene la ciudad de Lima a Chabuca; cariño que fue recíproco ya que Chabuca, a pesar de no haber nacido en la ciudad capital, quiso a Lima como nadie y la ensalzó en sus composiciones.

Chabuca Granda nos dejó en cuerpo el 8 de marzo de 1983, pero su espíritu no se alejará jamás de nosotros ya que su obra nos la recuerda y la mantiene viva en el corazón de todos los que aman la música peruana. Tanto en el Perú como en el extranjero se han escrito muchas páginas alabando la obra de Chabuca Granda y muchas figuras mundiales del canto han interpretado sus composiciones.

Personalmente, la he recordado en muchas oportunidades no sólo porque admiro su obra sino que también pensando en ella fue que empecé a escribir sobre mi país y sus costumbres desde el extranjero. La figura de Chabuca me hizo dar cuenta que una manera de hacer sentir amor por la tierra es hablando de ella con el corazón, con versos que salgan del alma y que acaricien nuestros oídos como si fuese una hermosa melodía criolla.

Si muy Chabuca ya venía componiendo canciones por fines de la década de los 40, su consagración, tanto nacional como internacional, llegó al empezar la década de los 50 cuando compone el vals "La flor de la canela" que la terminó el 7 de enero de 1950.

Chabuca deseaba resucitar la belleza de Lima por lo que pensó en contarle al pueblo limeño el encanto, gracia y magia que tiene la ciudad de Lima, y no encontró mejor manera de hacerlo que a través de un vals donde volcó el inmenso amor que ella sentía por la Lima que estaba cambiando... "Déjame que te cuente limeño, / déjame que te diga la gloria / del ensueño que evoca la memoria / del viejo puente, del río y la alameda..."

"La Flor de la Canela" es también un homenaje a la belleza de la mujer limeña, representada por Victoria Angulo de Loyola en la inmortal composición de Chabuca Granda y a la que Chabuca, en un gesto de humildad que caracteriza a los grandes, calificó como la verdadera persona importante de su canción.

En los años siguientes Chabuca le daría vida a puentes, enaltecería la figura de chalanes y otros personajes, lo mismo que el arte negro, por intermedio de composiciones que atravesarían las fronteras del Perú adquiriendo fama internacional. También siguió cantándole a su Lima querida, a esa Lima que ella adoraba tanto, la cual también adoraba a Chabuca... el amor entre Chabuca y Lima fue una especie de idilio que duró toda su vida, trascendiendo aún después de su muerte, como nos lo demuestra la encuesta de la Universidad de Lima.

Cuando Chabuca falleció el 8 de marzo de 1983 en la ciudad de Miami, la triste noticia estremeció al pueblo peruano ya que Chabuca era una especie de leyenda viva de la música criolla. A nivel internacional también se sintió el fallecimiento de nuestra gran compositora ya que su popularidad era internacional. Fue en esos momentos de dolor, por la desaparición de una figura muy querida por los peruanos, que a los dos días del fatal desenlace el decimista barrioaltino Germán Súnico Bazán le dedicó un vals muy sentido que lo tituló "Chabuca". Dicho vals fue llevado al disco hace unos años por Rosa Negreiros, quien supo captar bien el sentimiento de dolor y pena que sentía nuestro decimista cuando compuso el vals aquel.

Según me informó Teresita Fuller, hija de Chabuca Granda, se han programado varios eventos a llevarse a cabo en los próximos días con la finalidad de conmemorar los 25 años de la partida física de Chabuca. Dichos eventos son:

Jueves 6 de marzo: Homenaje de la revista Caretas.

Sábado 8 de marzo: Homenaje en el Programa de Cecilia Barraza en el Canal 7.

Martes 11 de marzo a las 7 pm: Inauguración de la exposición del artista Jaime Domenack en la Galería Pancho Fierro, "Chabuca... déjame que te pinte". La exposición es presentada por la Municipalidad Metropolitana de Lima y durará del 11 al 30 de marzo.

Viernes 14 de marzo a las 8:30 pm: El Centro Cultural de España presentará "Chabuca... Siempre Viva" con la voz de Victoria Villalobos, la guitarra de Yuri Suárez y la percusión de Leonardo "Yiyo" Parodi. Leo Amaya figura como invitada especial, estando la Dirección y Producción a cargo de Elena Bustamante.

Sábado 15 de marzo a las 7:30 pm: Homenaje de la Municipalidad de Lima en el Teatro Segura. Producción de Elena Bustamante.

En la ciudad de Buenos Aires, Argentina, también se llevarán a cabo sendos homenajes a Chabuca Granda. El sábado 8 habrá una colocación de arreglo floral en la placa del "Paseo Chabuca Granda", seguido de una misa en la Basílica Nuestra Señora del Pilar, en La Recoleta. El jueves 13 habrá un homenaje central en el "Paseo Chabuca Granda" organizado por la Embajada del Perú.

Chabuca Granda se convirtió en una leyenda de la música criolla del Perú y forma parte de su historia, por ello el pueblo limeño, en su mayoría, se identifica con ella.

CHABUCA
(Vals Peruano)
Germán Súnico Bazán

Han silenciado sus trinos,las cuerdas de las guitarrasy los cajones criolloshan acallado su ritmo.De Nazarenas los cirioslloran su llanto de cera,tiñen de azul el ambientelos puchos de la bohemia.Violines inconsolablesgimen su pena muy tristes,no hay quien cante nuestros aires,¡Chabuca!, por qué partiste.La congoja, el sentimientoembarga todo el Perú,Barranco es un lamentodesde que nos faltas tú.Que contraste con el cielo,que en su azul infinito,ha bordado un senderitode estrellas que parpadean,y luceros que semejanvaritas de hadas de amor,que cual séquito cortejantu llegada ante el Señor.Él nos dará el consueloque en los balcones buscamos,en el Puente, en la Alameda,con los que juntos vibraste,donde en pedazos dejaste,todito tu corazón,y que con tu inspiración...Chabuca...perennizaste.

Dario MejiaMelbourne, Australiadariomejia999@yahoo.com.au

Lima hace sudar

2008-06-07T18:20:00.001-07:00

Lima hace sudar

Hace unas semanas, cuando el escritor, poeta y decimista José Luis Mejía me envió su artículo “Lima engorda”, me puse a sudar frío porque ya tenía comprado mi ticket para viajar a Lima, donde suelo subir entre tres a cuatro kilos cada vez que la visito. Es que en los últimos meses, debido a que estuve muy recargado de trabajo, no pude ejercitarme, como suelo practicarlo, por lo que subí tres kilos. Así que al leer la relación de lugares que mi tocayo de apellido recomendaba sobre donde comerse un seviche, un pollo a la brasa o deleitarse con un buen lomo… saltado por supuesto, se le abre el apetito a cualquiera y es difícil poder resistirse a la sabrosa tentación que ejerce sobre nosotros la comida peruana. Por ello nuestro excelente escritor tiene razón al decir que Lima engorda.

Es mi cuarto día en la Ciudad de los Reyes y desde que llegué a Lima no he parado de sudar un día. Al principio pensé que se debía a que soy muy caliente o caluroso, según como se diga, pero después me di cuenta que mis familiares y la gente de la calle con la cual conversaba también comentaban que sentían calor.

Según me informé, el verano ha empezado un poco tarde en Lima por lo que me encuentro en medio del mismo, y a pesar que en Lima solamente hemos tenido entre 26 y 27 grados centígrados de temperatura durante estos días, la humedad de Lima es la que ocasiona que se sienta más calor, haciéndolo sudar a uno.

El día de ayer, al empezar a leer el diario El Comercio empecé a sudar de miedo al enterarme que a un Monseñor se le ha ocurrido aumentar los pecados capitales, por lo que de siete que teníamos, ahora tenemos más. Según dicho Monseñor, contaminar el ambiente es considerado ahora un pecado capital. Me pregunto si en ello están considerados todos aquellos que suelen “regar” las calles de Lima, a vista y paciencia de todo el mundo, como si fuese algo natural. También me queda la duda si van a contar a los choferes de combi que contaminan el ambiente con la manera en que conducen y a los cobradores que hacen otro tanto con sus gritos que se escuchan desde 100 metros de distancia. Y si nos regimos por aquello de que el uso de cualquier aparato eléctrico o electrónico produce contaminación ambiental, pues creo que no quedará una persona en el mundo que se salve de ir al infierno ya que todos seremos pecadores en cierto grado.

El enriquecerse demasiado también es ahora considerado como pecado capital. Creo que Bill Gates, sin saberlo, ya se ganó un pasaje al infierno, aunque podría apelar ante la Corte Internacional de la Haya u otra corte que se atreva a enfrentarse al diablo, para que no lo envíen al infierno, sustentando que la ley no puede ser retroactiva, en perjuicio de las personas.

Yo me encuentro sudando al pensar lo caluroso que debe ser el infierno puesto que creo que ya me lo gané debido a que he venido a Lima a enriquecerme más culturalmente. Así que mejor sigo adelante con la tarea que me he trazado para estas seis semanas y hago oídos sordos ante la amenaza del Monseñor aquel…. total, un pecado más, o menos, no hará diferencia alguna.

Pero, si la intención de aumentar los pecados capitales fue el que vayan de acuerdo con los tiempos en los que vivimos, pues debieron incluir la piratería que viene azotando al mundo como una peste que destruye y acaba con nuestros compositores, escritores y empresas ligadas al mundo de la música y la publicación. La piratería si que es un verdadero pecado capital que debemos tratar de erradicar por completo para que nuestros escritores y compositores puedan tener una vida digna gozando de los frutos del esfuerzo que han hecho para entregarnos sus creaciones, que gozosos disfrutamos y alegran nuestras vidas.

Volviendo a Lima, una de las cosas que tiene nuestra ciudad querida, y que a mí me agrada, es que en Lima uno camina bastante. En el extranjero uno se olvida de caminar ya que se utiliza demasiado el automóvil para dirigirse a cualquier lugar por lo que siempre que regreso a Lima aprovecho en caminar al ir a las tiendas o visitar los diversos hermosos lugares que atraen a los turistas y a los limeños que saben apreciar su ciudad. Pero, el caminar mucho estos días me está haciendo sudar tanto que ya no necesito visitar ningún sauna.

Esta mañana, una hermosa limeña de piel canela si que me hizo sudar bastante. Un amigo de Melbourne, donde vivo, me encargó una cantidad de ropa para su familia que vive en provincia, así que acomodé la ropa dentro de una caja y me dirigí a la empresa de transportes que me había indicado mi amigo. Pero, la dirección estaba equivocada así que me encontraba con mi caja, desorientado, en medio de la calle cuando veo que por mi acera venía un señor caminando y por la acera del frente una hermosa limeña de piel canela derramaba lisura al ritmo de sus caderas. Crucé la pista hacia la otra acera y le pregunté a la beldad aquella sobre si conocía donde quedaba la empresa de transportes que buscaba. ¡Aquísito nomás queda!, me contestó, mientras me señalaba la dirección por donde se suponía quedaba la empresa de transportes aquella. Así que me dirigí por donde ella me dijo, que supuse debía ser un tramo muy corto, y luego de haber caminado como 12 cuadras, habiendo mojado ya mi pañuelo de tanto secarme el sudor, pude, por fin, encontrar la bendita empresa de transportes.

Como a mí siempre me gusta mirar el lado bueno de las cosas, pues lo bueno que tiene el que Lima me esté haciendo sudar es que pienso que a pesar de que me voy a deleitar comiendo deliciosa comida criolla durante las seis semanas que estaré en Lima, no voy a subir los tres o cuatro kilos que suelo subir cada vez que la visito.

Dario Mejia
Melbourne, Australia
dariomejia999@yahoo.com.au
(De visita en Lima)

El Omnibus de antaño

2008-06-07T18:19:00.001-07:00

El ómnibus de antaño

Llegar a Lima desde el otro lado del mundo, que es donde vivo, afecta al cuerpo los primeros días ya que la diferencia de horas entre Australia y Perú son 16 horas, por esta temporada, que se vuelven 15 horas a partir de fines de marzo hasta fines de octubre. Dicha diferencia hace que uno, los primeros días, no pueda dormir por las noches y durante el día esté con sueño, hasta que el cuerpo se acostumbre al cambio de horario.

Lo mismo sucede con el cambio de clima que uno experimenta ya que en la ciudad de Melbourne, Australia, el clima es más bien seco, comparado con la humedad de Lima. Es por ello que tienen que pasar unos días para que el cuerpo, de nuevo, se ambiente del todo a Lima.

Pero para alguien que nació, creció, jugó, estudió y conoció en Lima casi todos sus rincones, ambientarse de nuevo a sus costumbres no le toma mucho tiempo cuando regresa al terruño de visita; especialmente si lleva a la tierra en el alma y el corazón.

Una de las cosas que más me ha llamado la atención en estos pocos días que llevo en Lima es poder ver circular el ómnibus antiguo de la Línea 70 por la Av. Aviación, en San Borja.

Me encontraba por la Av. Canadá, en Santa Catalina, e iba a tomar un taxi para dirigirme a San Borja, cuando de pronto vi aquel ómnibus antiguo que tantas veces tomé cuando vivía en Lima. Corrí para alcanzarlo y me subí al mismo porque quise experimentar de nuevo la época cuando mi familia se mudó de los Barrios Altos a San Borja y tomaba la Línea 70 para regresar a mi antiguo barrio a visitar a los amigos de la infancia.

No sé si la Línea 70 sea la última línea de ómnibus antiguos que todavía exista, pero es la única que he visto hasta el momento ya que he podido ver otros ómnibus antiguos, como la Línea 33, pero esa línea, y otras, apareció como línea de micros durante la época militar.

Una línea de ómnibus que siempre recordaré es la Línea 50 ya que en ella me trasladaba a mi Alma Mater, la UNI, que fue donde hice mis estudios universitarios en Lima. También recuerdo la Línea 21, que de Breña pasaba por el centro de Lima y se dirigía al Rímac por la Av. Francisco Pizarro para voltear hacia la Av. Caquetá. Dicha línea era otra alternativa para ir a la UNI, aunque había que bajarse en Portada de Guía y de allí caminar como 500 metros hasta la UNI.

Paralelo al transporte de ómnibus, Lima tuvo al tranvía hasta la década de los 60. Pude ver y subirme al tranvía de muy pequeño, antes que desapareciera de Lima. Recuerdo que no tenía mucho de haber aprendido a caminar y, como ya paraba en la calle, como muchos de los barrioaltinos mataperros, me dirigía hacia donde estaban los rieles del tranvía, en el Jr. Junín, y colocaba mis chapas allí para que a la hora que pasara el tranvía las aplanara. Muchos de los muchachos de entonces solían hacer lo mismo, colocar sus chapas en los rieles del tranvía, ya que de esa forma las chapas se aplanaban mejor que hacerlo con piedra. Claro que cuando el tranvía fue sacado de circulación no nos quedó más remedio que recurrir a las piedras para aplanar las chapas con las que jugábamos.

Conversando con mi padre, que fue tranviario, él me contó que el tranvía fue sacado de circulación, más que todo, por motivación política. Luis Bedoya Reyes, cuando fue alcalde de Lima, hizo lo imposible por hacer desaparecer el tranvía, y lo logró.

Lo irónico es que el padre de Bedoya fue tranviario y, según mi padre, le tomó tanto cariño al tranvía que hasta vivió en una de sus casetas.

Al igual que los tiempos actuales, los políticos de antes engañaron a los tranviarios prometiéndoles trabajo a todos ellos, por el cierre del tranvía. Pero ese trabajo nunca llegó por lo que recuerdo que fueron tiempos difíciles tanto para mi familia como para las familias de todos aquellos tranviarios.

En la ciudad donde vivo actualmente, Melbourne, el tranvía no sólo es un medio de transporte sino un emblema de la ciudad y una atracción turística que beneficia a todos. Lo mismo sucede con el tranvía en las ciudades de Londres y San Francisco, pero en Lima se pensó más en el beneficio político y se eliminó algo que en estos momentos podría ser no sólo un medio de transporte sino una tradición y atracción turística de la ciudad de Lima.

Actualmente, las combis son el principal medio de transporte público en Lima. Con sus ventajas y desventajas, las llamadas “combis asesinas” son también una especie de “atracción” o “deporte de aventura” para el turista. Y aunque los limeños piensen que los choferes de combi son los más peligrosos del mundo, pues debo decirles que los taxistas asiáticos lo son aún más; especialmente los que manejan lo que en el Perú llaman “taxicholos” y abunda en el sureste del Asia.

Dario MejiaMelbourne, Australiadariomejia999@yahoo.com.au(De visita en Lima)

lo que un dia fue no sera

2008-06-07T18:18:00.001-07:00

Lo que un día fue, no será

Hoy se cumplen dos semanas de estar visitando Lima, luego de haber pasado casi tres años desde la última vez que estuve en nuestra tres veces coronada villa. El calor familiar ha sido el común denominador en estos días, aunque debo reconocer que el clima limeño me afectó tanto que hasta casi hizo que me regresara, mucho antes de lo programado, a Melbourne, Australia, donde vivo. Pero algo que aprendí de la vida fue que mantener la mente sana y ocupada es el mejor remedio para cualquier mal, por lo que leyendo a nuestro gran historiador Jorge Basadre no sólo me acordé de lo que me propuse investigar en Lima sino que se me vinieron varias ideas a la mente sobre otros puntos a investigar, mientras me encuentre en Lima, y tomar los males como una especie de penitencia de Semana Santa que ya se están yendo, al igual que la semana religiosa.

Ayer, durante una reunión con mis hermanos, les comentaba que algo que me ha llamado mucho la atención en Lima es la música que los taxistas suelen escuchar mientras trabajan. En los taxis que he tomado, ya sea por la mañana, tarde o noche, el conductor se encontraba escuchando música romántica y como yo soy un romántico empedernido he disfrutado, durante el viaje, de hermosas baladas del recuerdo.

Como me gusta conversar mucho sobre cualquier tema, entablaba conversación con los taxistas y les preguntaba a que se debía que estaban escuchando esas baladas del recuerdo. La respuesta general que encontré fue que los relajaba de la presión que ejercen las calles de Lima, lo cual es comprensible ya que las calles de Lima están cerradas por muchos sectores debido a trabajos de mantenimiento y/o reparación, lo cual incrementa el caos vehicular que, de por si, hay a diario.

El otro motivo por el cual les gusta más las baladas del recuerdo a los taxistas es porque la letra de las mismas tienen cierto sentido, lo cual escasea en muchas canciones actuales, haciéndoles también recordar, con nostalgia, algún amor de juventud que pudo o no ser.

Hace dos días, cuando regresaba a la casa de mis padres en un taxi, empezó a sonar en la radio aquella balada en la voz de José José que dice: “Lo que un día fue, no será”. Esa canción me remeció completamente poniéndome pensativo. Pero luego de algunos minutos, ya recuperado, empecé a decirle al taxista que la letra de esa canción de José José no sólo se aplica a un amor perdido sino que también a ciertas costumbres y tradiciones que solía tener nuestra Lima querida.

Lo que un día fue la Semana Santa en Lima ya no lo es, ni creo que lo será. Recuerdo que de niño, durante el Jueves y Viernes Santo, no comíamos carne ni escuchábamos ningún tipo de música. Si alguien prendía la radio se encontraba con que las estaciones se encontraban mudas o transmitiendo el sermón de las siete horas. A lo más se podía encontrar alguna emisora transmitiendo música clásica, pero no otro tipo de música. Todos respetaban esa costumbre religiosa que nos inculcaron nuestros padres y abuelos, siendo muchos los que hasta ayunaban esos días en señal de penitencia.

Otra costumbre religiosa era que no se podía jugar, no se trabajaba, no se lavaba ropa, ni se limpiaba la casa en Viernes Santo. Ese día los muchachos, por más traviesos que éramos, nos portábamos como angelitos… aunque sea ese día solamente.

Desde el final de la tarde del Jueves Santo y todo el Viernes Santo se podía ver al pueblo limeño volcado en las calles recorriendo las siete estaciones, o iglesias. Ello era una tradición practicada por todo el pueblo pero que hoy en día ha disminuido ya que si muy bien pude observar a mucha gente recorriendo las iglesias el Jueves Santo, en el centro de Lima, pues años antes las calles del centro de Lima estaban invadidas de tanta gente que uno tenía que caminar por la pista porque las veredas no se abastecían.

Antes de iniciarse los días feriados, en un canal de televisión pude escuchar que empezaba la “Semana tranca”, en alusión a los miles de personas que suelen irse de campamento por los días feriados, habiéndose convertido dichos paseos en días de juerga y borrachera incontrolable. Creo que la fe religiosa ni se menciona en dichos campamentos, a pesar que, se supone, los feriados son para meditar y reflexionar sobre nuestras vidas, recordando a la vez el sacrificio de Jesús en la cruz.

La última Semana Santa que pasé en Lima fue en 1990, ya que al año siguiente emigré a Australia y a pesar de haber regresado a Lima en muchas ocasiones, nunca lo hice en Semana Santa. Por ello es que me ha llamado también la atención de que a pesar de que el pueblo peruano es católico, el respeto que antes se tenía por la Semana Santa se ha ido perdiendo y algunas radios, en Viernes Santo, estaban transmitiendo la música que suelen transmitir diariamente, como si se tratara de un día cualquiera.

Si muy bien creo en Dios a mi manera y me considero una persona de mente abierta y moderna en pensamiento, pienso que hay costumbres y tradiciones que no se pueden perder y debemos tratar de conservarlas y respetarlas porque, en cierta forma, influyen en la formación de nuestros niños y del pueblo peruano como sociedad. De otro modo seguiremos cantando aquella canción que en su letra dice: “Lo que un día fue, no será”.

Dario MejiaMelbourne, Australiadariomejia999@yahoo.com.au(De visita en Lima)

El dia que vetaron " El Plebeyo"

2008-06-07T18:17:00.001-07:00

El día que vetaron "El Plebeyo"

En el pasado mes de abril, cuando me encontraba en Lima, pude ver en un canal de TV la última parte de la entrevista que le hacía el Dr. Marco Aurelio Denegri a Oscar Avilés, logrando escuchar lo que ambos conversaban sobre algunas canciones de Pinglo que, durante un tiempo, fueron prohibidas de que se pasen por las radios peruanas. Ello no sólo es desconocido por muchos sino que resulta inconcebible que al mejor compositor de música criolla que el Perú haya tenido hasta el momento se le vetara en las radios de su propio país, por lo que, pienso, es bueno que el pueblo esté consciente de ese atropello hacia nuestra música popular para que no vuelva a suceder otra afrenta similar con alguno de nuestros compositores.

El veto a Pinglo era un secreto a voces llenas que si muy bien no se dio a conocer públicamente, en su época, éste fue ordenado por el gobierno de entonces que desconocía, totalmente, no sólo la obra del bardo inmortal sino que también desconocía la obra de otra gran figura de nuestro criollismo, Pedro Espinel, quien sufrió también el veto aquel. Al menos el Maestro Pinglo ya había fallecido por lo que no sufrió la afrenta en vida, pero Espinel si estaba vivo y debe haberle dolido mucho que en su propio país se prohiba que sus canciones sean transmitidas por radio o se canten en público.

Corría el año de 1939 y las canciones de Felipe Pinglo se estaban popularizando cada vez más entre el pueblo peruano. Varias canciones de Pinglo, incluso, ya se habían interpretado en películas peruanas que se estrenaron un año antes. "El Plebeyo" se estaba convirtiendo en la canción preferida de muchos intérpretes y del público amante de la canción criolla.

El Perú estaba bajo la dictadura de Oscar R. Benavides quien no sólo perseguía a Haya de La Torre sino a todo lo que era o parezca aprista. Un día de aquel año de 1939 llegó a las radiodifusoras de Lima el mandato de "Orden, Paz y Trabajo" mediante el cual no sólo se atentaba contra compositores peruanos sino que también se pretendió acallar la voz de la canción criolla.

El músico Enrique Pozo Zegarra trabajaba en ese tiempo en la radio Goycochea y a sus manos llegó la circular de la dirección de radio donde se comunicaba a todas las emisoras de Lima que quedaba prohibida la transmisión de diez canciones criollas, bajo amenaza de fuerte multa a la radio y suspensión indefinida a cantantes de ambos sexos.

Según cuenta Pozo Zegarra en un artículo publicado en el diario "La Tribuna" de Piura, el 30 de abril de 1948, y, posteriormente, en un libro pequeño editado en Lima en 1984, "Agravio no reparado a la memoria del inmortal ¡Bardo!", entre las canciones prohibidas estaban: El Plebeyo, La oración del labriego, Mendicidad, El canillita, El huerto de mi amada, El tísico, Droga divina, El expósito y Fin de bohemio. Pozo Zegarra se acordaba del nombre de nueve canciones solamente, la décima canción era "Pobre obrerita" de Pinglo. También él se confunde llamando "Droga divina" a "Sueños de opio" de Pinglo.

Los compositores a quienes sus canciones vetaron fueron tres: Luis Molina (El tísico), Pedro Espinel (El expósito y Fin de bohemio) y Felipe Pinglo (El Plebeyo, La oración del labriego, Mendicidad, El canillita, El huerto de mi amada, Sueños de opio y Pobre obrerita).

Las canciones aquellas fueron sacadas, inmediatamente, de la programación de las radios de Lima. Por ese tiempo, Delia Vallejos, a pesar de su corta edad, ya era figura estelar de radio Goycochea. Delia Vallejos estaba todavía en el Colegio Maria Auxiliadora y se presentó en la radio Goycochea animada por sus compañeras de aula. "El Plebeyo" de Pinglo era su canción preferida y la que más gustaba a los oyentes... pero ese día negro para la canción criolla se borró de la programación su número preferido.

Javier Gonzáles no había conocido aún a quienes serían sus compañeros de música, triunfos, aventuras y mil experiencias con los cuales formaría Los Trovadores del Perú. Sin embargo, él ya era ídolo de la radio Goycochea y tenía en su interpretación de "El Plebeyo" a su mejor carta de presentación... pero también le sacaron dicha canción de la programación habitual.

Tanto Delia Vallejos como Javier Gonzáles protestaron por haberse eliminado su mejor número de la programación radial. Se les tuvo que mostrar la circular con la prohibición de diez canciones criollas para poderlos apaciguar.

Según se ha contado, el gobierno dictatorial de entonces pensaba que Víctor Raúl Haya de La Torre era el autor de "El Plebeyo" y las otras canciones que fueron prohibidas, de allí que las quisieron acallar. Poco tiempo después Benavides dejaría el poder y aquel mandato mediante el cual se pretendió silenciar a la canción criolla terminó en el tacho de basura.

Felipe Pinglo falleció el 13 de mayo de 1936 y su composición "El Plebeyo" se convertió en la mejor carta de presentación del bardo inmortal, llegando a traspasar las fronteras del Perú y llenándonos de orgullo a los amantes de la canción criolla. Pero también nos puso en alerta para no permitir que a otra persona se le ocurra atentar, otra vez, contra la canción popular.

Dario MejiaMelbourne, Australiadariomejia999@yahoo.com.au

Los Mataperros

2008-06-07T18:13:00.000-07:00

Los mataperros

Hace unos días, en una demostración de abuso, matonería y salvajismo, que ha merecido el repudio general de la población peruana, un congresista de la República del Perú asesinó a balazos a un indefenso perro de raza pequeña. Si muy bien, las leyes peruanas, y la inmunidad parlamentaria, lo salvan de recibir un castigo ejemplar, dicho acto de salvajismo debe alertar a la población para que sepa elegir a sus representantes porque hoy puede ser un perro pero mañana más tarde pueda ser que sea un ser humano el blanco de las balas de algún energúmeno que después camine libre por las calles como si nada hubiese pasado. De haber ocurrido ello en un país desarrollado, no sólo lo hubiesen expulsado del congreso sino que ya estaría purgando condena en la cárcel por crueldad hacia los animales.

Mal llamado "mataperro", todo junto, cuando debió señalársele como "mata perro", no creo que el congresista aquel haya sido un verdadero "mataperro", durante su niñez, adolescencia o juventud, ya que los mataperros no eran abusivos, habiendo llegado a formar parte de los personajes que identificaban a la Lima de hace muchos años.

El mataperro era el niño o adolescente callejero, ingenioso, pícaro, travieso, vivo y siempre listo para enfrascarse en una pelea, ya sea defendiendo algo justo o tan sólo para que no le tilden de cobarde; de otro modo se convertía en el blanco de las bromas de los muchachos del barrio o del colegio. Pero, abusivo, no lo era.

Si pudiésemos ver, como en una película, la vida de tantos profesionales u otros personajes de cuando eran niños, nos sorprenderíamos de ver como esa persona calmada, sensata y educada fue en un tiempo un dolor de cabeza, tanto para su familia como para su barrio o colegio, por lo mataperro que era.

Según el poeta José Gálvez, que también fue un mataperro, el mataperro de antaño no sólo estaba dispuesto a temerarias travesuras, sino también a verdaderas hazañas, habiendo sido mataperros los primeros imberbes que se alistaron en las filas de los patriotas, peleando en la guerra de la Independencia y en la del Pacífico. Es que el afán aventurero del mataperro, sumado al amor por la patria y a luchar por lo que consideraba justo, hizo que muchos de ellos dejaran su vida en el campo de batalla defendiendo el honor propio y el de la patria.

Dependiendo del barrio y el colegio, algunos eran más mataperros que otros. Recuerdo que cuando estaba en la primaria, por estudiar en un colegio religioso, era tranquilo dentro del colegio pero fuera del colegio era muy callejero y travieso. Las malas lenguas de mi antiguo barrio, y las buenas también, solían decir que yo era un mataperro... sus razones habrán tenido para decirlo.

La secundaria si que era un verdadero reto para los mataperros porque allí se encontraban con mataperros de otros barrios y si no había entendimiento o amistad, las peleas a la salida del colegio abundaban. Ello era una especie de espectáculo gratuito para los demás escolares ya que los protagonistas de la pelea acordaban un punto donde encontrarse a la salida del colegio y al llegar la hora indicada una cantidad grande de escolares marchaba hacia el lugar donde se iba a desarrollar la pelea y formando un círculo dibujaba el "ring" para los combatientes. Nadie lanzaba un golpe antes de llegar al lugar elegido para la pelea, y ello era una especie de pacto de caballeros.

¿Qué mataperro no se habrá hecho la vaca?... No entrar al colegio para irse a otro lado con los compañeros de clase lo ha experimentado tanto el mataperro como los que no lo eran. Recuerdo que en la secundaria, cuando un día los profesores programaron hacer huelga, todo mi salón de clase, incluido los más tranquilos, decidió "apoyar" la huelga así que no entramos al colegio y nos fuimos, todos, a las afueras del Estadio Nacional a jugar fulbito. Ese lugar paraba lleno de "vaqueros" y "vaqueras", aunque a las "vaqueras" les gustaba más ir a la playa así que, a veces, nos íbamos para allá en busca de aventura. Hacerse la vaca era una verdadera mataperrada así que el mataperro no podía dejar mal su nombre... es lo que uno pensaba por ese tiempo.

Mi carácter de mataperro hizo que me viera envuelto en muchas peleas durante la secundaria por lo que, al primer año, casi me expulsan por mala conducta. Felizmente, mi profesor de matemática habló en mi defensa porque deseaba que participe en un concurso de matemática representando a mi salón de clase, así que la matemática, que siempre ha estado y está de mi lado, me mantuvo en el colegio. Claro que tuve que mejorar mi conducta y en los siguientes años ya no tuve problemas de conducta en el colegio.

Los mataperros teníamos una manera característica de llamarnos para salir a mataperrear, y era a través del silbido. Cada barrio tenía un silbido que era usado por los mataperros para hacer notar su presencia y avisar a los demás que era hora de jugar, ir al cine o, simplemente, conversar con los amigos.

En mi antiguo barrio, el Tigre, nos llamábamos con un silbido que nuestros padres ya conocían porque cuando lo escuchaban, antes que uno haya puesto el pie en la puerta, ya nos advertían de que no lleguemos tarde a casa. Con ese silbido pasábamos la voz a los demás muchachos y no necesitábamos tocar sus puertas ni llamarlos por sus nombres o "chapas" porque todos reconocían el silbido aquel.

Mis hermanos también eran medio mataperros y como todo mataperro gustaban de hacer muchas bromas sacando a flote el ingenio y picardía de las cuales gozaban. En la quinta de los Barrios Altos donde nací, mis padres tenían un cuarto al fondo de la quinta donde dormíamos los cuatro hermanos hombres.

Desde que tuve uso de razón conocí a ese cuarto con el sobrenombre de "La Venganza". Nunca nadie pudo saber el origen de ese sobrenombre, pero "La Venganza" era lo más conocido y nombrado de mi antiguo barrio. Un cuarto exclusivo de cuatro muchachos llamaba la atención en mi antiguo barrio pobre, aparte que mis hermanos se encargaban de tejer y crear cuentos y leyendas en torno a nuestro cuarto que todo aquel que llegaba a poner un pie dentro de nuestro cuarto, pues se sentía como más importante o como si hubiese puesto un pie en la luna.

Las chicas de nuestro barrio escuchaban entusiasmadas las historias que mis hermanos contaban sobre "La Venganza", y mis amigos, junto a mis hermanas, se encargaban de realzar más esas historias despertando aún más el deseo y entusiasmo en las chicas por conocer la famosa Venganza. "La Venganza es dulce", al menos nuestro cuarto era el único tipo de venganza que si era dulce, es lo que mis hermanos siempre decían (yo soy el benjamín de la familia y por ello inocente de culpa o travesura).

En su afán de hacer más interesante su mataperreada, mis hermanos crearon una especie de requisitos que tenía que cumplir cualquier chica que deseaba conocer "La Venganza", siendo muchas las que se morían por cumplir los requisitos y poner un pie en el dichoso cuarto. Pero hasta donde yo sé, dentro de mi inocencia, ninguna chica (aparte de mis hermanas) puso un pie en ese cuarto mientras nosotros vivimos allí... es lo que mis hermanos le dijeron al confesor de la Iglesia San Pedro, aunque no sé por qué los retuvo rezando hasta la medianoche.

Muchas de nuestras glorias del criollismo fueron mataperros. Recuerdo haber leído que Oscar Avilés mencionó en una oportunidad que de niño fue un mataperro. Los de la Palizada también fueron grandes mataperros y muchas de sus mataperradas han quedado registradas en sendas crónicas criollas. El gran Nicomedes Santa Cruz, en una de sus décimas, dice: "(...) y por ser tan mataperro / a cocachos aprendí". Tal vez, si no hubiese sido por el espíritu mataperrero de muchos de ellos, nos hubiésemos perdido de muchas composiciones hermosas que hoy disfrutamos.

El pasar de los años tergiversó el concepto del mataperro y lo que hoy en día existe son palomillas faltosos, pandilleros y delincuentes juveniles que, lamentablemente, ocupan constantemente la portada de los diarios de Lima.

Con el pasar de los años, cuando rememoro mis épocas de mataperro, sonrío conmigo mismo porque quienes me conocen ahora dicen que soy demasiado tranquilo, pacífico y que tengo mucha paciencia. Simplemente, respondo que lo que pueda ser o conocer ahora se lo debo a que fui un mataperro que vio y vivió mucho durante su niñez y adolescencia por lo que, en la actualidad, no me desesperan las cosas ni el vivir algo que otros quisieran vivirlo. Pero, lo travieso no me lo ha quitado nadie, ni el tiempo... aunque mis travesuras son sanas y gustan, es lo que me han dicho.

Dario Mejia
Melbourne, Australia
dariomejia999@yahoo.com.au

CAJONEADOR O CAJONERO

2007-08-12T09:36:00.000-07:00

Cajoneador o Cajonero
Como un homenaje a Caitro Soto se ha organizado un Concurso Nacional de Cajón Peruano a llevarse a cabo en varias fechas durante el mes de Julio, cuya final es el 19 de Julio, día en que se recuerda un aniversario más de la sensible desaparición de Caitro Soto ocurrida el 19 de Julio de 2004. Santiago Venturo Ferré escribió algo al respecto, en homenaje a Caitro y el cajón, donde dice lo siguiente: 'Al que toca piano se le dice "pianista", al que toca guitarra... "guitarrista", el "violinista" toca el violín la trompeta el "trompetista" y el cajón el "cajonista". (...) El concepto hecho palabra en cada cual, se extiende con el sufijo ista, es por tal motivo en que insisto de que la verdadera denominación del instrumentista que toca el Cajón es Cajonista'... es la opinión de Santiago Venturo Ferré.

Pero Santiago Venturo Ferré se olvidó de que al que toca el timbal se le llama "timbalero", al que toca el bongo se le dice "bongocero", igualmente existe el maraquero y otros instrumentistas que no llevan el "ista".

Todo ello trae a mi mente que hace dos años alguien lanzó una inquietud en un grupo cultural peruano sobre la palabra "cajoneador". Inquietud que provino después de que yo la utilicé al escribir "El Cajón y el Vals Peruano". La persona aquella se preguntaba, con justa razón, porque se le llamaba "cajoneador" al que toca el cajón si la denominación debería ser "cajonista", si es que seguimos la regla de llamar guitarrista al que toca la guitarra, baterista, flautista, pianista, violinista, etc, a los que tocan los respectivos instrumentos musicales. Considero importante el que si alguien no está de acuerdo con algo o tiene alguna duda, debe expresar su punto de vista o comentario al respecto porque, aunque parezca mentira, del intercambio de pareceres uno aprende más, motivándonos también a investigar un poco más y/o traer a nuestra mente algo que podamos saber pero que estaba dormido debido a que nadie nos lo preguntaba. Por ejemplo, en una oportunidad alguien me preguntó sobre el uso del artículo "los" antes del nombre "Barrios Altos". Una pregunta sencilla que tenía, más que todo, inquietud gramatical, hizo que me acordara lo que había leído sobre la historia de Lima y sus calles; aclarando la inquietud aquella y explicando, a la vez, el origen del nombre Barrios Altos o Los Barrios Altos que muchos desconocían y que yo lo sabía pero que lo tenía durmiendo en mi mente hasta que alguien tuvo una duda gramatical. En muchas reglas aparecen excepciones. La de la palabra "cajoneador" es una de ellas. Estas excepciones son aceptadas, a veces, debido al uso o costumbre de quienes hacen uso de la palabra en cuestión. Al ser el cajón un instrumento musical de origen peruano, entonces se acepta el uso o costumbre que se da en Perú para nombrar a la persona que toca el cajón. Eudocio Carrera Vergara en su libro "La Lima Criolla de 1900", edición corregida y aumentada, Lima 1954, utiliza la denominación "cajonero". En "Historia de la Canción Criolla" de Aurelio Collantes, Lima 1956, se utiliza las denominaciones "cajoneador" y "cajonero". César Santa Cruz Gamarra en su libro "El Waltz y el Valse Criollo", Lima 1977, utiliza la palabra "cajoneador". Aquellas referencias, de personas que vivieron las jaranas de la primera mitad del siglo XX, nos dan a conocer que desde hace muchos años se viene utilizando, indistintamente, las denominaciones "cajoneador" y "cajonero" para referirse a quien toca el cajón y, vuelvo a recalcar, por ser el cajón de origen peruano, se acepta el uso o costumbre que se haya adoptado en Perú. Esto queda demostrado en la explicación que le dio la Real Academia Española (RAE) a quien le hizo llegar la consulta respectiva sobre cual era la denominación correcta del instrumentista que toca el cajón: "En los diccionarios de español general y en los diccionarios de términos musicales que se encuentran a nuestra disposición, no figura ningún término para designar al instrumentista que toca el cajón. No obstante, en textos de temática musical se documentan las voces cajonista -preferentemente para referirse, en España, al que toca el cajón flamenco- y cajoneador -usada en Perú para referirse al que toca el cajón en la música folclórica peruana-. En ambos casos, se trata de acuñaciones correctas, fieles a las reglas de formación de palabras del español". Los españoles son los que, en los últimos 25 años, han introducido la denominación "cajonista" como una manera más de tratar de identificar al cajón como de ellos. A mí no se me ocurriría llamarlo de esa manera puesto que el cajón es peruano y al que lo toca se le ha venido llamando "cajoneador" o "cajonero". La RAE creo que cae en el juego de los que pretenden identificar al cajón como de origen español, ya que al llamarlo cajón flamenco lo está identificando como del flamenco, cuando en realidad el cajón es peruano y punto.

Hace un año le comenté sobre esto a Rafael Santa Cruz, autor del libro "El Cajón Afroperuano", y él me dijo lo siguiente: "Recién a fines de los años setenta escuché alguna vez lo de 'cajonista', antes siempre se dijo cajonero y cajoneador. Fue un intento de los exponentes de lo que se podría llamar la 'nueva canción peruana'. Movimiento que en los setentas empezó a darle otro tratamiento a la música peruana, en textos, armonías e incluso melodías, que tomaban de lo popular y folklórico para expresarse de forma más contemporánea (por decirlo a mi manera). O sea que tampoco en esto son 'pioneros' los españoles con respecto al tema del cajón." La reconocida musicóloga, compositora e investigadora de nuestro folklore, Chalena Vásquez, también ha empleado la denominación "cajoneador" en un artículo de ella sobre el cajón. Según lo que he podido observar, tanto "cajoneador" como "cajonero" han sido utilizados indistintamente de la época. No es similar al caso del valse o vals en el cual los criollos antiguos eran quienes solían llamarlo valse. En el Perú debemos seguir utilizando la denominación que siempre le hemos dado a quien toca el cajón, ya sea "cajoneador" o "cajonero" porque ambos son de origen peruano, al igual que el cajón.
Dario Mejia
Melbourne, Australia
dariomejia999@yahoo.com.au

AL CESAR LO QUE ES DEL CESAR

2007-08-12T09:25:00.000-07:00

Sr. Julio Olivera, encontre en su pagina web y la pagina que cito

LAS CALLECITAS DE LIMA ANTIGUA
“CIUDAD DE LOS REYES DEL PERU’
Por Julio R. Olivera Oré y Homero P.Pelaez Oré.
Presidente del Centro Cultura; Adalberto Oré Lara,

en el cual han hecho una copia fiel de los escritos del Sr. Dario Mejia, pero veo que omitieron poner el nombre del escritor del mismo.
Los articulos del Sr. Dario Mejia, estan expuestos en diferentes webs de la Internet, ya que el mencionado maestro en forma desinteresada, busca enseñar y difundir nuestras costumbres y tradiciones para el conocimiento de las nuevas generaciones. Usted ha hecho copia fiel de los articulos

- La Lima de mis Amores
- Los Pregones de Lima
- Curiosidades Limeñas
- Las Chapas en el Perú
- Las Musas de los Valses
- Jorge Bravo de Rueda
- El canto de amor al barrio

Los mismos que en muchos casos son anecdotas vividas por el Sr. Mejia.
Por este motivo creo que Usted deberia hacer una nota aclaratoria en su web, y poner los honores a quien en realidad se lo merece, la autoria es del Sr. Dario Mejia.
Esperando aclare este error, quedo de usted a sus ordenes en

http://www.criollosperuanos.com

Marycaty

AJISECOS Y CARAMELOS

2007-08-12T09:24:00.001-07:00

Ajisecos y Carmelos

Hace unos días me llamó la atención el reclamo, en defensa de los animales, que hacían varias personas en un grupo cultural por el anuncio de una pelea de gallos en un pueblo del Perú y la representación del Yawar Fiesta en la Plaza de Acho. Lo curioso es que mientras en Perú se hacían estas actividades de sangre, con la venia de las autoridades, en Australia, donde vivo, salía al mismo tiempo la noticia de que en un suburbio de la zona oeste de la ciudad de Sydney habían arrestado a un hombre a quien le encontraron que en la granja de su casa tenía 170 gallos de pelea, estando 7 de ellos gravemente heridos. Lo más probable es que la corte haya determinado una pena de prisión para la persona aquella por crueldad hacia los animales y otros cargos más ya que la pelea de gallos está prohibida en Australia.

En los últimos tiempos, muchas personas han tomado conciencia de la protección que también se merecen los animales, con la finalidad de que no se les utilice como medio de diversión sangrienta y violenta. La mayor parte de los países desarrollados tiene leyes que protegen a los animales de ser tratados o utilizados en forma cruel, pero ello no significa que, en otras épocas, en esos países no se haya abusado de los animales ya que la violencia o ritos sangrientos con animales ha existido en casi todas las culturas a través del tiempo, habiéndose convertido en una costumbre de algunos pueblos que resulta difícil erradicar.

Hablar de gallos me hace recordar que de niño, con mis hermanos, teníamos una mascota en casa que era un pollito que después se convirtió en gallo. El mayor de mis hermanos, que fue quien le puso "chapa" a muchos en mi antiguo barrio, bautizó a nuestra mascota con el nombre de Raphael, en honor al gran cantante, aunque no sé si al cantante le hubiese gustado saber que le pusieron su nombre a un gallo. Todos los hermanos queríamos mucho a nuestro Raphael, pero el problema empezó cuando comenzó a hacer honor a su nombre de cantante, poniéndose a cantar de madrugada. Mi padre se amargaba porque el gallo no le dejaba dormir con su canto, así que decidió regalárselo a su hermana quien junto a mi tío, su esposo, tenían un gallinero en la azotea de su casa en el Rímac.

Los domingos ibamos a pasar el día donde mis tíos y lo primero que hacíamos con mis hermanos era ir a la azotea a visitar a Raphael. Un día, en que llegamos a pasar el día donde mis tíos, nos enteramos que mi tío había matado a Raphael porque peleaba mucho con otro gallo que había en el gallinero. Mis hermanos y yo estábamos tristes, pero lo peor llegó a la hora del almuerzo, cuando ya estábamos sentados en la mesa, mi tío nos dice que ibamos a almorzar a Raphael. Ninguno de mis hermanos quiso comer, así que mi tío se sacó la correa y nos amenazó de que si no comíamos nos iba a agarrar a correazos. Preferimos recibir unos cuantos correazos a tener que comer a quien había sido nuestra mascota de niños.

Volviendo a las peleas de gallos, la tradición, en general, es hermosa e identifica a un pueblo, por lo que se debe preservar la tradición. Pero, los tiempos cambian y con el avance en los medios de comunicación las personas se encuentran mejor informadas, habiéndose vuelto más responsables y humanizado ante su prójimo y los animales, dándose cuenta que, lamentablemente, hay tradiciones que son sangrientas y ello debe hacernos meditar al respecto.

Es indudable que la pelea de gallos está asentada en el Perú desde hace muchísimos años, siendo algo tradicional en algunos pueblos. Lima alberga una cantidad enorme de coliseos de gallos. En el interior del Perú también hay muchos de estos coliseos, lo que significa que hay un público para estas actividades y a ello se debe que ninguna autoridad se atreve a ponerle un coto a la pelea de gallos, porque hacerlo les quitaría votos.

La pelea de gallos existe en el Perú desde tiempos de la colonia. En sus inicios, por estar Lima rodeada de chacras y huertas, no había necesidad de contar con un local especial para realizar las peleas de gallos ya que se llevaban a cabo en cualquier chacra o huerta. José Gálvez señala que el primer coliseo de gallos que tuvo Lima estuvo ubicado en la Plazuela de Santa Catalina, habiendo sido construido por el catalán Juan de Garrial en 1762. Dicho coliseo tenía hasta viviendas en su interior.

Como las peleas de gallos tuvieron éxito, cuenta Gálvez, en 1790 se construyó un coliseo más grande en un solar de la calle del Mármol de Carvajal (actual segunda cuadra de la Avenida de la Emancipación). Dicha calle se llamaba Mármol de Carvajal porque en un solar de una de las esquinas de esa calle vivió Francisco de Carvajal, Maestre de Campo de Gonzalo Pizarro, a quien se le conocía más como el "Demonio de los Andes". Después de ser decapitado, junto con Gonzalo Pizarro, las autoridades decretaron que el solar que pertenecía a Carvajal sea derribado y sembrado de sal, colocándose en el lugar una lápida de mármol denigrándolo. A ello se debe que la calle se llamaba Mármol de Carvajal y dicha lápida de mármol permaneció en aquel lugar hasta el año de 1821.

El nuevo coliseo de gallos dio origen a que la calle del Mármol de Carvajal comenzara a ser llamada como calle de Gallos y así se le conocía durante el siglo XIX. Pero en dicho coliseo no sólo hubo pelea de gallos sino que también se organizaban allí otros espectáculos, como lo señala el periódico El Comercio en su edición del 6 de abril de 1841, donde relata sobre la actuación que tuvo allí un perro erudito, educado en París, quien jugaba a la baraja y el dominó, ponía su nombre, señalaba las horas, sumaba, restaba, multiplicaba y dividía. También, en la edición del 5 de setiembre de 1845, de El Comercio, se cuenta sobre la representación de la obra "Otelo" realizada en dicho coliseo de gallos por el famoso actor argentino Casacuberta y la actriz Emilia Hernández.

Carlos Prince señala que durante el siglo XIX la lidia de gallos en el coliseo de gallos, de la calle de Gallos, se anunciaba de manera ceremonial. Uno de los gallos era sacado en una jaula de lata que llevaba sobre la cabeza uno de la comitiva. Delante de la jaula iba un negro tocando la chirimia mientras que otra persona tocaba el tambor. El paso de la comitiva aquella era precedido por cohetes. De esta manera se llamaba la atención del público y se anunciaba que iba a realizarse una pelea de gallos.

Como en todo juego de apuesta, añade Prince, en la pelea de gallos abundaban las trampas, engaños y especulaciones, ya sea en la ligazón de la navaja, que la hacían floja; en la manera como se tomaba al gallo para echarlo al circo, estrujándole las entrañas o en las decisiones del juez, por tener interés en la pelea.

Con el crecimiento de Lima, el coliseo de la calle de gallos desapareció por estar ubicado muy al centro de la ciudad. El coliseo de gallos que adquirió fama en Lima durante el siglo XX fue el Coliseo de Gallos Sandia, que empezó a funcionar en 1918. Con el correr de los años, y al crecer la afición por la pelea de gallos, o crecer la afición por las apuestas, Lima se fue llenando de coliseos de gallos por varias zonas, al igual que el interior del país.

La literatura peruana se ha ocupado de las peleas de gallos. Una tradición admirable de Ricardo Palma, "El Conde de la Topada", cuenta una anécdota graciosa sobre una pelea de gallos que se llevó a cabo en la Plazuela de Cocharcas, de los Barrios Altos, el 8 de setiembre de 1819. El poeta Percy Gibson escribió unos versos hermosos en su poema "El Gallo". Al respecto, Luis Alberto Sánchez dijo: "Gibson no logró sobresalir por su tono rural, sino por el clamor bélico de 'El Gallo', composición muy celebrada".

Abraham Valdelomar dedicó su estupendo cuento "El Caballero Carmelo" a un gallo de pelea. Si muy bien Valdelomar describe en su cuento la pelea a la que fue sometido el gallo Carmelo, el mensaje que nuestro escritor trató de hacernos llegar fue más bien el del afecto y cariño que un gallo despertó en los miembros de una familia; los cuales se oponían a que se le haga pelear a muerte, con excepción del jefe de la familia aquella que por orgullo sacrificó al gallo de la familia. Valdelomar se adelantó a la época en que vivía ya que cuando escribe "El Caballero Carmelo", en la segunda década del siglo XX, la sociedad peruana de esos tiempos todavía no asimilaba bien el afecto y cariño que se merecen los animales, y que nuestro literato nos lo transmite con su hermoso cuento. Tal vez algún día la sociedad peruana, en general, se llegue a humanizar con los animales de la manera como Valdelomar nos hizo soñar con "El Caballero Carmelo" y que otras sociedades ya lo han asimilado.

Dario Mejia
Melbourne, Australia
dariomejia999@yahoo.com.au

NO RESPONDER A LAS BLASFEMIAS

2007-08-12T09:23:00.001-07:00

. No responder a las blasfemias
Cuando somos insultados, provocados o acusados injustamente debemos responder con el silencio. Si respondemos de la misma forma cuando somos víctimas de la blasfemia, nos igualamos con aquellos que nos insultan, rebajando nuestro nivel. Si nos mantenemos en silencio usándolo como arma contra las blasfemias, evocando la conciencia de quien las pronunció, esta fuerza es, naturalmente, mayor.
2. Mantenerse calmo frente a los infortunios
Cuando nos encontramos con personas que nos quieren incomodar derrumbar u oprimir, debemos enfrentarlas con calma, evitando cualquier confrontación. No responder con un puñetazo cuando se recibe uno, ni responder con un puntapié cuando se recibe otro, pues de esta confrontación nadie sale vencedor. Si la intención es buscar venganza de un odio momentáneo, no alcanzará el éxito de grandes hazañas.
3. Compasión frente a la envidia y el odio
Frente a la envidia y el odio de otros no debemos responder igualmente con odio y envidia, sino con corazón abierto y alma compasiva, ofrecer nuestra amistad y mostrarles nuestra intención pacífica.
4. Gratitud frente a las difamaciones
Si alguien lo insulta y difama, no se enoje con quien lo provocó, sino acuérdese de los beneficios que esa persona le proporcionó en el pasado y sea agradecido por eso. Principalmente, no se olvide de que en el fango más inmundo crece la impecable flor de loto. Cuanto más oscuro es el lugar, mayor es la necesidad de mantener encendida la luz del alma. Por lo tanto, ante las difamaciones, aquellos que nos difaman deben ser influenciados con ética, compasión y misericordia.
El verdadero vencedor tiene la fuerza de la tolerancia y el coraje de asumirla frente a los insultos, opresiones

LOS REMEDIOS CASEROS

2007-08-12T09:20:00.000-07:00

Los remedios caseros

Según la Encuesta Nacional de Hogares sobre condiciones de vida en el Perú, que es llevada a cabo por el Instituto Nacional de Estadística e Informática (INEI) a nivel nacional y en forma continua desde mayo del 2003, en dicho mes de Mayo del 2003, el 65.1% de la población que no acudió a un centro de salud al presentar síntomas de enfermedad o accidente, fue debido a que no lo consideraron necesario o hicieron uso de remedios caseros. En mayo del 2004, dicho porcentaje se incrementó a 68.4% y en el mes de marzo del 2007 registró 63.2%, como figura en el último boletín disponible de dicha encuesta, en la página web del INEI.

Aquellos índices nos demuestran que, actualmente, un gran sector de la población peruana recurre a los remedios caseros cuando se encuentran enfermos. Pero los peruanos hacían uso de los remedios caseros, con mayor frecuencia, en tiempos antiguos, cuando el pueblo no estaba muy informado sobre la conveniencia y seguridad, para la salud, que representa el asistir a un centro de salud cuando la enfermedad toca nuestras puertas.

Los remedios caseros son una especie de tradición que hemos heredado, mayormente, de la abuela. Cuando alguien estaba delicado de salud en la familia, la abuela era la que recetaba lo que iba a sanar al enfermo, y por esa suerte, del destino muchas veces, solía acertar con lo que recetaba. Por ello siempre se escuchaba decir que "la receta de la abuela" lo sanó a uno.

En muchos pueblos del interior del Perú, cuando la receta de la abuela no da resultados, la gente suele acudir a los curanderos o brujos antes que ver a un médico titulado. Es que las creencias que existen en esos pueblos están tan arraigadas que los médicos, por más estudios que tengan, no logran convencer a los pobladores que ellos están verdaderamente capacitados para tratar las enfermedades.

Pero la manera como los curanderos curan de algunas enfermedades si que llama la atención. Según cuenta Alejandro Vivanco, las prácticas de odontología tradicional de algunas partes del sur del Perú son un poco curiosas: "Antes de que salga el sol, caminar descalzo contra la corriente de un río. En caso de gravedad, morder un diente de muerto con la muela enferma".

El método que se utiliza para curar el susto también varía en los pueblos. En Huanta, por ejemplo, señala Vivanco, cuando un niño tiene susto por una caída, la madre del niño agarra un gato o un perro y lo tumba varias veces en el lugar donde se cayó el niño. Como por arte de magia, el niño se sana pero el mal pasa al gato o perro que se utilizó. Debe haber mucho gato y perro asustado en la localidad de Huanta.

Desde tiempos de la colonia, la ciudad de Lima también ha tenido sus curanderos, los cuales gozaban de prestigio muy bien ganado ya que solían ser acertados con lo que recetaban. En la actual cuadra ocho del Jr. Antonio Miró Quesada vivía, antiguamente, un curandero apodado "Ño Siete Jeringas", quien debió gozar de mucha popularidad ya que su apodo fue el que le dio el nombre a dicha cuadra la cual se llamaba calle de Siete Jeringas.

Por mediados del siglo XIX, la ciudad de Lima tuvo una curandera muy famosa, Julia Retamoso, a quien la apodaron como la "Doctora del Cercado". Dicha curandera se especializaba en enfermedades mentales y nerviosas creyéndose una eminencia en la materia que hasta llegó a publicar un artículo en El Comercio, edición del 8 de noviembre de 1864, en el cual expuso como curaba ella de la alienación mental y la epilepsia.

Recuerdo que en mi antiguo barrio había una especie de curandero moderno a quien llamábamos "El doctorcito". El personaje aquel era muy solicitado ya que solía acertar con sus diagnósticos y recetas siendo el "médico" de la familia. Nunca supimos si realmente había estudiado algunos cursos de medicina o si era enfermero, pero, definitivamente, no era médico. Era una persona tranquila y callada, pero le gustaba el trago. Un día, cuando ya vivía en Australia, me enteré que el doctorcito había muerto en un accidente en la Av. Abancay quedándose mi antiguo barrio sin el personaje que curó a muchos por varios años.

Hace unos días en que me agarró una gripe fuerte, que hasta ahora no se me pasa del todo, lo primero que hice fue ir a ver un médico quien me recetó antibióticos para la garganta que me dolía mucho. Siguiendo las indicaciones del médico, me quedé descansando en cama, así que dos días no fui a trabajar. Pero como yo no puedo estar tranquilo, menos en la cama, me puse a escribir sobre diferentes temas que hasta un amigo me sugirió que me enferme más seguido. Otras amistades, preocupándose por mi estado de salud, me hicieron llegar las recetas de algunos remedios caseros para que me sane de la gripe y la garganta.

Una amiga me hizo llegar una receta, se supone de su abuela, a base de ajo, para que me alivie la garganta. Seguí la receta aquella y, efectivamente, me mejoró de la garganta. Pero, cuando me fui a trabajar y subí al tren, el olor del ajo hizo que la gente que estaba en aquel vagón del tren se bajara apurada en la siguiente estación.

Como estaba con la nariz muy congestionada por los efectos de la gripe, otra amiga me recomendó unos baños de vapor de Mentholatum. Así que en una batea con agua hirviendo eché Mentholatum, como me lo recomendaron, y cubriendo mi cabeza con una toalla puse mi rostro cerca de la batea para que el vapor con Mentholatum penetrara por mi nariz. Sentí que mi nariz se descongestionaba, por lo cual me vinieron bellos pensamientos hacia mi amiga por la efectividad de su receta; pero mi amiga no me dijo cuanto tiempo debía hacerme ese baño de vapor, así que al final terminé con la cara toda roja con síntomas de quemaduras.

Lo más interesante fue el remedio casero que desde Puente Piedra me hizo llegar un gran conocedor de nuestras costumbres y tradiciones. El amigo aquel me dijo que para curar la gripe lo mejor era un buen Pisco con su limón o el caliche serrano: un mate de hierbaluisa y canela con sus buenos tragos de aguardiente de caña.

Cuando iba a empezar a poner en práctica aquella excelente receta casera para combatir la gripe, se me vino a la memoria de que cuando era niño y me enfermaba, se me iba el apetito. Pero como dicen que enfermo que come no muere, mi madre se las ingeniaba para hacerme comer, así que acercando una cucharada de sopa a mi boca me decía que tome esa cucharada por la abuelita. Luego me daba otra cucharada de sopa y me pedía que la tome por el abuelito. Así por el estilo, tomaba una cucharada de sopa por cada miembro de mi familia, que es numerosa, y sin darme cuenta me terminaba la sopa.

Con un par de botellas de Pisco en la mano, empecé a tomar una copa, primero, por mi mamá, luego otra copita por mi papá y otras más por cada uno de mis hermanos. Me acordé de un lejano y pasado amor y también me tomé una copita por ella. También tomé por cada uno de mis amigos y ya no recuerdo por quien más tomé. No me sané de la gripe... pero... les puedo asegurar que la borrachera que me di fue de Padre y Señor mío.

Dario Mejia
Melbourne, Australia
dariomejia999@yahoo.com.au

LA MUSICA CRIOLLA NO HA MUERTO

2007-08-12T09:19:00.001-07:00

¡ La Música Criolla no ha muerto !

¡ Vive en cada uno de nosostros, quienes la cultivamos y la llevamos adelante día a día para que las nuevas generaciones la conozcan ! Yo no me considero ningun privilegiado, ni famosos, ni elegido por nadie, para poder calificar las acciones o proyectos del señor Jaime Cuadra, a quien no conozco y a quien no he escuchado de su producción musical, pero es cierto que si él se considera "rockero", pues adelante, que siga con sus proyectos dentro del rock peruano o internacional que más le guste, o como a mejor le guste llamarlo el tipo de música que sabe hacer.

Yo no puedo entender con meridiana claridad, cómo una artista peruana de la talla internacional de Doña Eva Ayllón, supuestamente reconocida como la mejor representante internacional de la música criolla peruana, se está prestando a cambiar el "estilo del vals peruano" y convertirlo en "ROCK - VALS" o como lo quieran mejor llamar...

Indudablemente, no estoy criticando a Doña Eva Ayllón, no me considero capaz de ensuciar su carrera profesional, personalmente, la respeto y la admiro, aunque no haya tenido el gusto de conocerla personalmente ni tratarla, pero desde el fondo de mi corazón criollo, la valoro como artista en todo el sentido de la palabra, espero con mucha ilusión, que esto de "mezclar los ritmos" como lo hacen los músicos mexicanos, que inventan cada cosa nueva del gusto de ellos... no llegue a la música criolla peruana, porque sería una tristeza que no puedan encontrar nuevas canciones, en otros compositores para poder "des-inmortalizar" temas como "el plebeyo" en otro ritmo que no se sabe si vaya a gustar, o halla sido concebido tan versatilmente por su autor... de pronto mi reacción pueda ser entendida como "hepática", pero creo que: "...todos merecen el respeto de ser como son..."... y... "cantar como quieran cantar...", ..." en el ritmo que les guste cantar...", siempre y cuando el autor de la letra y la música se lo otorgue libre y voluntariamente,... pero creo que nadie tiene el derecho de destruir la "obra del bardo inmortal - Felipe Pinglo", por mucha "fusión" que haya llegado a la música contemporánea moderna... y muchos músicos quieran innovarse y modernizarse....

Sólo falta intentar cantar "Todos Vuelven" en ritmo de "reggaeton" para que los niños y jóvenes de hoy, "puedan conocer la letra de una canción"..., pero tambien a la vez sería negar el espíritu nétamente criollo de Don César Miró, cuando él con todo su corazón y sentimiento plasmó las letras de este lindo vals, que se valora y se aprecia en la extensión de la palabra, más en el extranjero, que en nuestra propia patria que nos vió nacer.... él que nunca salió de Lima y de las fronteras peruanas, no sabe lo que es sentir y escuchar cantar el vals "todos vuelven" en otra parte del mundo... la emoción que se vive, el anhelo de patria que se añora, el recuerdo de todos los amigos y familiares, los que quedaron atras, y muchas confusas sensaciones que se generan hasta lograr arrancar las lágrimas desde lo más profundo del corazón....

NO sé cual sería la opinión de mi amigo y maestro Rolando Gómez "El Chama", (quien partiera al descando eterno el 15 de julio del 2006), que luego de llevar a la fama internacional el vals de Chabuca Granda "La Flor de la Canela", ahora alguien con con una falsa "creatividad", desconocimiento total o parcial, "poco respeto" por la historia y la tradición de muchos criollos que lucharon por derrotar las tendencias musicales extranjerizantes del momento (y yo me incluyo entre los criollos) pueda ver que alguien desconocido, destruye inexorablemente la obra que a él y a su "Trio Los Chamas" famoso (por más de 30 Long plays grabados de los verdaderos autores de la historia criolla peruana), les costó llevarlo en los 50's - 60's por America, Europa y Asia....

¿Falta de identidad criolla?.. por qué no se les ocurre por ejemplo llevar cualquiera de los tangos argentinos del inmortal Gardel y los hacen "fusion", seguramente los argentinos no lo permitirian, porque son casi himnos para ellos...

¿Qué dirían los chilenos de llevar las cuecas chilenas al rock por darle una humorada, o espacio, o presencia musical, o como lo quieran llamar, a nuestros músicos peruanos?; seguramente que su consulado haría una declaración internacional de rechazo, por la violación de su patrimonio cultural...

Oh!!!!!!!!! se me ocurre algo más interesante....

Preguntémosle a la Sra. Ima Sumac, la voz más potente, educada y colorida del Perú, si tal vez a ella le gustaría cantar "El Cóndor Pasa" o "Vírgenes del Sol" en ritmo de rock... ¡ Esto está totalmente fuera de lugar !

O... tal vez... preguntarle a Doña Victoria Santa Cruz, famosa folklorista peruana, de fama internacional, si a su hermano Don Nicomendes, le gustaría llevar el tema "Callejón de un solo Caño" al ritmo de Rock????... o cambiar la historia de los negros en el Perú, o cambiar sus ritmos afro-peruanos????

Seguramente ella se opondría con mucha entereza y lo calificaría de "inaceptable" en su calidad internacional de maestra.

O tal vez a Doña Serafina Quinteras si le gustaría ver cómo su tema "Muñeca Rota" se hace "fusión" con el rock peruano... eso tal vez le gustaría a mi hijo de 12 años, quien no conoce por su corta edad, toda la historia criolla... esto resulta humillante para mí, como padre criollo!!!!

O tal vez al estilo satírico, bien hablado y elegante del comunicador social y escritor peruano Don Jaime Baily, lo sacaramos a Don Hugo Chávez, (presidente-dictador de Venezuela)... cantando un engendro musical denomimado "joropo - vals peruano- rock bolivariano"..

¡ Como pueden ver, no sólo tengo ideas musicales, sino que tambien se me ocurren calificarlas (aunque me resulte de mal gusto a mí mismo) de "totalmente desastrozas"...!!!!!!!!!

Tal vez yo no sea el músico, intérprete o cantante indicado para criticar a nadie, tal vez esto sea una discusión sin fin, y no logro entender porque los calificados por todos como "entendidos", no se manifiestan al respecto... pero la controversia ya existe...y "espero que la sangre no llegue al ríio"....

¿Quieren hacer música?...háganla!!!!

¿Quieren nuevas letras?, pídanselas a los antiguos y nuevos compositores que se las hagan explícitamente para sus gustos (al mejor estilo del Chavo del 8... si es que a ellos "les simpatiza"...)

¿Quieren salir al mercado con nuevas producciones de discos?... luchen por hacerlo con identidad propia, no destrozando vilmente lo que otros hicieron con mucho esfuerzo !

¿Quieren romper la historia de la cultura criolla?, lo siento.... allí me tendrán presente, para poder decirles que no están autorizados por todos los criollos, por el respeto que nos merecen los autores criollos, y personalmente mi abuelo materno, mis padres y toda la obra que se viene desarrollando en páginas amigas de internet como lo son:

www.perumagiayencanto.com,
www.criollosperuanos.com,
www.losperuanos.com,
www.boletindenewyork.com

y otros amigos en Australia, Italia, Venezuela, Holanda, que luchan por llevar nuestra cultura, preservar nuestra música criolla, identificar nuestra raza de peruanos criollos, nuestra identidad musical de grupo, nuestra sangre peruana roja y blanca a través de las tenues distancias de la internet...

Espero que los autores criollos reconocidos como Don Augusto Polo Campos, Don Alejandro Lara, Don Jose Escajadillo Farro, (por mencionar algunos de los más importantes y a quienes admiro profundamente por su versatilidad y legitimidad criolla), recapaciten profundamente, opinen valerosamente y no se olviden de lo que les costó llevar sus famosos valses al mundo y hacer a través de estos valses de su inspiración, famosos a muchos artistas como a Don Arturo "Zambo" Cavero y muchísimos otros, que siguen llegando con orgullo, a toda la comunidad peruana dispersa en el Perú y alrededor del mundo. con la única alegría de verlos (a los artistas) aunque sea una o dos horas en un show presentado por empresarios(algunas veces extranjeros) que sí valoran la música criolla peruana...

Señor Jaime Cuadra, no tengo el gusto de conocerlo, pero aun así, lo felicito por su voluntad e salir adelante, por su esfuerzo de permanecer vigente en la música, por sus ganas de difundir lo nuestro, y humildemente desde esta parte del mundo, le sugiero que busque otros temas, o genere temas nuevos creados explícitamente para Usted, para plasmarlos en su nueva producción musical de su nueva fusión musical, que sean de su identidad propia, para que así se lo reconozcan las generaciones de peruanos alrededor del mundo.

Y le pido disculpas por atreverme a escribirle mis pensamientos y sentimientos libremente, porque me parece que usted tiene una opinión muy valiosa, y no quisiera limitar su creatividad, pero le manifiesto asimismo, que no la comparto con Usted y no la puedo aceptar por intervenir en asuntos de criollos no siendo Usted identificado plenamente y musicalmente como Criollo.

A la mejor manera del Profesor Carlos Chinchayan le recuerdo que: "Nadie Ama Lo que no conoce" y me parece que usted no conoce el criollismo a fondo y tal vez quiere tratar de arraigar la idea de que "el criollismo está muerto". Es un error de muchos por desconocimiento, y discúlpeme otra vez, no es mi intención ofenderlo, ni disminuirlo en lo más mínimo de toda su calidad artística y de su capacidad de interpretación musical.

Desde The Hammocks, MIami, Florida

Yvan Espinoza
Proyección Criolla

Distrito de Breña- Lima-Perú

2007-07-22T06:47:00.000-07:00

DISTRITO DE BREÑA

Su nombre se debe al fundo Breña que posteriormente trajo a vecinos notables que se asentaron en "Chacra Colorada" de la familia Aréstegui y Azcona de Don Joaquín Cobos; todos ellos poderosos terratenientes en el país. El Distrito fue creado el 15 de julio de 1949 durante el Gobierno de Manuel Odría Amoretti , por Ley Nº 11059, en área que hasta esa fecha venían ocupando las urbanizaciones de Breña, Chacra Colorada, Garden City, Azcona, Chacra Ríos, Dos de Mayo, Conde de las Torres y Wiesse.En la jurisdicción de Breña se cultivaba caña de azúcar, maíz y algodón; además de las plantas de moras que caracterizaba al distrito.
Luego de esa etapa se empiezan a asentar las primeras familias, que dan gran empuje a la urbe. Así en 1948 Don Juan Bautista Camacho Cambe preside una Junta de Vecinos notables Pro-Distrito, organismo que presentó al gobierno de entonces un memorial con cerca de 5 mil firmas de vecinos.
El distrito, una década después, sufrió un recorte de territorio en casi un 50% para crear lo que hoy se conoce como parte del Cercado de Lima. Esto ocasionó una reducción sustancial de sus rentas municipales.
Entre sus destacados personajes figuran la familia de Emilia R. Nosiglia, Pedro Donofrio, Nicomedes Santa Cruz, el general Pedro Silva, El Gato Bulnes, Los Hermanos Zañartu, Pepe Vásquez, Los Doltons, Los Pintores Oscar Aspin y Milner Cajahuaringa, Adolfo Chuimán, Lelo Costa, Raúl Beryón.
Por otro lado, la urbanización tenía por área la siguiente: de la avenida Brasil (llamada antes Magdalena) hasta el jirón Jorge Chávez y de la avenida Arica (en ese entonces denominada Breña) hasta el jirón Restauración.
FICHA TECNICA DEL DISTRITO DE BREÑA
Ubicación: Políticamente en la Provincia y Departamento de Lima, República del Perú, Sudamérica. Y geográficamente se encuentra en la costa central del Perú, ribera de la margen izquierda del río Rímac.
Área: Cuenta con tres millones 320 mil metros cuadrados, sobre los cuales se han construido 264 manzanas, existiendo a la fecha aproximadamente 30 mil predios (unifamiliares y multifamiliares, comercios e industria).
Población: Tiene una población de 95 mil habitantes.
Limites: Por el Norte con Cercado de Lima, al Este con Jesús Maria y Cercado de Lima, por el Sur con Pueblo Libre y al Oeste nuevamente con Cercado de Lima.
Relieve: Es plano, en su mayoría está constituido por tierra óptima para la agricultura, resaltando un suelo de color marrón oscuro, de ahí que se la conozca como chacra colorada.
Clima: El clima de la zona del proyecto está en marcado dentro del clima de la región litoral de la costa central caracterizado principalmente por su aridez y por ser relativamente uniforme y sin contrastes térmicos acentuados en el paisaje y la ecología. El clima de la costa es resultado de la interacción de la cordillera de los Andes y la Corriente de Humboldt.
Hidrografia: No cuenta con ríos.
Alimentación: Proviene de los mercados de cada sector, canales autorizados.
Centros Poblados
Urbanización Huerta La Virreyna
Urbanización Chacra Colorada
Urbanización Chacra Colorada (Hta. Izquierda)
Urbanizacion Breña
Urbanización Garden City
Urbanización San Gregorio
Urbanizacion Lotizacion Del Fundo Azcona
Urbanización Proveedores Unidos
Urbanización Azcona
Urbanización Batievski
Urbanización Esmeralda
Urbanización San Luis Gonzaga (Tres Etapas)
Urbanización Nueva Azcona
Urbanización 28 De Julio
Pueblo Joven 28 De Julio
Pueblo Joven Nosiglia Ii
Industrias: Materiales de construcción, Madereras, Metal Mecánica, Maquinarias, etc.
Comercios: Compra y venta al por menor de productos alimenticios, de origen animal y/o vegetal en estado natural preparado o envasado, restaurantes, muebles, prendas de vestir y manufacturas varias.
Servicios: Relacionados con Internet, atención medica, servicios financieros, peluquerías, reparaciones, mecánicas, hospedaje, entre otros.
Salud: Cuenta con el Instituto Nacional del Niño, existen también centros de salud, postas médicas, consultorios particulares y clínicas de diferentes servicios.
Educacion:
Educación Inicial Particular y Estatal
Educación Primaria y Secundaria Particular y Estatal
Educación Preuniversitaria
Educación Superior Técnica Particular
Educación Superior Universitaria Estatal
Iglesias: Católicas, Cristianas Evangélicas, Mormones y otras.
Parques:
Ovalo de Venezuela
Plazuela España
Plazuela Pomabamba
Plazuela Pariacoto
Plaza Morona
Plazuela Echenique N° 1
Plaza Don Bosco
Plazuela Pedro Ruiz
Ovalo Pedro Ruiz
Parque La Bandera
Parque T. de Luzurriaga
Parque Nueva Azcona
Parque Oxapampa
Parque Pedro Donofrio
Parque Juan Manuel Iturregui
Parque Puicallpa
Parque Echenique Ii
Parque Socabaya
Plaza de Armas La Breña
Parque Nosiglia 2do
Parque F. de Orellana
Parque la Juventud
Alameda Magisterial
Alameda 28 de Julio
Triangulo Napo
Parque Nosiglia
Parque Maria Auxiliadora

Patrimonio Arqueológico e Histórico
Museo del Palacio de San Jorge.- Ubicado en una hermosa edificación de estilo ingles Tudor (en la avenida Bolivia Nº 568), que alberga una colección de piezas originales de arte egipcio, griego, etrusco, Mochica, Chancay, entre otros. Pertenece a la Asociación Cultural Nueva Acrópolis.
Museo Interdisciplinario del Colegio la Salle.- Instalado adecuadamente como museo didáctico, excelentemente acondicionado; presenta secciones de Paleontología, Arqueología, Fitología, Zoología, etc. Pertenece a la congregación de hermanos de las Escuelas Cristianas de San Juan Bautista de la Salle, y que está ubicado en la Av. Arica 600.
Museo Memoria del Mariscal Andrés Avelino Cáceres.- Funciona en los altos del edificio que ocupa la Orden de la Legión del Mariscal Cáceres. Guarda objetos, documentos, fotografías, retratos, pinturas al óleo, etc., que pertenecieron a él y a su familia. Entre las valiosas reliquias también destaca una hermosa caja de música, que le fue obsequiada cuando ejercía las funciones de ministro plenipotenciario en Alemania. Dicha caja, primorosamente realizada, ejecuta el himno nacional del Perú, y varias piezas de música peruana dedicadas al Brujo de los Andes.El museo está muy bien instalado y forma parte de los museos del Ejército. Fue inaugurado el 10 de noviembre de 1986. Local: República de Portugal 258 altos.
Biblioteca Pública Modelo “José Bento Monteiro Lobato”.- Se inicia como Estación Bibliotecaria del Servicio de extensión de la Biblioteca Nacional del Perú, inaugurada en octubre de 1958 en la Plaza Desamparados de Breña. Allí, hasta 1992 cumplió con su silenciosa y fecunda labor cultural. Ese año, con motivo de la remodelación de la Plaza de Armas del distrito, se procede a su demolición, comprometiéndose la Municipalidad de Breña a trasladar a otro terreno de propiedad del Concejo.Mientras tanto, la Municipalidad cede provisionalmente el local del Jr. Aija Nº 599 hasta la construcción del nuevo local en donde convertida en Biblioteca Pública Modelo y con el nombre de José Bento Monteiro Lobato reabrió sus puertas el 25 de abril de 1995, y continúa hasta la fecha brindando renovados y dinámicos servicios a la comunidad de Breña.
Basílica “María Auxiliadora” Av. Brasil 210Párroco: Rvdo Padre Juan Vera Alva
Parroquia De Nuestra Señora De Los DesamparadosAv. Venezuela 1202Párroco: Rvdo Padre Jorge Crooke
Parroquia San Pablo Y Nuestra Señora Del CarmenJr. Orbegoso 1160

Eddy Martinez - cantante peruano

2007-07-22T06:35:00.000-07:00

Eddy Martinez

Intérprete y cantante peruano e internacional de la música criolla del Perú

“Mi verdadero nombre es Guillermo Francisco Bedoya Martínez y mi nombre artístico es Eddy Martínez”. Según dice él mismo, nació el día 25 de mayo de mil novecientos.com.pe, en el Callao, vemos que este gran hombre es chalaco, pero en la época de los temblores viajó de niño con sus padres a Chiclayo, allí se educó, más adelante, al cumplir 16 años de edad regresó a Lima para seguir estudiando.
“Mis padres: Don Leopoldo Bedoya y Doña Beatriz Martínez., mi padre aún vive, está en Lima y tiene 95 años de edad”.
Eddy Martínez es ganador de los trofeos más importantes de su país, el Perú.
Se inicia con cantante profesional a fines del año 1953, en Radio San Cristóbal siendo su padrino artístico, el actor argentino del cine mexicano “El Che Reyes”
Durante cinco años consecutivos los periodistas del espectáculo ACIRATE, lo eligieron como el mejor cantante melódico del Perú, y durante ese tiempo cantó en las emisoras de radio mas cotizadas de ese entonces, lo tuvo en su elenco y alternó con los grandes artistas de la época:
A.- Radio San Cristóbal (Che Reyes, Tin Tan y Marcelo, Daniel Santos, Bienvenido Granda).
B.-Radio El Sol (Sarita Montiel, Lucho Gática, Miguel Aceves Mejía,, Fernando Fernandez).
C.- Radio América (Leo Marini, Angélica Maria, Los Indios Tabajaras, Reculo Ramírez)
D.- Radio La Crónica (Libertad Lamarque, Pedro Vargas, Marianito Mores)
E.- Radio Victoria (Pedro Infante, Lola Flores, Don Fabián, Maria Victoria, etc.)

mas Informacion del artista http://www.criollosperuanos.com/EddyMartinez/index.html

Victor Hurtado Riofrio - "El Duo de Oro"

2007-07-22T06:32:00.000-07:00

Victor A. Hurtado R.
Investigador, Periodista, cantautor

Entrevista por Gerardo Rehuel Sanchez

Mi padre fue el Sr. Andrés Hurtado Ojeda, natural del Callao, del barrio de García Calderón; gran criollo, trabajó en Enapu-Perú (terminal marítimo del puerto), desde que tengo memoria hasta que emigró a EEUU en 1983. Falleció hace un par de años, en el barrio de Miramar, estado de Florida. Mi adorada madre, la Sra. Aída Riofrío Estrada, también chalaca (de pura sepa), dueña de una dulce y exquisita voz al interpretar nuestro vals. Fue ella mi primera (y única) maestra de canto, criada en el barrio de Lazareto, proviene ella también de una familia muy criolla, (Hugo y Lalo Riofrío, sus hermanos, hicieron criollismo del bueno en la patria) . Tengo la dicha de haber nacido en la primera provincia Constitucional del Perú, mi adorado Callao, un 25 de Febrero, fecha de nacimiento que tengo el honor de compartir con dos de los mas grandes compositores del Puerto del Callao, Carlos Saco y Eduardo Márquez Talledo, así como también el de otro grande de la composición como lo es el maestro Agusto Polo Campos.
Soy yo, el segundo de ocho hermanos. Cinco de ellos radican en Perú, y tres de nosotros en América. Jorge Guillermo Pacho, cantante de salsa, empleado de Petro-Perú. Consuelo Marieza, debido a su carrera de profesora de niños incapacitados, no pudo dedicarse al canto, amiga personal de nuestra Eva Ayllon.
Elda Aída, radica en Paterson, estado de NJ. Es una muy buena compositora e interprete, fue ganadora de uno de los festivales AHRA de la canción criolla en NJ, con su canción De ti Depende. Dedicada de lleno a su profesión de Asistente Medico. Alberto, Beto, también radica en la ciudad de Paterson, NJ. Magda, Maggie es ama de casa. Javier, tiene su grupito de música criolla, con quienes amenizan fiestas particulares y eventos sociales pequeños en el Callao. Por ultimo, Andrés Armiñito Shanno, tiene su propia orquesta de Salsa.
Como podrás ver, procedo de una familia artística, de la cual me siento muy orgulloso.
Estudie los primeros tres años de mi primaria en el Colegio Augusto Cazarla y la terminé en la Escuela en el barrio de Santa Marina Sur. La secundaria en la Gran Unidad Escolar Hipólito Únanue de la Unidad Vecinal # 3, cerca al barrio de Mirones. Una de mis experiencias más bonitas de mi época de estudiante es que mi profesor de música fue, el maestro Lorenzo Humberto Sotomayor, (compositor de bellos temas como Corazón, El solitario, Un vals y un recuerdo, entre otros), de quien guardo lindos recuerdos.

Creo que mi carrera artística empezó en el colegio, donde di mis primeros pininos. También tengo que mencionar mi barrio y la casas de familiares y amigos donde en más de una ocasión les presentaba mi show. Con mi esposa Mónica empezamos desde noviecitos, en verbenas, peratas criollas, y todo tipo de eventos sociales de la comunidad chalaca. Cantábamos entonces individualmente y ocasionalmente nos interpretábamos una canción a dúo. Ya casados y en los EEUU, el bello vals de la autoría de Sixto Prieto “Fatalidad’ interpretado a dúo por este servidor y fue el que despertó la atención y aplauso del publico, que pidió mas temas a dúo. Atención y aplauso que llevo al empresario artístico José Arce, ha bautizarnos con el nombre artístico de El DUO DE ORO. “El nombre artístico que ostentamos desde recién llegados del Perú y que conservamos con orgullo hasta el día de hoy, después de un simple, tres larga duración y un próximo y cuarto larga duración en camino.
Creo que todos saben que soy seguidor de la basta obra del Maestro de Maestros, El Bardo Inmortal, Felipe Pinglo Alva. Mi interprete criollo favorito es el Sr. Rafael Matallana, la interprete femenina favorita, nuestra la Reina y Señora de la Canción Criolla, Maria de Jesús Vásquez Vásquez.
Son muchas lindas experiencias, especialmente el haber tenido la oportunidad de conocer y compartir el escenario con grandes figuras de nuestro cancionero patrio. Sin embargo, si tuviera que escoger una en especial, la mas bella está grabada en video, en Lima, cuando el dúo de IRMA Y OSWALDO compuesto por Irma Céspedes y Osvaldo Campos, interpretaron acompañados al piano por el maestro Carlos Postigo, el vals de Mónica “Vuelve a mi”, a escasos tres meses de haberlo grabado nosotros aquí en USA. La emoción fue grande e indescriptible.
Quiero que sepan que me siento orgulloso de ser peruano, de haber nacido en esa hermosa tierra del sol como dice la canción y tener la oportunidad de haber conocido personas como ustedes que aman nuestra música ciudadana (como dice el amigo Raúl Álvarez-Russi). No quiero olvidarme de su fundador, el Sr. José Olivera y felicitarlo por tan grandiosa idea, así como felicitar a todos los que hacen posible que nuestra lista criolla siga creciendo a pasos agigantados.
Permíteme por medio de esta entrevista, brindar mi admiración a personajes de nuestra lista como Walter Huambachano, Raúl Álvarez Ruiz, Darío Mejía, Leoncio Espinosa, Felipe Quispe, José Antonio "Chalán", el maestro Carlos Chichayan, Cesar Díaz, Gerardo Sanchez, Olga Milla, Marycaty, Meche, Cecilia, el profesor Ronceros, Daniel Parodi y a todos aquellas personas que siempre están colaborando de una manera desinteresada con nuestra lista, (perdone aquel que omita su nombre), les deseo que pasen una bonita reunión de la Mega allá en nuestro amado Perú.

Desde muy niño iba perfilandose como interprete de canciones populares contagiado por la aficion familiar a la musica que llegaba a su hogar a travez de los programas criollos de la radio y los de television de la epoca (epoca de oro del criollismo). Victor era un niño conocido en su barrio y en su escuela, porque no se perdia de participar en una sola actuación, berbenas de barrio, etc. donde se le veia con frecuencia.
En el año 1973 es cuando Victor conoce a Monica (la compañera de toda su vida), como tenia que ser, cantando!!! en una serenata de cumpleños de una amistad mutua. Pasaron asi, entre canciones y amistad, dos años hasta que cupido toco sus corazones y un 13 de Abril de 1976 se juran amor eterno, amor jurado que no solo llevaron al altar y a su hogar, sino tambien al pentagrama musical.
El barrio del Callao pudo disfrutar de sus voces, sus inicios cantando como pareja fueron con el grupo “Juventud Criolla”, conformado por jovenes todos chalacos (todos del barrio de Santa Marina Sur y todos menores de 24 años) quienes comienzan a presentarse en peñas criollas, reuniones particulares y berbenas. En 1979 Monica y Victor deciden emigrar a los EEUU y es asi que en el mes de Octobre llegan al estado de New Jersey. Una semana mas tarde ya estaban presentandose por estos lares, formando parte de farandula local criolla. Conocen casi de inmediato al empresario peruano José Arce, quien los bautiza con el nombre de “El Duo de Oro” por alla por el año 1983. Participaron en el 4to Festival H.A.R.A. de la canción criolla en Paterson, NJ. Era este un festival de canciones ineditas y el siguiente año ocupan el 2do lugar, obteniendo el derecho de grabar su tema ganador en disco. Los periodicos peruanos del area hablaron hasta cansarce del “Duo de Oro” despues de este su primer peldaño a la popularidad. Despues del primer sencillo, comienzan los continuos contratos, a menudo en grandes carteleras, compartiendo escenario con estrellas traidas directamente del Peru (Como Lucia de la Cruz, Graciela y Noemi Polo “Las Limeñitas”, “Irma y Oswaldo”, Lucila Campos, Rafael Matallana, Bartola, Martha Elena, Mariela Valencia, Luis Abanto Morales, “El Carreta” Jorge Perez, Miguelito Cañas (QPD) etc.), con quienes realizaron viajes (giras) a otros estados de la nación destacandose no solo como interpretes, sino tambien como compositores. En 1987, “El Duo de Oro” es solicitado para formar parte de la grabacion del primer larga duracion de la “Asociacion de Artistas Peruanos en USA” (A.A.P.U.S.A.). Escriben e interpretan para esta ocasion “Lejos de Ti” (que tambien es interpretado por “Mirna Paredes Y Zarela Ercilla” en el larga duracion de la “Asociacion de Artistas Peruanos de Washington”, LP que titularon “Peru…Lejos de ti”) y la conocida Anita Chinchay “La Criollisima” graba el tema de Victor Hurtado “Reflexion” en la misma produccion “Canto al Peru”.
Para la 6ta edicion del Festival AHRA Victor gana como el mejor compositor del certamen con el tema “Solos nunca mas” que interpreto magistralmente la dominicana Celenia Nuñez.
Llega la primera produccion discografica para el duo en 1989 a la que titulan “El duo de Oro, Criollos y Romanticos” donde dan rienda suelta a su versatilidad, interpretando no solo musica criolla si no tambien boleros.
La directiva de “Peruvian Parade” (la Intitucion peruana mas antigua y prestigiosa de el area Nor-Este de USA) solicitan bajo la presidencia del señor Felix Araujo, que el himno de dicho gremio sea escrito por “El Duo de Oro” y asi fue, estrenandose el dia de la coronacion de “Miss Peruvian Parade” en el año 1994 . Con la muza para la composicion en las venas, nacen para Victor mas canciones, el conocido cantante Ecuatoriano Luisito Cruz “El Nuevo Ruiseñor de America” graba de Victor Hurtado “Hoy Rompo las Cadenas”. Jose Luis Jasso graba “Contemplacion” en una de sus visitas al area . La segunda grabacion para el duo llega en CD y se titula “Seguimos Criollos y Romanticos” donde hacen gala de su talento interpretatibo y autoral. Preparan ahora los temas que formaran parte de su proxima produccion discografica, a la que titularan “Jaraneando con el Duo de Oro” donde incluiran una combinacion de temas de antaño y propios.
En esta producción se incluiran siete temas ineditos escritos por Victor “Al Maestro” una composición donde Victor rinde homenaje al mas grande compositor peruano de todos los tiempos Felipe Pinglo Alva,
“A Mi Cajón Criollo” son muy pocas las canciones que se han hecho a este instrumento netamente peruano por exelencia, “te Arrancare de Mi” una tematica al amor dolido que no puede faltar en un disco de valses, y una de sus letras preferidas en homenaje a su Callao querido titulado “Contemplación” cuenta Victor que esta composición fue escrita en las Alturas de un avión cuando llegaba de regreso a su bella Provincia Constitucional, Victor sueña con que un dia su patria conozca de su talento e inquietudes autorales, uno de sus siguentes sueños es llegar a pertenecer a la institución autoral mas grande y mas pretigiosa de el Perú la “APDYC.

Ademas Victor se convierte e un aserrimo investigador del folklore Costeño teniendo la oportunidad de escribir para diferentes periodicos peruanos de N.Y. y N.J. a la vez en estos momentos Victor tiene a cargo la dirección de la sección “Articulos Criollos” de la Web. “Musica Criolla” en donde hace un despliegue de las notas y anecdotas mas saltantes de nuestro criollismo tambien es colaborador de la Web. “El Boletin de New york” que dirije la familia del recordado maestro Fidel Ramirez Lazo.

mas informacion encontraran en http://www.criollosperuanos.com/VictorHurtado/index.html

Carmencita Lara- La Reina de la Rockola

2007-07-22T06:30:00.000-07:00

CARMENCITA LARA
Dama de los valses tristes
Julia Rosa Capristán Garcia
"Carmencita Lara"
La Reina de la Rockola

Durante sus 54 años de vida artística, Carmencita Lara popularizó valses que le cantan al desamor, la tristeza y la esperanza.Su voz quejumbrosa es como el pañuelo que alivia las penas y la nostalgia. “Llora cholo, llora. ¡Y sufre!” Así fue desde sus inicios, así lo es hasta hoy. Carmencita Lara no sólo ha viajado por todos los rincones del Perú, sino también por varias ciudades de Europa y América Latina, en las que convocó las catarsis colectivas en sus recitales.Sin embargo, en su casa de Comas, ella intenta superar sus tristezas personales. Comenta que el asalto que sufrió en su hogar el año pasado la ha dejado sin recursos económicos. Además, le cuesta obtener las regalías de medio siglo de éxitos porque sólo tiene dos discos compactos reconocidos: Éxitos de Carmencita Lara y Siguen los éxitos volumen 2. Los aproximadamente mil discos de carbón y vinilo sólo sirven para el orgullo de la familia. Hace 54 años su esposo Víctor Lara le inventó a Julia Rosa Capristán García un seudónimo. Se prestó el nombre de su madre y la bautizó con éste para siempre. Así nació Carmencita Lara, conocida también como “la reina de la rockola”. Desde entonces, juntos saborearon los aplausos de miles de admiradores. El acordeón de Víctor es el acompañante inseparable de la voz aguda de Carmencita, que es capaz de tocar el dolor de los corazones rotos de los melancólicos. Juntos embelesaron los coliseos y las radioemisoras de la capital que hoy sólo vemos en las fotos en blanco y negro. “Siempre hemos cantado a los pobres, a los humildes y marginales”, afirman.Sus temas pertenecen hoy a los recuerdos, pero sus mensajes no han perdido vigencia. “Olvídala amigo”, “El árbol de mi casa”, “Llora, llora corazón” y “Devuélveme a mi madre” son algunos títulos del ramillete de éxitos que en sus escasas presentaciones le reclaman como si se tratara de la canción más importante de la última semana. Nadie puede negar los aportes de la pareja de artistas a la música peruana. Ella acabó con el estigma de que los criollos no cantan huainos. Adoptó también por primera vez el sonido del acordeón y la batería en el vals peruano. Además, inauguró la fórmula exitosa de fusionar la voz femenina con el arpa. Otras le siguen actualmente los pasos, aunque no quieran reconocerlo.Pero la dama mayor de la canción popular está cansada y no desea subir a los escenarios ni efectuar giras como antaño. Sólo el aplauso de su público la anima en ocasiones a coger el micro. Otras veces la insistencia de los empresarios termina convenciéndola.Tampoco es una figura habitual de los programas de televisión, no obstante haber sido invitada en varias oportunidades. “No me gusta cantar con pista musical, sino con el acompañamiento de mi conjunto.”Ni concede entrevistas ni participa en reuniones sociales. Carmencita Lara, la dama de las canciones tristes y amadas, preferiría vivir sólo de sus regalías. Mientras el estribillo y su voz sigan escuchándose en las emisoras, ella desearía sólo ver a su nieta convertirse en una Carmencita Lara nueva, pero que le cante a la alegría. (José Vadillo Vila)

Una Reina en su estilo, que el Criollismo Olvido injustamente.
Al mencionar su nombre artistico,"Carmencita Lara" estoy seguro que a nuestras mentes llegan inmediatamente valses criollos que se hicieron populares e innolvidables en nuestros barrios, especialmente en las "Rockolas" y en el corazón de muchos peruanos que admiraron, la forma de interpretar las sentidas letras que esta dama supo seleccionar para formar su propio repertorio, que la hizo grande.
Hay que reconocer con tristeza, que apesar que las radios capitalinas de aquel entonces, habian centrado sus programaciones criollas a otros grupos de artistas, "Llamando las cosas por su nombre", Carmencita Lara era ignorada por esas emisoras, pero como sucede en estos casos, la tenacidad de Carmencita no tuvo limites mientras que la "ARGOLLA" se encargaba de hacerla a un lado, ella se daba el lujo de llenar todos los coliceos y los teatros habidos y por haber, que existian en las populosas ciudades de la gran Lima y sus Provincias, el publico masibamente acudia a verla y a escuchar sus canciones tales como "Olvidala Amigo", "El Arbol de mi casa", Llora, llora corazón", "Los Cuervos" y tantos otros exitos que penetraron el alma de sus seguidores que no la olvidan.
Tambien hay que reconocer que Carmencita Lara fue una innovadora de nuestro vals criollo no solo en su forma de interpretarlo si no tambien en el acompañamiento, era su esposo el maestro Victor Lara quien contribuyo a que Carmencita tuviera una instrumentación distinta a las demas interpretes, no olvidemos que fue el quien introdujo el Acordion al vals criollo, ese vals que Carmencita paseo por todo el Perú, ese vals criollo que traspaso las fronteras, permitiendo de esta forma que nuestro vecino Ecuador al escucharla la adoptara, la hizo suya y la hizo grande, colocandola en el sitial que su propia patria le habia negado, un lugar que Carmencita se habia ganado a pulso, ahi si podemos decir con honestidad aquel dicho "Nadie es Profeta en su Tierra". Ella tambien interpreto Hauynos y Pasillos, que mas hay que decir de esta dama peruana orgullo de nuestra nación. Carmencita Lara fue idolo en otras tierras en el Ecuador, hasta hoy se escuchan sus canciones hasta hoy las radios programan sus bellas melodias, hasta hoy se preguntan que fue de Carmencita Lara?.
Una vez mas me pregunto, que podemos contestarles, a todas aquellas personas que preguntan por ella, digame alguien si en algun momento una revista o algun periodico o alguna emisora radial se a preocupado por investigar que fue, de Carmencita Lara, "La Reina de la Rockola" ?
Por que tenemos que esperar que nuestros artistas se nos enfermen o se nos vayan, para hablar de ellos? o simplemente si nos enteramos que estan en desgracia inmediatamente sale la noticia amarillista haciendo leña del arbol caido, por que? se nos hace tan facil olvidar lo innolvidable.
Lo ultimo que hemos sabido de Carmencita Lara, es que esta enseñado canto y baile en la escuela "Estados Unidos", del pueblo de Comas, que los medicos le han recomendado una cirugia inmediata a una dolencia que esta molestando su rodilla izquierda, que la felicidad se la dan hoy sus alumnos que la admiran y la respetan, que esta luchando por que las autoridades le permitan mantener su casita la que esta apunto de perder debido a algunas deudas las cuales no ha podido consolidar, hay que dejarle saber al publico, que desgraciadamente hace poco fue asaltada en su propio hogar y que estos delincuentes la despojaron de todas sus pertenencias y de sus ahorritos que con mucho sacrificio ella habia podido mantaner hasta ese entonces, aun y todo eso, las autoridades no hacen nada para ayudarla. Y pensar que los corruptos politicos pueden salir airosos de sus fechorias y a nuestra Carmencita Lara le queremos quitar lo unico que le queda, su vivienda y el derecho ha ser recordada como lo que fue, Carmencita Lara nuestra indiscutible
" Reina de la Rockola".
Otra pregunta que queda en el aire, que pasa con la ley del artista? la que fue instaurada hace ya unos años, ademas segun Carmencita Lara ella y su esposo el maestro Victor Lara fueron fundadores de la APDAYC y no esta recibiendo las regalias que dicha institución tendria que hacerle llegar, por que simplemente no reconecen sus grabaciones, acaso se trata de seguir ignorandola, por fabor señores respetemos a nuestros artistas, reconoscamos de una vez y por todas quien es y que significa para el pueblo peruano y para el criollismo, Julia Rosa Capristán Garcia, Carmencita Lara, "La Reina de la Rockola".

Desde Pennsylvania:
Victor Hurtado Riofrio

Abelardo Vasquez Diaz

2007-07-22T06:27:00.000-07:00

ABELARDO VÁSQUEZ DÍAZ

Maestro de la música costeña

Abelardo Vásquez Díaz nació en el distrito de Jesús María el 2 de Enero de 1929, y fue el cuarto hijo de doña Susana Díaz y del gran Porfirio Vásquez Aparicio. La familia Vásquez, procedente de Aucallama se asentó en Lima, en el barrio de Breña donde Porfirio se convirtió en símbolo y gran maestro de la música costeña de origen afro peruano. Y su hermano Carlos Vásquez, fue el más importante decimista de la época. El ambiente familiar estuvo por ello, siempre lleno de jarana y música. Prueba de ello es que seis de sus hermanos se dedicaron a la música. Abelardo destacó desde niño por su sapiencia, galanura y versatilidad. A la edad de 6 años participó en la película nacional “El gallo de mi galpón” bailando marinera limeña con su hermana María Julia.Habiendo decidido desde pequeño su vocación por la música, pronto se integró con sus hermanos al conjunto formado por su padre llamado “Porfirio Vásquez y sus hijos” con quien realizó numerosas presentaciones.En 1956 integró la primera compañía negra “Pancho Fierro” organizada por José Durand que logró un maravilloso espectáculo de fiestas y canciones limeñas cultivadas por los negros criollos de la Costa Central. “Pancho Fierro” introdujo la música costeña afro peruana en la sociedad limeña presentándose con gran éxito en el Teatro Municipal y en la Plaza de Toros de Acho.Hacia inicios de los sesenta, Abelardo era ya uno de los artistas más completos en el género: cantor de festejo y de la auténtica marinera limeña que había aprendido de su padre, zapateador, cajonero, bailarín sin igual de marinera y festejo. Desde fines de los cincuenta formó parte del conjunto “Cumanana” organizado por Nicomedes Santa Cruz. Con este conjunto grabó un disco que hasta hoy sigue siendo un clásico; “Cumanana”. Abelardo fue el solista que más intervino en el disco cantando piezas que hoy son emblemáticas del folklore afro peruano: marinera limeña, pregones, habaneras, festejos y otras. Más tarde formó parte del elenco del “Teatro y Danzas Negras del Perú”, trabajando con Nicomedes y Victoria Santa Cruz.Abelardo Vásquez no se ha limitado a ser un extraordinario cantor. También ha compuesto un puñado de temas que han enriquecido el acervo cultural de la musica popular de la costa en sus diversos géneros, siendo los más populares: el alcatraz “Préndeme la vela” , los festejos “Camote asao” y “Negra Panchita”, el pregón “Pan de dulce” (con letra de Nico Cisneros) y una marinera limeña en homenaje a su padre y sus hermanos fallecidos: “Porfirio, Pipo y Vicente”.Tuvo participación en algunos cortos y miniseries, entre los que destacó la obra “Matalaché”.
La fama de Abelardo traspasó nuestras fronteras. Con diversos grupos y conjuntos se ha presentado en tres continentes. Colombia, Argentina, Bolivia, Cuba, México, Japón y Alemania. En 1967 viajó con Nicomedes Santa Cruz a participar en el Festival de Salta (Argentina). Esta gira incluyó triunfales presentaciones en el Teatro Santa Fe de Buenos Aires. En 1968, a México integrando una delegación de artistas peruanos junto a Victoria Santa Cruz para participar en un festival mundial. En 1971 a Colombia con el Conjunto de Victoria Santa Cruz. En 1974 fue invitado a Cuba con Nicomedes Santa Cruz para participar en el Festival de Decimistas de Cucalambé.
En 1977 realizó una gira de 72 días por Japón, con la agrupación “Hijos de Sol” integrada por 14 artistas entre los que estaban Wara Wara, Cecilia Barraza y Jaime Guardia. El éxito del grupo fue testimoniado por los llenos completos en todas sus presentaciones.
En 1982, integrando un grupo con Carmen Flórez, Vicente Vásquez y Carlos Montañés participó en una gira por varias ciudades de Alemania. En el año 1983 viajó a Argentina con el mismo grupo para participar en el festival de Cosquín.
Durante esos años, la labor discográfica de Abelardo Vásquez fue prolífica. Además de “Cumanana”, con el conjunto de Nicomedes Santa Cruz grabó los antológicos “Socavón” (1975) y “Ritmos Negros del Perú”(1971). Con sus hermanos Vicente, Daniel “Pipo” y Oswaldo grabó “Los Vásquez” (1974) que llevaba ese epígrafe que los hizo tan famosos y con el que se pasearon por innumerables noches de jarana:
Abelardo grabó además con muchos artistas de la talla de Lucho Neves, Blackie Coronado, Gente Morena, Rafael Matallana, Carmen Flórez, Cecilia Barraza, Bartola, Cecilia Bracamonte, Carmen Marina, Ellen Burhum, Pedro Otiniano y muchos otros. Y ha actuado con casi todos los grandes de la música criolla.En 1989 grabó con Enrique Borjas un extraordinario disco titulado “Homenaje a Porfirio, Pipo y Vicente” en el que incluyó una marinera limeña que compuso en homenaje a su padre y sus dos hermanos fallecidos, Vicente y Daniel “Pipo”.En el 2000 se editó su última grabación en disco compacto, “El Gran Abelardo Vásquez” en el que alterna composiciones suyas (“Carmina”, “Negra Panchita”, “Porfirio, Pipo y Vicente” “Camote asao”) con composiciones de su padre, Porfirio (“Los Ñorbos”) y de otros grandes compositores como Pablo Casas, Máximo Bravo y José Villalobos.Por encima de todo, Abelardo Vásquez fue un maestro. A lo largo de su vida, su gran obsesión fue difundir su sabiduría y preservar la autenticidad del folklore afro peruano. Durante muchos años se dedicó a la enseñanza del baile de la marinera limeña, el festejo, el alcatraz y la zamacueca, del zapateo auténtico, el toque del cajón y la cajita, y del canto de jarana, es decir, del difícil y fascinante arte de cantar la marinera limeña. Ejerció por más de 30 años la docencia, en la Escuela Nacional Superior de Folklore “José María Arguedas” donde formó una miríada de discípulos, muchos de los cuales son profesores de baile folklórico y sobre todo guardianes de la auténtica tradición criolla. José Durand, admirado de la aventura docente de Abelardo, decía que había “visto al grupo de alumnos de Abelardo Vásquez, y me ha conmovido ver en ellos el amor por lo nuestro, al margen de los intereses de la televisión comercial y de los discos:
El segundo disco póstumo "Canto a Abelardo", editado por sus familiares, reúne sus mejores creaciones interpretadas junto con sus compañeros de arte.Antes de convertirse en uno de los artistas más completos del género criollo, Abelardo Vásquez Díaz (1929-2001) despertó su vocación al compás de la jarana y la música que gozó en la intimidad familiar. A los 6 años bailaba la marinera limeña con buen estilo y lució sus mejores pasos en la película El gallo de mi galpón. Luego, junto con sus hermanos, integró el grupo formado por su padre, Porfirio Vásquez y sus hijos.A partir de la década de 1960 destacó como excelente cantor de marinera limeña, pregones, habaneras y festejos, además de virtuoso compositor que enriqueció la música popular de la Costa. Entre sus creaciones que se mantienen vigentes figuran el alcatraz “Préndeme la vela”, los festejos “Camote asao” y “Negra Panchita”, el pregón “Pan de dulce”, y la marinera limeña “Porfirio, Pipo y Vicente”, en homenaje a su padre y sus hermanos fallecidos.Su arte se exhibió también en escenarios extranjeros. En 1967 participó con Nicomedes Santa Cruz en el Festival de Salta (Argentina), en 1968 viajó a México para representarnos en un festival mundial, en 1971 se presentó en Colombia con el conjunto de Victoria Santa Cruz, y en 1974 actuó en Cuba en el Festival de Decimistas de Cucalambé.En 1977 efectuó igualmente una gira por Japón con el grupo Hijos del Sol, junto con Cecilia Barraza y Jaime Guardia. En 1982 cosechó aplausos en Alemania, y al año siguiente participó en el Festival de Cosquín, en Argentina.Su discografía incluye los antológicos Socabón (1975) y Ritmos negros del Perú (1971), con el conjunto de Nicomedes Santa Cruz, además de Los Vásquez (1974), que grabó con sus hermanos Vicente, Daniel y Oswaldo.Su voz se lució, además, en el importante disco La marinera limeña se baila así… (1974), en el que cantó junto con Augusto Ascuez y Augusto Gonzáles “El Cura”. “Es el más importante testimonio de marinera limeña. Hasta hoy continúa haciendo las delicias de los cultores de la jarana y es el modelo de quienes se inician en el complejo arte del canto de jarana”, comenta su viuda, Marilú Loncharich de Vásquez.Hace tres años editó su última grabación, El gran Abelardo Vásquez. Reunió composiciones suyas con creaciones de su padre Porfirio –“Los Norbos”–, y de otros destacados maestros como Pablo Casas, Máximo Bravo y José Villalobos.Por su vida ejemplar, a Abelardo Vásquez se le dio innumerables homenajes y reconocimientos. Por ejemplo, en 1988 recibió las Palmas Magisteriales en el grado de Maestro por el Ministerio de Educación. Esta semana presentan su segundo disco póstumo, Canto a Abelardo, en el que su voz renace en nueve temas como los valses “A Carlos Gardel”, “Cristal herido” –junto con Bartola–, la polca “Angélica”, y el pregón “El frutero” –acompañado por Carmen Flórez–. Además, el elenco de la peña Don Porfirio, espacio que creó en 1984, interpreta el tema que da título a la producción.La presentación se efectuará el sábado 6, en el teatro Peruano Japonés, de Jesús María, a las 19.00 horas. Allí estarán presentes reconocidas figuras del canto, el baile y las décimas. No faltarán los testimonios de amigos entrañables y la presencia del homenajeado, quien volverá a emocionarnos mediante un video inédito. Recordaremos, entre la nostalgia y la gratitud, sus lecciones artísticas, sus consejos y su inmensa alegría de vivir. (RAY)
Abelardo Vásquez ha merecido también el reconocimiento oficial. En 1988 el Ministerio de Educación le otorgó las Palmas Artísticas en el grado de Maestro y un año después, le confirió el título de Artista en la especialidad de Danzas Populares Peruanas en mérito a la Resolución Ministerial Nro. 327-89-ED.
Falleció en su hogar el 4 de abril de 2001. Lo acompañaron sus familiares y amigos al son de las guitarras, los cajones y los cantos. Al caer la tarde, callaron en honor del amigo y maestro.
Al cumplirse un año de su fallecimiento, el 2 de abril del 2002, el Consejo Directivo del Congreso de la República aprobó una Moción acordando rendir tributo a la memoria de don Abelardo Vásquez Díaz, como expresión del reconocimiento y agradecimiento de la Representación Nacional por su fructífera labor de toda una vida en la defensa, difusión y enseñanza del canto y la cultura nacional.
COMPOSICIONES DE ABELARDO VÁSQUEZ DIAZ
A lo largo de su vida, Abelardo compuso diversos temas en casi todos los géneros de la música afro peruana e incluso internacional: vals, festejo, alcatraz, landó, pregón, marinera limeña y bolero. Algunas de sus más conocidas composiciones son, entre otras:
Gozando el vals (vals)
Entre copa y copa (vals)
Carmina (vals)
Negra Panchita (Festejo)
Negro Domingo (Landó)
Vamó a meneá (Landó)
Préndeme la vela (Alcatraz)
Pan de dulce (presentes Pregón)
Porfirio, Pipo y Vicente (Marinera Limeña)
Tu retrato (Bolero)
Duda (Bolero)

Dia Nacional del Pisco - Julio 23

2007-07-22T06:24:00.001-07:00

Las empresas peruanas Interbank y Plaza Vea en alianza con la Municipalidad de Lima celebran este 23 de julio el “Día Nacional del Pisco”, evento que se realizará en el Parque de la Exposición de Lima, donde habrá degustaciones de la bebida nacional así como show artísticos para toda la familia.
Interbank y Plaza Vea siguen promoviendo la producción y consumo de esta bebida considerada producto de bandera nacional, a través de degustaciones en sus tiendas financieras e Hipermercados, así como impulsa su internacionalización en los últimos 4 años, cuyos resultados son exitosos que el Pisco Peruano llega a más de 25 países del mundo.
El Gerente General del Interbank Ing. Ismael Benavides Ferreyros subrayo: el incremento del consumo de esta bebida en los últimos 4 años, así como su promoción y expendio en los mejores hoteles de 5 estrellas, de Las Vegas, New York, Miami, Chicago y Los Ángeles, obedece a la calidad de oferta de nuestros productores.
Ismael Benavides señalo que hoy en día, la competitividad de esta bebida es una realidad toda vez que ha alcanzado en tan corto tiempo extraordinarias cifras que son muy alentadoras ya que en los últimos 15 años la producción de uva ha pasado de 55,000 toneladas a 160,000 toneladas anuales. Como consecuencia, la producción nacional de pisco también ha aumentado de 330,000 litros en el año 2000 a más de 800,000 litros de producción en el año 2005, gracias al apoyo de difusión y promoción de su consumo durante estos años.
Asimismo, la exportación también ha demostrado estar en el ámbito competitivo ya que en el año 2000 se exportaban aproximadamente 44,000 litros de pisco, y ahora se culminó el 2005 con más de 110,000 litros exportados a mercados muy exigentes.
Agregó que el Perú hoy en día exporta su pisco a más de 25 países entre ellos Estados Unidos, España, Reino Unido, Australia, Japón, Alemania, Suecia, Panamá, Francia, Grecia, Costa Rica, entre otros, lo que representa para el país un ingreso de aproximadamente 450,000 dólares frente a los 100,000 dólares ingresados en el año 2000. Todo esto gracias al aporte del Estado, las empresas privadas y los propios productores nacionales quienes han entendido el concepto de calidad y competitividad.
Interbank y Plaza Vea promueven anualmente los certámenes más importantes del Pisco, como son: El Día del Pisco Sour, El premio al Mayor Exportador del Pisco, El Día Nacional del Pisco, y el Congreso Nacional del Pisco; donde participan nuestros productores locales de Lima, Ica, Arequipa, Moquegua y Tacna, así como empresas exportadoras tales como Viña Ocucaje, Viña Tacama, Bodega Vista Alegre, Antonio Biondi, Santiago Queirolo, César Chiarella, Puro Perú S.A.C., Peruvian Nature y Bodega Santo Tomás, entre otros.

La RM N°063-93-IINCI/DM, de fecha 14 de mayo de 1993, instituyó el tercer domingo de mayo como el "Día del Pisco " a nivel nacional.

Dia internacional del amigo

2007-07-22T06:21:00.000-07:00

día Internacional del Amigo

Amistad es...amar sin exigir...dar sin pedir...escuchar sin juzgar.
Amistad es...estar siempre allí...dispuesto a ayudar.
Amistad es...pensar en el otroantes que en si mismo...es dejar de lado el egoísmo.
Amistad ...
es comprender...
es perdonar...
es olvidar...
y a veces es recordar.
Amistad es... superar juntoslos problemas y las diferencias...
Amistad es...discutir sin dejar de amar...
Amistad es la definiciónde lo que tu me das...

"Un amigo es alguien en quien uno vuelca todo el contenido de su propio corazón, cáscara y semilla juntas, quien con amorosas manos separa lo mejor y con un aliento de cariño, sopla el resto...

Marycaty

Juan A. Escobar Gibbons- Biografia

2007-07-22T06:19:00.000-07:00

JUAN AURELIO ESCOBAR GIBBONS
(JUNIO 16, 1901 – NOVIEMBRE 20, 2002)

Nació el 16 de junio de 1901 en el distrito de Barranco, Provincia y Departamento de Lima, en la calle Don Felipe Pardo y Aliaga, a la espalda de lo que es actualmente la Compañía de Bomberos Voluntarios “Miguel Grau” de Barranco; hijo de Don Joaquín Escobar Zeballos y de Doña Matilde Guibbons Lobera. Su infancia la desarrolló en el Jirón Lampa – Cercado de Lima, en la Calle El Sauce, siendo aficionado y jugador de fútbol, deporte que le permitió conocer a las estrellas deportivas Laballe y Alejandro Villanueva, aficion que motivó que actualmente el nombre de “Juan Escobar” esté grabado en un palco del Estadio del Club Alianza Lima (Estadio Alejandro Villanueva- La Victoria).

Disfrutó de su adolescencia entre las calles Tipuani y Sándya (Cercado de Lima). Al lado de Don Carlos Saco, amigos desde su infancia, Don Felipe Pinglo, Don Pedro Bocanegra y Don Laureano Martínez, comenzó a desarrollar su afición por la música, siendo llamado entre sus amigos como “Milonguita” porque gustaba de interpretar conocidas milongas (música popular argentina de la época), además de su gran interés por el vals criollo peruano, tocando la guitarra y desarrollando una afición que se convertiría en una arraigada costumbre (escribir la letra de canciones inéditas y componer la música) que jamás publicó como propias, hay temas designados como de “La Guardia Vieja” que son de su autoría personal y que al estilo de ese entonces, no se registraban, solo se compartían con todos y la gente las cantaba “sin registro de autor”, y por su sencillez característica, Don Juan nunca los quiso reclamar como temas propios; letras y música de canciones, cuyo recuerdo esta guardado en cuadernos con mas de 200 temas en los que la melodía es conocida y cantada solo por algunas de sus hijas.
Por el placer de la música, Don Juan llegó a Los Barrios Altos (distrito en donde se desarrolló la cuna de lo que es nuestro vals criollo peruano) en donde conoció a quien fuera su compadre Don Jorge Grados, dueño de la “Bordaduría” del mismo nombre. Alternando sus salidas de fiesta entre el distrito de La Victoria y el llamado “abajo del puente”, que es geográficamente el actual Distrito del Rimac.

A los 19 años ingresó como “cargador” de la Novena Cuadrilla de Cargadores de la Hermandad de Cargadores del Señor de los Milagros de Lima, de quien fuera devoto desde su infancia

En 1931, a la edad de 31 años contrajo matrimonio con Doña Maria Isabel Anticona Bueno (10 años menor que él) de cuyo fructífero matrimonio nacieran 11 hijos: La familia Escobar Anticona: Rebeca Eulogia, Matilde Regina, Luisa Biselina, Juan Walter, Victoria Isabel, Carlos Antonio, Raúl Antonio, Isabel Constanza, Guillermo Marcelino, Ricardo Fernando, y Roberto Francisco.

En la década de 1940, dio principio a una nueva etapa en su vida, con la fundación del Centro Social Musical “Tipuani”, el 26 de septiembre del mismo año, ubicado en la Calle San Carlos (Cercado de Lima), frente al actual Terminal Terrestre de la Empresa de Transportes “Ormeño”, Centro musical que seria reconocido oficialmente el 18 de setiembre de 1963 y que lo distinguiera como su “Primer Presidente”.

Un año después en 1941 donó al “Pasaje Tipuani” una estatua de la Virgen del Carmen de tamaño natural, en agradecimiento a un milagro que la virgen le concedió a su familia (imágen que se venera hasta la actualidad, siendo su fiesta principal el 16 de julio de cada año)

En 1942 en el Jirón Tejada 119 (su casa en barranco), fundó la Hermandad de Cargadores del Señor de los Milagros de Barranco y su Pimera Cuadrilla de Cargadores, siendo nombrado Capataz General y asumiendo el cargo posteriormente de Mayordomo Vitalicio de dicha hermandad.

Alternaba sus actividades laborales (maestro de obra y pintor de brocha gorda) con la música que era su pasión, teniendo en casa una guitarra de cajón de seis cuerdas (clásica), que la heredó a su nieto Jorge Malasques Escobar hijo de su hija Victoria, tenía también otra guitarra de doce cuerdas española, que le obsequiaron a los dieciocho años, y que en la actualidad conserva como recuerdo imperecedero y herencia su bisnieto Luís Carlos Delgado Espinoza, nieto de su hija mayor Rebeca, y poseía asimismo un “Requinto” (que es una guitarra mas chiquita que la tradicional, para hacer los llamados “punteos” o melodías). Don Juan Escobar solía practicar guitarra de tres a seis horas seguidas para no perder la velocidad de digitación.

A Don Juan le gustaba “que la guitarra cantara” y sabía hacer sonar las cuerdas mayores (de la cuarta a la sexta, también llamados “bordones”) así como “las primas” (de la cuerda tercera a la primera) para reproducir musicalmente la melodía o entonación de los cantantes populares.

En algunas ocasiones sentó a su lado a su nieto Yván Espinoza Escobar (hijo de su hija Rebeca y quien actualmente reside en Miami - U.S.A., difundiendo nuestra música al lado de su hermano Gustavo Espinoza quienes juntos conforman “Proyección Criolla” siendo parte de un grupo de criollos comprometidos que plasman, no solo en reuniones, presentaciones o a través de un CD sino en forma escrita todo lo que se realiza en Miami a través de la colaboración con la revista peruana por internet: Perú Magia y Encanto (www.perumagiayencanto.com), dirigida por el compositor Don Gerardo Rehuel Sanchez, con la única finalidad de que nuestra música criolla peruana y nuestras costumbres sean conocidas por las nuevas generaciones del mundo) para enseñarle “el toque antiguo” como Don Juan lo llamaba, dejándole como legado musical y siendo parte del “estilo propio” que actualmente practica Yván al interpretar los valses y la música criolla.

Don Juan asistía al Centro Musical Carlos Saco, al Centro Musical Felipe Pinglo, al Centro Musical Unión, en donde eran socios Don Julio Vásquez y Don José Trave (cuñados). En Barranco asistía al Centro Social y Musical Barranco, fue socio fundador de la Sociedad 25 Amigos de Barranco, de la Sociedad de Artesanos de Barranco, de la Cooperativa de Ahorro y Crédito San José Obrero de Barranco, algunos amigos le decían amigablemente “Pizarro”..., fundó…, fundó….

En la década de los 70’s tuvo activa participación en la vida política del Distrito de Barranco, desarrollándose como “Concejal” del mismo, representante elegido por el entonces partido político llamado “Partido Popular Cristiano – PPC”.

Por su profunda fé católica, asistía regularmente a la misa dominical de la Iglesia de los Padres Oblatos de San José de Barranco, en 1974 sufrió un accidente que le dañó la columna y viajaría por esta razón durante varios años al departamento de ICA, para la Semana Santa, con la única intención de asistir a la procesión del “Señor de Luren” acompañado por su esposa Doña María Isabel, su hija Matilde y su nieta Liliana (también hija de la hija mayor Rebeca, de quien muchos pensaban que era su ultima hija, a quien los amigos le decían “Lili Escobar”, y quien es actualmente cantante profesional de música criolla peruana, escritora de poemas como su padre, Don Hernán Espinoza y compositora de canciones como su hermano Yván , conocida en el ambiente artístico limeño, como Liliana Delgado ) un accidente que le dañó la columna, hecho por el cual dormía sentado y andaba doblado, esto dio origen a sus viajes, para agradecerle al Señor de Luren el haber recuperado su postura, porque los médicos determinaron que por el accidente se quedaría dañado.

Don Juan departió música criolla y conoció a todos los criollos de su época, solían llegar a la casa del Jirón Tejada 119, para su cumpleaños (Junio 16) o para el de la Sra. Isabel, o “doña Chabelita” como le decían en la familia (8 de Julio) diferentes músicos criollos, que llegaban con serenatas, dándose lugar a las fiestas de tres días, jaranas que se armaban “a la antigua” con el criollazo “caldo de gallina“ con el conocido “levanta muerto” o “aguadito de pollo” y el mañanero “cevichito” preparado con el pescado que se trajera fresco desde el Muelle de Pescadores de Chorrillos, y que sonaba a menudo el popular dicho …”que vallan matando”

Hablar de Don Juan Escobar, no es fácil…Su afición por la “Tauromaquia”(corridas de toros) y las “Peleas de Gallos” no eran muy conocidas, su costumbre de preparar el “Lomo a la cerveza” los sábados por la mañana con una receta propia, sólo era compartida con su familia, recordar las noches de Navidad, en la casa grande con el “Clásico Nacimiento” el tradicional “Arbolito” que entre sus adornos poseía un avioncito cuyo significado fue marcado para algunos de sus hijos y nietos de Don Juan, quienes viajarían fuera del país, como sus hijos Isabel, Victoria, Juan y Raúl, sus nietos Yván, Gustavo, Aurelio, Adrián, Eduardo, Brahyan, Walter, Juan Carlos, Erika…la puerta de la sala abierta a la calle, para que todos los vecinos del Jirón Tejada y otros del distrito de Barranco entren a “...saludar al Niño Recién Nacido...”, el “chocolate caliente” en la mesa, el “panetón” con mantequilla, el “champagne” para el brindis de la media noche, las botellas de vino tinto de las Bodegas de Ugarelli para los adultos y la infaltable Inka Kola para los niños, llevaba dentro de los bolsillos paquetitos de cuetecillos para sus nietos, y las luces de bengala o “chispitas mariposa” para sus nietas, costumbre que mantuvo con sus bisnietos, junto al calor de su querida familia.

Recordar sus silbidos de la mañana, sus regresos de “comprar el pan” por las tardes, y el asistir al Mercado Municipal N° 2 de Barranco, sus paseos por todo Barranco antiguo y el legado musical invaluable dejado a sus nietos, hablan por si solos de una vida llena de mensajes, de un permanente dar y de una herencia que prevalecerá en el tiempo.

Don Juan Escobar falleció el 20 de noviembre del 2002, a la edad de 101 años, dejando 11 hijos, 29 nietos, 26 bisnietos y un tataranieto, y actualmente descansa al lado de su esposa Doña Isabel (25/05/2002) y de su hija Matilde (21/11/2003) en el cementerio “Los Jardines de la Paz” - Lurin, en Lima
….Para su familia... el sigue vivo con su misma sonrisa, su mirada amorosa y sus cantos matinales….

Fina cortesía de sus nietos:
Liliana Cecilia Espinoza Escobar e Yván Flavio Espinoza Escobar

mas información: http://www.criollosperuanos.com/Compositores/juanaurelio-Escobar.htm

Sobre la cancion ALDEANA

2007-04-28T07:00:00.000-07:00

Felipe Pinglo compuso su vals "Aldeana" el 12 de mayo de 1935. Pinglo ya se encontraba delicado de salud, sin embargo seguía componiendo y al mes siguiente "Los Trovadores Porteños" estrenan una nueva obra de Pinglo, el one step "La canción del porvenir". En agosto compone su vals "El inclusero" y en setiembre nos entrega "El espejo de mi vida", estrenado por Alcides Carreño en el Teatro Apolo el 14 de setiembre de 1935.

La enfermedad de Pinglo se acrecienta, pero él también sigue creciendo como compositor y en octubre de 1935 da a conocer su vals "Pecadora". En noviembre del mismo año compone su vals "La que fue" y para cerrar el año aquel, el 30 de diciembre de 1935, compone la polca "Los tres ases" para homenajear el trío posterior que jugó por el Alianza Lima en su gira triunfal por Chile. Cabe mencionar que uno de los homenajeados con esa polca fue Arturo Fernández, jugador de la "U", quien junto con su hermano "Lolo", ídolo crema, reforzaron al Alianza Lima en esa gira.

Sumado a ello, Pinglo nos entregó, durante ese año de 1935, el vals "Bohemia de luto", que se conoce también como "A la memoria de Carlos Saco". Dicho vals es un homenaje al gran compositor Carlos Saco, amigo de Pinglo, quien falleció el 18 de febrero de 1935 como consecuencia de una pulmonía doble que le dio dos días antes al retornar, de madrugada, de una fiesta a la que había asistido con su bohemio grupo de Cocharcas: Angel Monteverde, Victor Echegaray, Pancho Estrada, Carlos Bahamonde, Alejandro Ascoy y otros. Pinglo debe haber compuesto ese vals para Carlos Saco días después de su muerte, en el mes de febrero, ya que en dicho vals describe como fue el cortejo fúnebre.

La grandeza de Pinglo, para crear excelentes obras, también queda demostrada en ese año de 1935 cuando compone su vals "Sueños de opio" y otras obras más que se han perdido por no haberse recopilado a tiempo. Felipe Pinglo seguiría componiendo en 1936, año de su lamentable fallecimiento.

Aldeana
(Vals Peruano)
Felipe Pinglo

En la apacible quietud de la aldea,
donde la vida es un himno de paz,
eres el hada grácil y ligera,
que a su paso esparce la felicidad.

En la visión definida y serena,
del que juzga el mundo cual fuente del mal,
eres, aldeana, lo que mi alma espera,
eres la belleza llena de humildad.

La aurora, que trae el eterno mañana,
al enviar sus rayos, alumbra tu ser;
alzas el rostro a dar gracias al cielo
y entonces te muestras divina, mujer.

Sus rayos de plata con tintes de perla,
a tu faz circundan, cual un medallón,
y en aquel instante muestras la pureza
de un ángel terreno mimado de Dios.

Los seres tan puros siempre en su alma llevan,
nobles sentimientos, ternura y bondad,
que amables prodigan, cual bálsamo eterno,
a quien necesita remedio a su mal.

Yo soy un rebelde de esa gran mentira
que llamamos vida y la muerte da,
aldeanita hermosa, graciosa y tan bella,
la dicha que ansío, tu amor me dará.

(Aparecido en "El Cancionero de Lima" No. 1612)

Dario Mejia
Melbourne Australia

Sobre El reto del Agua

2007-04-14T05:54:00.000-07:00

Has tocado un tema de suma importancia para la humanidad y uno al cual le debemos de dedicar atencion y como bien lo dice tu mensaje: "es valido para todo el mundo" y permiteme, agregar que tenemos que cambiar o adecuar nuestras vidas para tener presente el ahorro de este elemento que nos lo da gratis Dios.

Preguntemonos: Somos nosotros los seres humanos, los generosos desperdiciadores de Dones y Destructores de todo lo que hemos heredado de Dios y de nuestros antepasados.

Debemos unirnos a esta invitacion que nos haces, seguir los buenos consejos que presenta tu archivo de powerpoint, y compartir, algunos consejos para no desperdiciar y consumir este elemento de la naturaleza tan preciado.

Sabes, me gusta la jardineria y en mis ratos de descanso alrededor de mis amigas las plantas, les entrego el agua lluvia que con poco esfuerzo recolecto en diferentes recipientes, colocados en lugares estrategicos alrededor de mi casa para asi utilizar el agua y mezclarla con alimento nutritivo para mis plantas. Siempre alrededor de la casa encontramos recipientes que no utilizamos y asi un dia me di a la tarea de ver que pasaba y cachuflin, cachuflan, un buen poco de agua mis recipientes me ofreceran.

Cuando vayas de campamento, lleva algunos de estos recipientes, para recolectar el agua lluvia, porque podria salvarte la vida, dependiendo en donde te encuentres, o sino para lavar un buen par de medias y que su aroma no auyente a la poblacion silvestre y poder gozar de la presencia de conejos, ardillas, venados, etc...

En fin existen muchas y maneras de cuidar el agua, imaginate, solo si fuera bien utilizada, cuando el avion aterriza en nuestro famoso aeropuerto Jorge Chavez, nuestra vista se concentraria en lo verde y arreglado del ambiente y no veriamos los techos de las viviendas de esa zona, y todos los gobiernos dicen que no hay dinero para ayudar a los ciudadanos peruanos para arreglar esta situacion, ...me halo las barbas...mientras que los politicos pongan a remojar las suyas.
Imaginense, verdecitos, para darle mas color a nuestro querido litoral costeño. Uno de mis predilectos lugares de infancia y donde muchas de las huellas que deje se las llevo el viento y solo ahora viven en lo profundo de mi memoria para saborear personalmente de esos recuerdos y compartirlos con mi nietecita, Elisa, y ahora me place con Uds.

Como muchos peruanos de nuestros lugares preferidos en el Peru, saboreamos el agua a lo largo de nuestro pais, y hasta el agua saladita de nuestras playas, mientras veiamos volar las gaviotas, creo que ahora hay solo algunas, ya se las comieron las pandillitas de piranitas que viven a lo largo de las areas rocosas de nuestro litoral limeño. Ademas, los pescadores ya no hacen sus paseos a la Isla San Lorenzo a pescar o traer guano, para venderlo a los agricultores, tal vez ahora que presenciamos las extensas cantidades de sacos de harina de pescado que en realidad es anchoveta peruana, eso si da sed.

Recuerdo alla por mediados de los años 50, cuando mi padre compro un buen pedazo de tierra que en esa epoca eran los algodonales de Chancay...llenos de piedras que toda la familia limpiamos poco a poco. Ahora es parte de la historia de la familia y entiendo que un chino tiene en la cima del cerro un oasis con el agua que compro del terreno que perdimos hace decadas. Como yo parti del Peru en el año 1964, no vivi los detalles para seguirles contando lo que sucedio, pero recuerdo que, casi todos los fines de semana y parte de mis vacaciones, en mi infancia y parte de mi juventud, los pase alla entre, Chancay, Huaral, Huacho y las grandes y preciosas pampas de nuestra costa, que en la primavera, se vestian de amancaes decorando la arena de colores, mientras jugabamos como gaviotas a la orialla del mar y recogiamos amancaes para llevar a casa. Todo era arena calientita y las muchas siestas y caminatas que mi existencia gozo con mis 17 perros, pudimos compenetrar con nuestro suelo y gozar de el. Podia ver a las lechuzas y admirarlas como podian vivir en agujeros que hacian en los cerros y de vez en cuando con mi hermano decidiamos buscar alacranes, solo haciamos unos huecos y, cachuflin, salian. Es interesante convivir con perros, lechuzas y alacranes.

Has tomado; rodeado de tus perros sobre la arena de nuestra costa; una sabrosa siestecita, mientras el viento, bañando tu cuerpo, se estira a sus anchas ?

Bueno, corriamos porque despues de una buena siesta, le da sed a uno, y teniamos que regresar sedientos, corriendo cerro abajo, al llegar a la casa donde nos esperaba una sabrosa jarra de agua de las entrañas de nuestra madre patria. Teniamos agua, y de la mas sabrosas, referscante y exquisita, porque mi padre compro una bomba, que mi hermano, Carlos, instalo. Por muchos años gozamos de esa agua y se que despues unos chinos tambien gozaron de ella y ahora dicen que unos españoles han comprado esa tierra, y no se que haran ?

Teniamos agua hasta para regar los arboles frutales de la huerta de mi madre, que dicho de paso es Chilena y sabe gozar del buen trabajo y la cancion. Siempre nos cantaba valcesitos criollos y canciones Chilenas y hasta hoy ya en sus 85 años, nos da excelentes consejos, y mensajes de amor. Su Reina y a la persona que siempre le guarda una gran admiracion y respeto es a nuestra joya y valor criollo: La Sra. Jesus Vasquez, "La Reina de La Cancion Criolla". Todo mi familia somos sus subditos y nunca habra nadie que se le iguale, aunque muchas tratan. La Sra. Jesus Vasquez siempre nos regala lo mejor que Dios siempre le dio, Su Amor, por nuestra Musica Criolla y la pasion de hacernosla sentir. Siempre vivira en los corazones de todo peruano que sabe respetar lo nuestro y a los seres humanos, y se escucharan sus dulces interpretaciones, como jilgeros matutinos para darnos los buenos dias y desearnos lo mejor de ellos.

En realidad en muchos corazones de familias peruanas vive y vibran con energia esos momentos de sus primeras presentaciones y aunque muchos traten de emularla cantando las mismas canciones solo nuestra "Reina de la Cancion Criolla", La Sra. Jesus Vasquez las sabe cantar con Amor...

Que rica que sabe el agua cuando se tiene sed...

Aguita, que seria sin ti
Autor: Leoncio F. Espinoza

Vida pasajera, hermosa, alegre,
bondadosa, traicionera, pensandote,
Que seria de mi, sin tu presencia,
mi amada, agradable, saciable amiga.

Sin ti, vida existiria ?, limitando alegrias
sintiendo tu ausencia, perdido, confundido,
angustiado, desesperado en brazos del olvido,
pensando a que sabria mi Pisco y mi Chelita.

Prisionero, en desesperacion, añorando tu regreso
mis labios, partidos por no tenerte, sin saborear,
tu ser refrescante, saciando mi existencia, devolviendome,
Destellos de Luz, Energia, Alegria, Vivir Nuevamente...

-------------04102007--------------

La vida es comica y una tombola, tom, tom, tombola........mientras escribia estas lineas y llegaba al final del poemita dedicado al aguita, el locutor comento como parte de las noticias, la ciencia del uso de agua en la taza del baño, y decia, como en ciertas ciudades ya el agua no se da como antes, muchos andan preocupados y para tratar de aminorar este problema, la cia. Kohler, va a lanzar al mercado una taza de capacidad de 1.3 galones de agua. Esto representaria un gran ahorro, ya que hoy existen tazas de 1.6 o mas galones de capacidad de agua. Tambien se menciono que costaria unos $50.00 dolares mas que una taza de 1.6 galones, pero a la larga la inversion se recobraria y se ahorraria mas agua. Asi, tambien el presidente de Argentina entra en el sancocho, porque le decia a su pueblo: Basta,....Basta....YA...no creo que se referia al desperdicio de agua, pero son buenas palabras para empezar a reducir y preservar nuestra valiosa AGUA !!!! He Dicho !!!

Saludos

Leoncio F. Espinoza Ceroni
"Entre los maizales de Iowa" VEPC

Pinglo y los Barrios Altos

2007-04-14T05:53:00.000-07:00

Escrito por Dario Mejia.